Light art
forma de arte aplicado
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El light art (arte lumínico o arte de la luz [1]) es una forma de arte aplicado en la cual la luz es el medio principal de la expresión. Es un arte que surge a través de la manipulación de luces, colores y sombras.
Siempre hubo una relación entre arte y luz, donde, por lo general, la luz solía encontrarse al servicio de otra disciplina artística. La representación de la luz es una de las temáticas más desarrolladas dentro de las artes plásticas, teatrales, literatura, cine y fotografía, pero la luz como material primigenio de la obra artística es reciente y esto se vio favorecido por la posibilidad técnica de controlar la emisión de luz.[2]
La gran revolución que produjeron los postulados de la Física Cuántica en la década de 1920 trajo consigo un cambio radical en la forma de percibir la creación de la materia, el espacio y el tiempo. El mundo del arte se hizo eco de estos postulados y muchos artistas empezaron a preguntarse sobre los parámetros que rigen la realidad y la percepción de ésta. La revolución industrial favoreció el control de la generación de luz artificial y, en conjunto con el marco de pensamiento que se desprende de los postulados de la física cuántica, fue el terreno propicio para lo que en la actualidad llamamos Light Art.[2]
Una de las características que define al Light Art como disciplina artística particular es la interacción que sus obras proponen entre el ambiente circundante y el espectador. Desde el punto de vista plástico, sus propuestas se mueven en el terreno de la ambigüedad, creando para el observador un juego visual que invita a la duda sobre la identidad física de lo contemplado, usando como herramienta principal elementos sensoperceptivos, siendo la principal materia compositiva la luz. [2]
Cabe recalcar que no todas las obras en la que se encuentren presentes elementos iluminantes o que propongan alguna interacción con la luz pueden ser consideradas Light Art, que es la disciplina en la cual la luz es el material principal de creación, la luz es el lenguaje y el mensaje.[3]
Historia
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Las primeras manifestaciones de este arte aparecieron después del invento de la lámpara incandescente a finales del siglo XIX, que resultó ser seguro y asequible. El Light Art aun así no devino arte hasta mediados del siglo XX gracias al trabajo pionero y experimental del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles por Robert Irwin y James Turrell a partir de 1969.[4]
Modernismo, Constructivismo y Bauhaus (1920–1935)
La luz ha sido utilizada para crear efectos arquitectónicos durante toda la historia humana. Aun así, el concepto moderno del arte de la luz ha emergido con el desarrollo del tendido eléctrico por artistas modernos, Constructivistas como Bauhaus. Prounenraum (1923), por El Lissitzky, está considerado por muchos historiadores de arte el primer artista que incorporó a su arquitectura elementos de luz como un elemento más de su trabajo.[5] El primer objeto o escultura de este arte fue el Light-Space Modulator (1922-1930), de László Moholy-Nagy.[6] La experimentación y las innovaciones en luz teatral también influyeron en el uso del arte de la luz. Además, el desarrollo del modernismo y la luz eléctrica van de la mano con la idea de la ciudad moderna.
Todas las artes visuales utilizan la luz de alguna manera; pero en la fotografía, en el cine y en la pintura la luz tiene un papel esencial. Sin embargo, con la invención de la luz artificial eléctrica, las posibilidades aumentaron y muchos artistas empezaron a utilizar la luz como una forma principal de expresión y no sólo como vehículo para otras formas de arte. El constructivista Naum Gabo experimentó con luz que se refleja en un objeto.[7] Marcel Duchamp con Hat Rack cuelga del techo un colgador de sombrero que proyecta una sombra contra la pared.[8]
La crítica de arte Hilarie M. Sheets explica que "la interacción entre luz y sombra ha sido un tema recurrente desde la escultura griega y romana, el renacimiento hasta el cine experimental. La tecnología que ha ido avanzando desde la bombilla eléctrica hasta el monitor de los ordenadores, ha sido una experimentación constante y subjetiva de la luz por parte de los artistas".[9]
Los espectáculos de luz a gran escala requieren de la colaboración de las administraciones públicas. Un ejemplo temprano es la utilización de faros de búsqueda por parte de Albert Speer para su Catedral de luz, una característica estética principal de los Congresos del Partido Nacional Socialista Alemán celebrados en Núremberg desde 1934 hasta 1938.[10]
Arte lumínico cinético y op arte (1950–1970)
Conforma un subconjunto de arte cinético que supone luz y movimiento. Se trata de un arte muy ligado a la escultura en el que los artistas construyen estructuras que combinan luz y espacio. Muy ligado a esto está el op art o arte óptico, un movimiento más bien pictórico que se une al arte cinético para crear un todo final.
Arte de neón (1980)
El arte de neón es una evolución del arte de la luz que se ha desarrollado gracias a la aparición del neón, como un invento que utiliza diferentes gases dentro de un recipiente para crear luz de diferentes colores.
Categorías del Light Art
CATEGORIZACIÓN POR FORMATO
Esta categoría tiene como eje clasificatorio como se desarrolla la idea en el espacio, la concreción de la pieza. No hablaremos de la construcción y el desarrollo técnico de la obra sino lo que se presenta ante el público. Se trata de la puesta en acto del concepto lumínico desarrollado por el artista o colectivo artístico. Las subcategorías corresponden a distintas aproximaciones de relación, conexión e injerencia de la obra con el espacio físico circundante.[2]
Objetos lumínicos.
Hace referencia a piezas constituidas por elementos tangibles de distintos tamaños y formas que tienen la cualidad de emitir/producir luz o efectos lumínicos. Algunas obras de este formato fueron catalogadas a lo largo de la historia como esculturas lumínicas. En general podemos analizarlas conceptualmente como aquellas que tienen como objetivo la materialización tangible de la luz. Este formato permite una exploración profunda de las fuentes de luz y diversos materiales que interactúan con los estímulos luminosos. Por lo general los objetos lumínicos necesitan espacios de penumbra u oscuridad para su exhibición. Algunos ejemplos de obras que pertenecen a esta categoría son “Dichrolight” de Laurent Fort, “Microtemps 12” y “Prisma” de Nicolas Schöffer.[2]
Grandes Instalaciones.
Son intervenciones lumínicas que toman lugar en espacios de gran dimensión. Pueden ser objetos luminosos, pero de gran formato en relación a la escala humana. Suelen montarse y exhibirse en espacios al aire libre donde la geografía del espacio determina su lectura. A veces juegan o se ven afectadas por la luminosidad y/u oscuridad del ambiente exterior. Como ejemplos de esta categoría podemos encontrar “Field of light” de Bruce Munro “Now You see Me, Now You don’t” de Manal Aldowayan.[2]
Instalaciones inmersivas.
Son piezas que invitan a que el espectador se sumerja en el interior de la obra. Todos los sentidos del espectador se ven estimulados en igual magnitud. El artista controla los estímulos visuales en su totalidad, aparece la posibilidad de la apertura de nuevos campos perceptivos del espectador pudiendo forzar que determinados procesos fisiológicos sucedan. Estas propuestas, permiten la alteración o pérdida del sentido de profundidad, la ortogonalidad y el equilibrio requiriendo de un espectador contemplativo. Las piezas “White Canva ” de COCO LAB y “Light origami” de KAZ Shirane son dos grandes ejemplos para ilustrar esta categoría.[2]
Instalaciones interactivas.
Las obras interactivas requieren de un sujeto/personas que active, o ponga en funcionamiento el dispositivo. En lo interactivo el artista pauta cuáles son los parámetros modificables y cómo se da la relación entre el espectador y la obra. La existencia de un dispositivo de control accesible al espectador crea la posibilidad de que éste sea o no sea accionado. Estas instalaciones invitan y prefieren un espectador activo y dispuesto. En esta categoría podríamos inscribir las obras “Trascending boundaries" de teamLab, “In Peak Bloom” de Artechhouse DC y “The Pool” de Jen Lewin Studio.[2]
CATEGORIZACIÓN POR TENDENCIA ARTÍSTICA COMPOSITIVA
Barroco lumínico
Para poder definir una obra lumínica barroca, primero nos gustaría recapitular brevemente algunas de las más notorias características de este movimiento artístico que tuvo lugar durante los siglos XVII y XVIII tanto en Europa como en América Latina. El arte barroco tiene como característica principal, la tendencia a la ostentación y la exageración. Durante el Barroco, sus artistas se centraron de manera particular en las formas, espacios, colores y luces. El desarrollo de las obras de arte tuvo una gran tendencia hacia la realización de efectos escenográficos magnificentes realzados por fuertes contrastes de luces, sombras, y un sentido del movimiento. La majestuosidad y la monumentalidad de cada obra es una característica fundamental para diferenciar piezas de este movimiento. Otro gran eje de creación fue la relación entre el observador y la obra, intentando crear experiencias emocionales. Dentro del Light Art, podemos vislumbrar un conjunto de piezas que comparten estas características. La creación de obras inmersivas con profusión de fuentes lumínicas a la vista, que juegan con efectos de luces y sombras sutiles, y que invitan al público a saturar sus sentidos ante la magnificencia de la luz; es un claro ejemplo de piezas lumínicas barrocas. Tres ejemplos de esta categoría son las piezas “Primordial Garden ” de Adela Andea, “Tijuanatanjierchandelier” de Jason Rhoades y “Unwoven light” de Soo Sunny Park. [2]
Minimalismo lumínico
Al igual que ocurre con el Barroco, nos gustaría tomar algunas de las características de este movimiento para explicar nuestra clasificación. El Minimalismo es una corriente artística contemporánea surgida en Estados Unidos durante la década de lo 60’. Una de sus características principales es el desarrollo creativo en torno a la materialidad de las obras, evitando de forma consciente el contenido de carácter emotivo y la utilización de símbolos. Dentro de esta exploración de los materiales, se destacó la utilización de materiales industriales prefabricados, en los que predominaban la geometría y la repetición dentro del espacio que contenía a la obra de arte. Este movimiento, incluye obras en las que se experimentaba con la luz como materia de creación. Podemos decir que algunos de los elementos del Minimalismo que utilizaremos como referencia para la creación del minimalismo lumínico son la utilización de formas y patrones geométricos, intentando llegar a la mínima expresión a través de la reducción de elementos diferentes; la repetición de una misma morfología; la utilización mayoritaria del monocromatismo como experiencias de color; y la creación a partir de materiales industriales. Dentro de esta categoría, podríamos decir que el máximo referente es Dan Flavin con sus obras creadas a partir de luminarias fluorescentes pero otro ejemplo son las piezas “Parallel ”15 de Nonotak y “50/50” de Sophya Acosta Lighting Design Studio.[2]
OBRAS FENOMENOLÓGICAS
Esta categoría englobaría aquellas obras que tienen como eje principal el desarrollo de conceptos relativos a la física de la luz. La base científica de esta categoría lleva a que los artistas experimenten con distintas posibilidades lumínicas relacionadas por ejemplo a la refracción, reflexión y demás fenómenos de la onda lumínica. El desarrollo tecnológico posibilitó el estudio de los fenómenos de la luz en el arte. Podríamos decir que las obras lumínicas fenomenológicas son aquellas que permiten un acercamiento mayor entre los roles de artistas y tecnólogos. El espíritu investigativo compartido por las ciencias y el arte se ven absolutamente entrelazados en la creación de estas piezas, siendo a veces las investigaciones científicas el puntapié para crear una obra, y otras, el desarrollo de una obra el inicio del estudio sobre determinados fenómenos físicos de la luz. Ejemplificaremos esta categoría a través de las piezas “Symphonie Cinetique” de Joachim Sauter y Olafur Arnalds, “Your shadow” de Olafur Eliasson y “Tragalux ” de Luciana Suppicich.[2]
CATEGORIZACIÓN COMO OBRAS SENSITIVAS/SENSORIALES
A diferencia de la categoría anterior, en esta categoría el enfoque es antropocéntrico, poniendo el eje en la percepción humana. Las obras de esta categoría exploran principalmente la mirada del observador desde un punto de vista biológico, buscando generar determinadas respuestas a los estímulos presentados. Intuitivamente podríamos decir que las tres dimensiones físicas de la luz son el tiempo, el espacio y el color/temperatura color. A estas dimensiones, podría sumarse como una cuarta dimensión la percepción del sujeto. Dentro de la dimensión perceptiva existen diferentes estadios que coexisten, la dimensión perceptual del emisor o creador, la dimensión del espectador y la dimensión abstracta u objetiva del hecho lumínico. “The Weather Project” de Olafur Eliasson, “La chambre de cromosaturation” de Carlos Cruz-Diez e “Infinity Mirrors” de Yayoi Kusama son algunos ejemplos que ilustran esta categoría.[2]
Exhibiciones
Museos
Muchos museos de arte moderno incluyen instalaciones y esculturas en sus colecciones permanentes y provisionales. El Centre for International Light Art en Unna, Alemania es actualmente el único museo del mundo que se dedica exclusivamente a la colección y presentación de arte de la luz.[11][12]
El Museo de San Francisco de Arte Moderno y el Museo de Arte Moderno en Nueva York a menudo tienen exposiciones provisionales e instalaciones en sus galerías sobre arte de la luz.
Festivales de luz
Los festivales han nacido a partir de la revolución de la escultura urbana de exterior que utiliza el led y su baja energía. Estos festivales han continuado creciendo internacionalmente. Esto produjo que se plantearan fechas para este movimiento en forma de festivales, como el festival anual Llum BCN (ca) en Barcelona desde 2012 o el Vivid Smart Light Festival en Sídney desde 2009. En Singapur, el festival Light Marina Bay fue el único festival sostenible que se celebró en Asia en 2010. Existen muchos festivales de este tipo en Europa, incluyendo el Signal Festival en Praga o el Light Festival en Gante. Estos festivales en conjunto con el avance del led han redefinido este arte de la luz como un nuevo género de arte.
Premios de Arte de la Luz
Se crearon premios para animar a artistas a explorar el arte de la luz, a pesar de las dificultades de este estilo relativamnete nuevo.
- El International Light Art Award, presentado por el Center for International Light Art Unna, está dando una serie de premios desde 2015 a artistas que contribuyen al desarrollo de este arte de una manera innovadora y creativa.
- La ingeniería australiana y neozelandesa encargada de la iluminación, ANZIES, empezó a dar un premio anual a nuevos artistas en el Vivid Light Festival de Sídney (Australia) en 2010. Este festival comenzó a dar un gran soporte local y una serie de subvenciones a artistas internacionales y locales que buscaban un medio para elaborar sus obras.
- En 2015 los premios DARC, apoyados por la revista Mondo Arc, empezó a galardonar artistas.
- La International Association of Lighting Design (IALD), una organización norteamericana, también comenzó a dar un premio anual a este arte.
El Arte Lumínico en Latinoamérica
Desde la primera década del siglo XXI, artistas latinoamericanos exploran dispositivos y tecnologías que permiten modificar el espacio habitado con diversas presencias o ausencias de luz.[13] Sus obras suelen ser inmersivas y las propuestas convidan diferentes grados de interacción con el público. Entre ellos, se puede mencionar a Juan Ignacio Cabruja, [14][15] Diego Alberti,[13] Magdalena Molinari,[16][17] Gonzalo Maciel, Leo Ocello[18] y Carlos Cruz Diez.
