Carlos Cruz-Diez

Enfance et famille

Carlos Eduardo Cruz-Diez est né le 17 août 1923 à La Pastora, Caracas, au Venezuela^[7],[13]. Il était le fils de Carlos Eduardo Cruz Lander, chimiste et poète d'origine canarienne, et de Mariana Diez Feo^[9],[4]. Du côté de sa mère, son arbre généalogique compte de nombreuses personnalités marquantes de l'histoire postcoloniale sud-américaine. Il était l'arrière-petit-fils du général Mariano Diez^[14], qui a joué un rôle déterminant dans l'indépendance du Venezuela. L'un des fils les plus connus du général Diez (le grand-oncle de Carlos) était Manuel Antonio Diez, vice-président de la République sous la présidence de Joaquín Crespo (1884-1886)^[15].

Tout au long de sa vie, Cruz-Diez a développé ses recherches dans ses ateliers, qui lui servaient également d'espaces de vie pour sa famille. Il les appelait ses « maisons-ateliers », déclarant dans ses mémoires, Vivir en arte : « Mon projet de vie comprenait à la fois la peinture et la famille ».

« Mon projet de vie comprenait la peinture et la famille en même temps », a-t-il écrit dans ses mémoires, Vivre dans l'art : Souvenirs de ce dont je me souviens^[16].

Évolution de son œuvre

Enfant, Cruz-Diez était fasciné par les reflets rouges sur sa chemise blanche, causés par la lumière du soleil filtrant à travers les bouteilles de cola dans l'usine de son père^[9]. Il a étudié au Colegio Atenas, puis au lycée Andrés Bello^[17].

1940 : Période de formation et peinture sociale

Cruz-Diez commença ses études à l'École des arts plastiques et appliqués de Caracas en 1940, où il découvrit ce qu'il appelait son « éveil à l'euphorie de la couleur ». Il reçut l'enseignement de maîtres tels que Marcos Castillo, Luis Alfredo López Méndez et Juan Vicente Fabbiani^[18]. Il se lia d'amitié avec Alejandro Otero et Jesús Rafael Soto, qui deviendront plus tard ses pairs dans l'abstraction géométrique et le mouvement cinétique^[19],[9]. Il obtint son diplôme de professeur d'arts appliqués et d'arts manuels en 1945.

À cette époque, il s'intéressait à l'œuvre de Francisco Narváez et d'Héctor Poleo^[20]. Parallèlement à ses études, il collaborait à des dessins humoristiques pour le journal La Esfera et le magazine pour enfants Tricolor. Sa peinture de cette période était alors marquée par le réalisme social^[18],[17].

Cependant, dès cette période de formation, il prit conscience de l'importance du travail avec la couleur. Il apprit de l'un de ses professeurs, Rafael Ramón González, à ne pas peindre la couleur unie et évidente des objets, mais à interpréter les nuances qui la composent. Des années plus tard, il approfondit ce précepte, aboutissant à l'une de ses plus grandes découvertes : comprendre que la couleur est présente dans l'espace qui nous entoure et que la clé réside dans la capacité à la percevoir.

En 1944, il travailla comme illustrateur et graphiste pour le magazine El Farol de la Creole Petroleum Corporation et illustra également d'autres publications. Il créa aussi des bandes dessinées pour divers journaux vénézuéliens. Un an plus tard, après avoir obtenu son diplôme, il devint professeur de peinture et d'histoire de l'art à l'École des arts visuels et appliqués de Caracas^[17].

En 1946, il fut nommé directeur de la création de l'agence de publicité McCann-Erickson Venezuela et, plus tard, en 1953, travailla comme illustrateur pour le journal El Nacional^{[21],[17],[22],[9]}.

Il organisa sa première exposition individuelle à l'Institut vénézuélien-américain de Caracas en 1947 et, trois ans plus tard, devint membre du comité de rédaction du magazine Taller.

Durant cette période, l'artiste concentra son œuvre sur la représentation des secteurs marginalisés et précaires de la ville de Caracas, marquée par les inégalités sociales. Un moment clé de cette époque fut l'exposition d'Héctor Poleo en 1947, à son retour du Mexique. Des œuvres telles que Los tres comisarios (Les Trois Commissaires, 1943) ou Paisaje de los Andes (Paysage andin, 1941) lui révélèrent que la réalité sociale pouvait être peinte autrement, sans le coup de pinceau cézannien, et qu'il était possible d'aborder des sujets autres que les paysages, les nus ou les natures mortes. Commença alors une série de tableaux, parmi tant d'autres, tels que Adán el chichero, Las aguadoras et Techo, qui traitent de thèmes sociaux et folkloriques.

1950 : Plateforme conceptuelle

Au début des années 1950, Cruz-Diez inscrivit sa démarche artistique dans l'idéal d'un art engagé, dénonçant les injustices sociales. Cependant, il comprit rapidement que la représentation de ces problèmes n'offrait aucune solution aux communautés identifiées dans son œuvre. Finalement, il saisit que sa vocation sociale pouvait s'exprimer autrement, ce qui le conduisit à créer son propre langage : « l'art est une structure complexe de communication, d'expression, de découverte et d'invention ». C'est ainsi qu'il commença à explorer la perception de la couleur.

En 1951, après avoir quitté McCann-Erickson, il épousa Mirtha Delgado Lorenzo et commença à travailler comme illustrateur pour le quotidien caracasien El Nacional^[9]. En 1954, il s'intéressa aux courants abstraits et développa une série de projets de peintures murales extérieures utilisant des éléments géométriques. La même année, il présenta ces projets au XVe Salon officiel (1954), ce qui suscita la surprise en raison de son virage vers l'abstraction^[17].

Entre 1954 et 1959, l’œuvre de Cruz-Diez traverse plusieurs phases d’étude : Signos Vegetales (Signes végétaux, 1955-1956) ; Objetos Rítmicos Móviles (Objets rythmiques mobiles, 1956-1957) ; et Estudio de la percepción Óptica y la inestabilidad del plano (Étude de la perception optique et de l’instabilité du plan, 1956-1959). Durant cette période, il se livre également à une intense activité de lecture, de recherche et de réflexion, ce qui le conduit à concentrer son attention et son travail sur le phénomène chromatique.

En 1955, il séjourna un an et demi à El Masnou, près de Barcelone. Cette même année, il se rendit à Paris et visita l'exposition « Le Mouvement » à la Galerie Denise René, où participait également son ami Jesús Rafael Soto. Ce voyage inspira une nouvelle orientation à Carlos Cruz-Diez. L'année suivante, il exposa les séries « Signos Vegetales » (Signes Végétaux) et « Objetos Rítmicos Móviles » (Objets Rythmiques Mobiles) à la Galería Buchholz de Madrid. Après de brefs séjours à New York et à Paris en 1957, il retourna à Caracas et fonda l'Estudio de Artes Visuales, dédié au graphisme et au design industriel. En 1959, il créa sa première Couleur Additive et sa première Physichromie^[4],[9].

En 1959, la série Physichromie de Cruz-Diez concrétise son idée d'intégrer l'art, en tant que réalité chromatique autonome, à l'environnement du spectateur. Les surfaces des Physichromies sont composées de bandes colorées de carton, d'aluminium ou de plexiglas, assemblées sur deux niveaux alternés : l'un plat, l'autre en relief. Ces agencements chromatiques produisent une sensation de mouvement vibratoire qui multiplie les tonalités selon la position et la distance du spectateur, ainsi que selon l'angle de la lumière réfléchie – naturelle ou artificielle – par l'environnement. La série de peintures géométriques de Cruz-Diez, intitulée Couleur Additive, consiste à combiner deux couleurs pour créer l'illusion d'une troisième^[4].

Ces premières œuvres ont joué un rôle fondamental dans la définition du parcours futur de l'artiste. Cruz-Diez ne dénonçait plus les injustices sociales par la peinture figurative ; il a désormais recours à un nouveau médium pour exprimer la contemporanéité tout en conservant son engagement moral envers un large public^[22].

1960 : Un discours visuel sans précédent

En 1960, Cruz-Diez décide de s'installer définitivement à Paris avec sa famille^{[23],[4],[11],[9]}. L'année suivante, il participe à l'exposition « Bewogen Beweging » au Stedelijk Museum d'Amsterdam, qui présente des collaborations avec des artistes tels que :

• Allan Kaprow
• Alexander Calder
• Laszlo Moholy-Nagy
• Robert Rauschenberg
• Jean Tinguely
• Marcel Duchamp
• Victor Vasarely^[24],[17]

En 1964, il a commencé à produire la série Induction Chromatique, et entre décembre de cette année et février 1965, il a participé à l'exposition Le Mouvement 2^[17].

En 1965, il est nommé conseiller au Centre culturel Noroit à Arras. La même année, il participe à l'exposition « The Responsive Eye » au Museum of Modern Art (MoMA) de New York^[25], une exposition pionnière du mouvement de l'art cinétique. Durant cette période, l'artiste continue de pratiquer le graphisme en parallèle^[26].

En 1965, Cruz-Diez conçoit son premier environnement chromatique, Laberinto de Descondicionamiento (Labyrinthe de déconditionnement). Ce projet aboutit à la création de Chromosaturation, une œuvre immersive présentée plus tard à Paris, dans le quartier de Saint-Germain-des-Prés, à l'occasion du festival « Art dans la rue »^[27].

En 1966, il remporte le prix de la IIIe Biennale d'art américain de Córdoba, en Argentine, et en 1967, il présente Physichromie 22 à l'exposition Lumière et Mouvement au Musée d'Art moderne de Paris (mai-août 1967). En 1968, à l'occasion de l'exposition Cinétique à la Maison de la Culture de Grenoble, en France, il expose pour la première fois ses Chromosaturations^[17].

Il a reçu le Prix international de peinture à la Biennale de São Paulo de 1967. Il a représenté le Venezuela à la 35e Biennale de Venise en 1970, où il a présenté une Induction Chromatique, Physichromie et un environnement chromatique : Chromosaturation (1965/1970). Cette exposition a consolidé la reconnaissance internationale de Cruz-Diez comme figure majeure de l'art cinétique^[9].

À partir de 1967, Cruz-Diez a réalisé de nombreuses œuvres monumentales d'architecture, d'espaces publics et d'environnements habitables à travers le monde, le Venezuela abritant la plus grande concentration de ses créations. Sa première œuvre publique, éphémère, consistait en 20 cabines en plexiglas coloré installées le long du boulevard Saint-Germain à Paris, à l'occasion d'une fête de rue en 1969. Après la commande pour l'aéroport de Caracas, il a réalisé des dizaines d'autres projets, parmi lesquels :

• Une sculpture pour le parvis de l'ambassade du Venezuela à Paris.
• Des interventions au siège d'UBS à Zurich (1975).
• Une centrale hydroélectrique au Venezuela (1977).
• Une sculpture marquant la frontière entre Andorre et l'Espagne (1991).
• La décoration des allées menant au stade de baseball des Marlins à Miami (2011)^[4].

1970 : Le cycle des œuvres monumentales

Les années 1970 ont vu la consolidation des œuvres monumentales de Cruz-Diez. Il a toujours insisté sur le fait que la signification de la série Muros Exteriores (Murs extérieurs) résidait dans sa dimension sociale plutôt que dans sa seule valeur esthétique. Il s'agissait d'œuvres participatives à travers lesquelles l'artiste souhaitait partager avec le grand public le plaisir de ses recherches et de ses études chromatiques^[28].

En 1970, les recherches de l'artiste avaient atteint un stade avancé, comme en témoignent les 29 œuvres monumentales qu'il a créées durant cette période. Parmi ses œuvres les plus remarquables, citons :

• Environnement chromatique, Centrale hydroélectrique José Antonio Páez, Saint-Domingue, Venezuela (1973).
• Environnement de couleurs additives, sol de l'aéroport international Simón Bolívar, Maiquetía, Venezuela (1974).
• Environnement chromo-cinétique, siège de l'Union Bank of Switzerland (UBS), Zurich, Suisse (1975).
• Cylindres à Induction Chromatique, Port de La Guaira, Venezuela (1975).
• Physichromie double face, Place Venezuela, Paris, France (1976).
• Environnement chromatique, Centrale hydroélectrique Simón Bolívar (Barrage de Guri), État de Bolívar, Venezuela (1977).
• Environnement chromatique, Compagnie vénézuélienne de navigation (CAVN), Caracas, Venezuela (1979)^[29],[30].

De 1972 à 1973, Cruz-Diez est professeur à l'École Supérieure des Beaux-Arts et des Techniques Cinétiques de Paris^[31].

Années 1980 : Le développement d'un discours didactique

Au cours des années 1980, Carlos Cruz-Diez a commencé à cristalliser les réflexions qu'il développait depuis les années 1950. Il s'est concentré sur la structuration de son œuvre et s'est consacré à une écriture plus méthodique qu'auparavant, entreprenant la rédaction de son livre Réflexion sur la couleur (Reflexión sobre el color).

Cette décennie fut marquée par sa volonté d'expliquer son œuvre au monde, tandis que ses recherches continuaient d'évoluer – un processus qui ne cessa jamais de se développer. En 1980, l'exposition itinérante « Didactique et dialectique de la couleur », présentée au Musée d'art de l'Université Simón Bolívar de Caracas, illustra cette démarche didactique.

En 1988, l'exposition « L'autonomie de la couleur : peintures, sculptures et objets des années 1959-1988 » au musée Josef Albers Quadrat de Bottrop, en Allemagne, a constitué une étape majeure dans son parcours. Elle a inscrit son œuvre dans la continuité de l'héritage de Josef Albers.

En 1989, la première édition espagnole du livre Reflexión sobre el color a été publiée par Fabriart Editions au Venezuela.

Années 1990 : Technologie numérique

En 1993, Cruz-Diez poursuit ses recherches et ses expérimentations sur la couleur irradiée aboutissent à l'œuvre Couleur à l’Espace. Il s'initie également à l'informatique avec son œuvre Experiencia Cromática Aleatoria Interactiva (Expérience chromatique aléatoire interactive, 1995)^[32]. Ce logiciel permet aux utilisateurs de créer des compositions de formes et d'harmonies de couleurs, les invitant à s'immerger dans l'univers créatif de l'artiste grâce à ses propres outils, à la manière d'un musicien interprétant une œuvre composée à partir d'une partition^[33].

Durant cette décennie, il a également réalisé 25 œuvres monumentales, parmi lesquelles :

• Induction Chromatique double face par changement de fréquence, Plaza Alonso Gamero, Université des Andes, Mérida, Venezuela (1991).
• Physichromie double face pour Madrid, Parc Juan Carlos I, Madrid, Espagne (1991).
• Physichromie portoricaine, Jardin botanique, Université de Porto Rico, San Juan, Porto Rico (1992).
• Environnement chromatique, Place de la réalité virtuelle, Pavillon vénézuélien, « Exposition universelle de Séville 1992 », Séville, Espagne (1992).
• Induction Chromatique par changement de fréquence, Siège social des éditions Ravensburger, Ravensburg, Allemagne (1994).
• Cylindres à Induction Chromatique par changement de fréquence, Silos Molinos Dominicanos, Port de Saint-Domingue, République dominicaine (1994).
• Induction Chromatique équatorienne, Parc métropolitain, Quito, Équateur (1997). Physichromie 1349^[34].

Années 2000 : Reconnaissance

Durant la première décennie des années 2000, Cruz-Diez a créé de nombreuses œuvres monumentales, organisé des expositions dans d'importants musées et galeries, et a été fréquemment invité à prendre la parole lors d'événements et de conférences internationales. Parallèlement, il a affiné son discours afin de rendre ses recherches plus accessibles, ce qui a conduit à la réédition en 2009 de son ouvrage *Reflexión sobre el color* par la Fondation Juan March en Espagne^[35].

En 2005, sa famille a créé l'Atelier Cruz-Diez et la Fondation Cruz-Diez, tous deux dédiés à la préservation, à la diffusion et à la promotion de l'héritage conceptuel et artistique de l'artiste^[36].

En 2007, il a créé Pyramide Chromointerférente, une œuvre composée d'une pyramide tridimensionnelle sur laquelle sont projetés un motif de couleur additif fixe et un motif mobile, générant des interférences visuelles^[37].

Années 2010 : Le Maître

Au cours de cette décennie, les célèbres environnements chromatiques de l'artiste ont eu un impact considérable à Houston. Son œuvre Chromosaturation figurait parmi les pièces maîtresses de la grande rétrospective « Color in Space and Time » présentée au Musée des Beaux-Arts de Houston (MFAH) en 2011. Plus tard, en 2018, son installation Spatial Chromatic Interference a transformé de Buffalo Bayou. Plus récemment, le MFAH a commandé une Chromosaturation pour le tunnel souterrain menant au nouveau bâtiment Nancy et Rich Kinder, devenu un incontournable pour les visiteurs^[38].

« Le Maître » est reconnu comme un théoricien de la couleur dont les contributions ont changé la perception de la couleur dans l'art^[5],[7].

En 2008, deux ans avant le cinquantième anniversaire de son arrivée à Paris, Cruz-Diez obtient la nationalité française. En 2009, sa famille fonde l'atelier Articruz au Panama. En 2011, il inaugure sa rétrospective, « Carlos Cruz-Diez : Couleur à l’Espace et le temps », au MFAH aux États-Unis^[39]. Cette exposition est ensuite présentée à la Pinacothèque de São Paulo au Brésil (2011), au Musée d'art latino-américain de Buenos Aires (MALBA) en Argentine (2012) et au Musée universitaire d'art contemporain (MUAC) au Mexique (2013).

En 2012, il a été nommé Officier de l'Ordre national de la Légion d'honneur^[14]. En 2013, il figurait parmi les personnalités les plus marquantes de l'exposition « Dynamo : Un siècle de lumière et de mouvement dans l'art, 1913-2013 » aux Galeries nationales du Grand Palais à Paris^[40].

En 2014, l'artiste a créé un environnement chromatique pour l'exposition « Cruz-Diez : Couleur spatiale » au Centre Niemeyer en Espagne. Il a également collaboré avec d'autres artistes, notamment Liu Bolin (Chine) en 2016^[41],[42]. La même année, il a publié ses mémoires, « Recuerdos de lo que me acuerdo » (Souvenirs de ce dont je me souviens), et a participé à l'exposition « Eye Attack : Op Art et art cinétique 1950-1970 » au Musée d'art moderne Louisiana au Danemark^[43]. À titre posthume, Cruz-Diez a représenté la France à l'Exposition universelle de Dubaï (2021) dans le cadre de l'exposition « Lumière, Lumières »^[44].

Son œuvre figure dans les collections permanentes de prestigieux musées, parmi lesquels :

• Museum of Modern Art (MoMA), New York^[15]
• Tate Modern, Londres
• Centre Georges Pompidou, Paris
• Museum of Fine Arts, Houston
• Musée d’Art Contemporain de Montréal, Canada^[45]
• Wallraf-Richartz Museum, Cologne
• Museum of Contemporary Art Australia, Sydney^[46]
• Satoru Sato Art Museum, Tome, Japon^[47]
• Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France^[19]

Le musée Carlos Cruz-Diez, l'Atelier Cruz-Diez et la Fondation Cruz-Diez

En 1996, la construction du Musée de l'estampe et du design Carlos Cruz-Diez (Museo de la Estampa y el Diseño Carlos Cruz-Diez) a débuté et il a été inauguré en 1997. La même année, l'artiste a été nommé président du musée et membre du Conseil supérieur de la Fondation du Musée de l'estampe et du design Carlos Cruz-Diez. L'objectif principal de l'institution est d'étudier, de diffuser, de collectionner et de préserver l'œuvre de graphistes et de designers vénézuéliens et internationaux spécialisés dans l'estampe et le design. En 2005, sa famille a créé la Fondation Cruz-Diez, une organisation à but non lucratif basée à Houston, dédiée à la promotion, la conservation, le développement et la diffusion de son héritage artistique et conceptuel. La même année, l'Atelier Cruz-Diez a été créé pour gérer, promouvoir et préserver l'œuvre de l'artiste.

Dernières années et décès

Cruz-Diez est décédé de causes naturelles le 27 juillet 2019 à Paris. Sa famille continue de perpétuer son héritage, en respectant les souhaits et la vision de l'artiste concernant son œuvre^[16].

Centenaire de sa naissance (août 2023)

Pour commémorer le centenaire de la naissance de Cruz-Diez, plusieurs événements internationaux ont été organisés. Parmi eux, l'exposition itinérante « RGB : Les Couleurs du Siècle », conçue et réalisée par l'artiste en 2014, s'est particulièrement distinguée. Fondée sur ses recherches sur la synthèse additive et inductive des couleurs, elle a été présentée aux institutions suivantes :

• Fondation Vasarely, France
• Shanghai Rainbow Space, Chine
• Musée d'art Hangaram, Séoul, Corée du Sud
• Musée de l'estampe et du design Carlos Cruz-Diez, Caracas, Venezuela

En outre, l'exposition rétrospective Color in Two Times (El color en dos tiempos) a été présentée à la Galerie nationale d'art de Caracas.

Réflexions sur la couleur : Perspectives sur la vision artistique de Cruz-Diez

Publié en 1989, l'ouvrage de Cruz-Diez, Reflexión sobre el Color (Réflexion sur la couleur), résumait son concept de la couleur comme un phénomène dynamique et autonome qui évolue avec la lumière et le mouvement, remettant en question les conceptions traditionnelles de la couleur comme un élément statique.

Au-delà de la description détaillée de ses pratiques artistiques, l'ouvrage explore des aspects théoriques, situant l'œuvre de Cruz-Diez dans le cadre de débats académiques plus larges sur la théorie et la perception des couleurs.

Place Cruz-Diez au Complexe Universitaire "La Hechicera" (ULA), Mérida, Venezuela :

« Ces cinquante dernières années, j’ai insisté pour faire entrer Couleur à l’Espace, sans appui ni anecdote, la révélant dans son ambiguïté comme une circonstance éphémère, en mutation perpétuelle, créant des réalités autonomes. » — Carlos Cruz-Diez

La plupart de ses réflexions proviennent de ce qu'il appelle des « supports pour événements chromatiques ». Son œuvre démontre que la couleur, lorsqu'elle interagit avec l'observateur, devient un événement autonome capable d'évoluer dans le temps et l'espace réels, libre de toute narration (anecdote) et sans l'aide d'une forme traditionnelle ou d'un support physique^[21].

« À travers ma trajectoire chromatique, je tente de démontrer que la couleur est une situation éphémère, une réalité autonome en mutation perpétuelle. Elle est une réalité car les événements se déroulent dans l’espace et le temps réels – sans passé ni futur, dans un présent perpétuel. Elle est autonome car sa manifestation ne dépend ni de la forme ni du récit, ni même du support. » – Carlos Cruz-Diez

Recherches

Cruz-Diez a axé ses recherches sur la dissociation du binôme forme-couleur, cherchant à libérer la couleur de la forme. Partant de la fragmentation du plan, il a utilisé des « modules d'événements chromatiques » — une série de lignes disposées dans un ordre rigoureux et programmé — pour démontrer ses postulats théoriques concernant la couleur.

« La couleur est un fait autonome qui existe sans avoir besoin de forme. » — Carlos Cruz-Diez

Par conséquent, les losanges et autres formes apparaissant dans ses œuvres ne sont pas conventionnels au sens traditionnel du terme ; ils résultent de l'accumulation de modules qui, par superposition et répétition, génèrent des formes virtuelles telles que des carrés, des triangles et des rectangles.

Après avoir établi sa plateforme conceptuelle à Caracas en 1959, Cruz-Diez s'installe à Paris en 1960 afin de développer et structurer les différents supports qui lui permettraient de matérialiser son discours visuel. Entre 1959 et 1993, il réalise huit investigations spécifiques illustrant différents comportements de la couleur :

• Couleur Additive (1959)
• Physichromie (1959)
• Induction Chromatique (1963)
• Chromointerférence (1964)
• Transchromie (1965)
• Chromosaturation (1965)
• Chromoscope (1967)
• Couleur à l’Espace (1993)^[48]

Techniques et technologies

Tout au long de sa vie, Cruz-Diez a collaboré avec des équipes spécialisées d'ingénieurs, de techniciens et d'artisans. La conception de machines sur mesure, destinées à donner vie à sa vision d'une couleur dynamique et interactive, constituait un élément fondamental de sa démarche artistique.

Sa carrière a été marquée par un engagement constant envers l'amélioration, caractérisé par une expérimentation fréquente de nouveaux outils, matériaux et technologies émergentes. Cet esprit novateur s'étendait bien au-delà de la création initiale de ses œuvres ; son équipe jouait un rôle essentiel dans la maintenance et l'adaptation technique de ses installations, garantissant ainsi au public une expérience immersive et colorée optimale^[49].

Les ateliers de Cruz-Diez ont servi de terrain d’entraînement à plusieurs assistants qui sont devenus par la suite des figures importantes de l’art contemporain : Ariel Jiménez^[50], Manuel Mérida^[51], Carlos Torres^[52] et Franz Späth^[53].

1. Sa relation avec Cruz-Diez remonte à 1977. Jiménez a travaillé comme assistant dans l'atelier du maître pendant des années et est devenu un témoin privilégié de l'évolution de sa carrière^[50].
2. À son arrivée à Paris, Mérida intégra l’atelier de Cruz-Diez. Au service du maître vénézuélien, il se livra à de nombreuses expérimentations artistiques^[51].
3. Cruz-Diez a collaboré pendant une période significative dans l'atelier parisien de l'artiste^[52].
4. Il a débuté son apprentissage artistique en 1984 sous la direction de Cruz-Diez à Paris, se concentrant sur le dessin et les techniques graphiques telles que la gravure et la sérigraphie^[53].

Intégration dans l'espace urbain et l'architecture

L’intérêt de Cruz-Diez pour les espaces publics remonte à 1954 avec ses Proyectos Murales Manipulables (Projets de fresques manipulables). Depuis, il est devenu un maître de l’intégration de l’art à l’architecture, avec des œuvres présentes en Amérique du Nord, en Amérique du Sud, en Europe et en Asie.

Ses œuvres, intégrées à l'espace public et à l'architecture, contribuent à une conception dynamique de l'espace. Cette approche élargit le champ d'action de l'œuvre à tout élément architectural ou urbain : un sol, un plafond, une porte, un bus ou un mur peuvent se transformer en une expérience perceptive. Ces installations créent des situations qui interpellent toute personne passant à proximité, qu'elle ait ou non l'intention d'interagir avec l'œuvre.

« Les œuvres que je crée dans l’environnement et l’habitat urbains sont conçues comme un discours visuel généré dans le temps et l’espace, créant des situations et des événements chromatiques qui modifient la dialectique entre le spectateur et l’œuvre. Contrairement aux artistes du Moyen Âge, de la Renaissance ou aux muralistes mexicains, mes œuvres ne contiennent pas de discours référentiels. Elles constituent le support d’un événement qui évolue dans le temps et l’espace réels, se transformant au gré de la lumière et de la distance du spectateur. Ce sont des situations autonomes, dépourvues d’anecdotes, dans lesquelles le spectateur découvre la couleur se créant et se défaisant d’elle-même – sans passé ni futur, dans un présent perpétuel. » — Carlos Cruz-Diez, Paris, 1996^[24]

Vue de l'œuvre de Carlos Cruz-Diez sur l'avenue Bolívar, Valence, Venezuela.

Collaborations

Carlos Cruz-Diez a apporté à plusieurs reprises ses concepts novateurs au monde de la mode et du design. Son travail dans ce domaine témoigne de son engagement à fusionner l'art et le quotidien, rendant ainsi ses théories sur la couleur dynamique accessibles et captivantes d'une manière inédite.

L'artiste a créé des œuvres appliquées pour la joaillerie, notamment des bracelets, des boucles d'oreilles et des colliers. En 2014, il a collaboré avec le créateur de mode Oscar Carvallo, qui a imaginé 35 silhouettes dont les formes, les textures, les imprimés et les détails s'inspiraient de six œuvres de l'artiste^[54].

Cruz-Diez a également collaboré avec de grandes marques internationales :

• Hublot (2015) : Il s’est associé à la manufacture horlogère pour créer une montre en édition limitée, intégrant sa vision artistique à l’horlogerie. De cette collaboration est née la Hublot Classic Fusion Cruz-Diez, une montre qui incarne son approche dynamique de la couleur et son utilisation novatrice de la lumière et du mouvement^[55].
• Longchamp (2018) : Ses collaborations se sont également étendues à l’intégration d’œuvres monumentales dans des espaces de vente. En 2018, l’œuvre « Transchromie Mécanique Aléatoire » (2010) a été inaugurée dans la boutique phare Longchamp de la Cinquième Avenue à New York^[56].

« De nos jours, la mode joue un rôle primordial dans le renouvellement des idées, l’émergence de nouvelles possibilités, voire de nouveaux matériaux. » — Carlos Cruz-Diez, 2014

Outre Hublot et Oscar Carvallo, l'artiste a collaboré avec des créateurs de bijoux tels que Chus Burés et Elisabetta Cipriani.