アール・デコ

アール・デコは、戦前の1925年にパリのセーヌ河畔を会場として開催された「アール・デコラティフ」という展覧会が由来とされている^[1]。この展覧会は国際博覧会であり、正式名称は「現代装飾美術・産業美術国際博覧会（Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels modernes）」である。展示会場の外壁に、これまで見たこともないような円弧や直線を組み合わせた文様が施されていて、これがアール・デコ様式のはじまりだった^[1]。戦後、アール・デコという言葉が印刷物に登場したのは、1966年にタイムズ紙のヒラリー・ゲルソンによる記事によるものだった^[2]。

キュビズム、バウハウスのスタイル、当時発掘が相次いだ古代エジプト（古代エジプト美術）の装飾模様、アステカ文化の装飾、日本や中国などの東洋美術など、古今東西からの様々な引用や混合が指摘されている。世紀末のアール・ヌーヴォーは植物などを思わせる曲線を多用した有機的なデザインであったが、自動車・飛行機や各種の工業製品、近代的都市生活といったものが生まれた時代への移り変わりに伴い、進歩した文明の象徴である機械を思わせる、装飾を排除した機能的・実用的なフォルムが新時代の美意識として様式化した^[3]。

世界中の都市で同時代に流行し、大衆に消費された装飾でもある。富裕層向けの一点制作のものが中心となったアール・ヌーヴォーのデザインに対し、アール・デコのデザインは一点ものも多かったものの、大量生産とデザインの調和をも取ろうとした。アール・デコの影響を受けた分野は多岐にわたり、広まった。

アール・デコは、装飾ではなく規格化された形態を重視する機能的モダニズムの論理に合わないことから、流行が去ると過去の悪趣味な装飾と捉えられた。従来の美術史、デザイン史では全く評価されることもなかったが、1966年、パリで開催された「25年代展」以降、モダンデザイン批判やポスト・モダニズムの流れの中で再評価が進められてきた。

アール・デコ建築としては、1930年頃はニューヨークの摩天楼（クライスラー・ビルディング、エンパイア・ステート・ビルディング、ロックフェラーセンターなど）が有名だった。しかし、大恐慌によりアメリカ経済が大不況に陥るとともに流行は終焉した。建築家の磯崎新によると、モダニズムへの転換は1932年にニューヨーク近代美術館（MoMA）で開催された「インターナショナル・スタイル展」が決定打になり、アール・デコはマイアミのリゾートホテル（英語版）やロサンゼルスの映画館のような地方の消費志向型建築にしか用いられなくなったという^[4]。

日本でも昭和時代初期の一時期、アール・デコ様式が流行した。当時、国際都市であった上海の近代建築にもアール・デコの影響が見られる（サッスーンハウス、フランスクラブなど）。

アメリカ

• クライスラー・ビルディング

  アールデコの摩天楼

• エンパイア・ステート・ビルディング
• ウォルドルフ＝アストリア
• エセックスハウス
• ラジオシティ・ミュージックホール
• マイアミの街並み（マイアミ・デコと呼ぶことがある）

他、中南米や、オーストラリア、インド、インドネシアなどにもアールデコ意匠の建築は見られる。

• フロントン・メヒコ（スペイン語版）（メキシコシティ、メキシコ）
• チリ国立銀行（英語版）
• セントラル・ド・ブラジル駅
• オーストラリア戦争記念館
• 旧ニュージーランド銀行（英語版）ほか、ネーピアの街並み（1931年の震災からの復興に際し、アールデコ様式を採用した）
• アンザック記念碑（英語版）（ニューサウスウェールズ州シドニー、オーストラリア）
• ウメイド・バワン・パレス（英語版）（ラージャスターン州ジョードプル、インド）

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  クライスラー・ビルディング最頂部
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  ウォルドルフ＝アストリアホテル　ロビー
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  ロックフェラー・センターとアトラス像　アメリカ合衆国、マンハッタン
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  マイアミビーチ、コリンズ・アベニュー（英語版）
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  マイアミ・アール・デコ地区（英語版）
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  フーヴァー・ビルディング（英語版）　イギリス、イーリング区
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  フローリン・コート（英語版）　イギリス、ロンドン、スミスフィールド
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  ブライトン・シティ空港 イギリス、ランシング
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  シャイヨ宮 フランス、パリ
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  ホテル・マルチネス（英語版） フランス、カンヌ

インテリア、家具にもアール・デコが用いられた。チャールズ・レニー・マッキントッシュやウィーン分離派、フランク・ロイド・ライトのデザインもアール・デコの流れに位置づけられることがある。

• レイモンド・ローウィ

ガラス、金属、陶芸（陶磁器などの工芸作品）。 他、昭和初期に精工舎が金属・ウランガラス・樹脂などで製作した置時計など。

アール・デコの潮流はファッションにも波及した。「瞬時に捉えられる単純で輪郭のはっきりしたフォルムと、感覚的で明快な表面性、表層性」が特徴とされるアール・デコの直線的スタイルの革新を真っ先にモードにとり入れたのは、1908年にコルセット不要のドレスを考案し、アール・ヌーヴォー時代を代表するS字型シルエットを排除したポール・ポワレである^[6]。アール・デコの呼称の源となった1925年のパリ万国装飾美術博覧会（アール・デコ展）の展示グループ5つのうちひとつは『衣装・装身具（parure）』であり^[6]、「エレガンス館」と名付けられた会場にパリじゅうのデザイナーの作品が集められ展示された^[7]。

モード界の帝王として君臨していたポワレは博覧会場のほかにレストランとサロンをしつらえた3艘の豪華船をセーヌ川に浮かべ、ドレスのほか、香水や家具やアトラクションなども披露した^[8]。『アール・デコの時代』の著作のある海野弘は、「ファッションがこれほど同時代のモダン・アートに関係していたことは珍しい」と言う^[9]。

博覧会場では、1916年に実用性を重視した伸縮性のあるジャージ素材のスーツで世間を驚かせたココ・シャネルや日本の着物から着想した新しい裁断法の服で知られるマドレーヌ・ヴィオネら女性デザイナーたちのより革新的で機能的な服も当時流行した短髪のマネキンに着せられてより一層の注目を集め、アール・デコ時代の服飾の代表格となっていった^{[6][10][11][12]}。

もともとアール・デコには日本の美術から影響を受けた側面がある。