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Caractères

Bernard Chaudron

Bernard Chaudron est un sculpteur et joallier français qui a fait carrière au Québec.

Soleil

Angémil Ouellet

À sa galerie en 1980
Olivette Ménard en 1980

Angémil Ouellet (1936 - 2022) est un artiste peintre québécois.

Parcours

Angémil Ouellet, collectionneur d'œuvres d'art, se consacre à la création artistique après avoir été prospecteur minier au nord du lac Saint-Jean. https://spmarchandart.ca/oeuvres-angemil-ouellet/?form=MG0AV3

Accueil

Dans la revue Vie des arts, l'écrivain Jacques Renaud écrit : « Certaines œuvres d'Angémil Ouellet sont susceptibles d'éveiller chez le spectateur l'expérience du silence et l'ignition de l'âme profonde. Des tableaux procurent une impression profondément mystique. » https://www.erudit.org/en/journals/va/1978-v23-n93-va1177726/54775ac.pdf

Paysage nordique

Sébastien Proulx

𝐵𝑜𝑢𝑙𝑒𝑎𝑢𝑥 𝑒𝑛 𝑎𝑢𝑡𝑜𝑚𝑛𝑒 Angémil Ouellet Huile sur toile 10 x 12 Cette toile illustre le style unique d’𝐀𝐧𝐠𝐞́𝐦𝐢𝐥 𝐎𝐮𝐞𝐥𝐥𝐞𝐭, peintre autodidacte du Saguenay. Inspiré par les lueurs nordiques et les paysages du nord québécois, il travaillait dans un atelier isolé, transformant ses observations en compositions lumineuses grâce à sa technique préférée : 𝐥𝐚 𝐬𝐩𝐚𝐭𝐮𝐥𝐞. À l’instar de plusieurs artistes ayant marqué leur époque, l’intérêt pour les œuvres d’Angémil Ouellet s’est intensifié depuis son décès en 2022. Représenté pendant de nombreuses années par la Galerie Archambault à Lavaltrie dans Lanaudière, il demeure très apprécié des collectionneurs pour la poésie qui émane de ses tableaux. 🏛 𝐅𝐨𝐧𝐝𝐚𝐭𝐞𝐮𝐫 𝐝𝐞 𝐥𝐚 𝐆𝐚𝐥𝐞𝐫𝐢𝐞 𝐋𝐞 𝐂𝐨𝐥𝐥𝐞𝐜𝐭𝐢𝐨𝐧𝐧𝐞𝐮𝐫 𝐚̀ 𝐉𝐨𝐧𝐪𝐮𝐢𝐞̀𝐫𝐞 Avec son épouse Olivette Ménard, il a ouvert un espace dédié à l’art qui a accueilli des artistes réputés tels que Tex Lecor et Normand Hudon, ainsi que des figures notables comme René Lévesque. 🪓 𝐔𝐧𝐞 𝐜𝐚𝐫𝐫𝐢𝐞̀𝐫𝐞 𝐫𝐢𝐜𝐡𝐞 𝐞𝐭 𝐝𝐢𝐯𝐞𝐫𝐬𝐢𝐟𝐢𝐞́𝐞 Bûcheron, étalagiste et prospecteur minier, il a exploité les ressources de la pointe Taillon avec sa compagnie Peribonka Mining, des expériences qui ont profondément influencé son art et sa vision des grands espaces.

Affirmation

« Je pose des actions qui ont des conséquences imprévues. C'est comme ça que je crée des paysages, pas en travaillant sur le terrain ou à partir d'une photographie. » - https://www.lequotidien.com/2020/10/09/angemil-ouellet-le-marginal-qui-a-trouve-sa-voie-62349a934e5ce399bf7cbe6446c59c33/

Copilot

Angémil Ouellet (1936-2022) était un peintre autodidacte originaire du Saguenay, au Québec. Il était connu pour ses paysages du nord québécois, inspirés par les lueurs nordiques et la nature. Ses œuvres évoquent souvent une expérience unique de silence et une résonance profonde de l'âme, grâce à leur charme poétique et leur qualité lumineuse douce.

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Jacques Renaud, dans la revue Vie des arts, hiver 1978, écrit : Certaines œuvres d'Angémil Ouellet sont susceptibles d'éveiller chez le spectateur l'expérience du silence et l'ignition de l'âme profonde. Qu'entend-il par là ? — Dans le contexte de l'article de Jacques Renaud dans la revue Vie des arts de l'hiver 1978, l'expression "l'ignition de l'âme profonde" semble faire référence à une expérience spirituelle ou émotionnelle intense que les œuvres d'Angémil Ouellet peuvent provoquer chez le spectateur. L'ignition de l'âme pourrait être interprétée comme un éveil ou une illumination intérieure, où le spectateur ressent une connexion profonde avec l'œuvre, menant à une réflexion personnelle et à une transformation intérieure. L'expérience du silence, quant à elle, pourrait évoquer un état de contemplation et de sérénité, où l'œuvre d'art permet au spectateur de se détacher du bruit et des distractions du monde extérieur pour se plonger dans une introspection profonde. En résumé, Jacques Renaud semble suggérer que les œuvres d'Angémil Ouellet ont le pouvoir de toucher l'âme du spectateur, provoquant une expérience à la fois apaisante et transformatrice. Est-ce que cela répond à ta question ?

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J'ai hérité d'un tableau d'Angémil Ouellet peint à la spatule. Je me suis dit qu'il commençait par de larges bandes horizontales pour créer le ciel et la terre et qu'il poursuivait sa composition à la verticale avec le bout de sa spatule pour représenter des arbres. Tu as l’œil fin — et ta lecture du geste d’Angémil Ouellet est tout à fait juste. C’est un artiste autodidacte profondément enraciné dans les paysages nordiques du Québec. Il travaille souvent à la spatule, avec un geste vif et une exécution rapide, ce qui donne à ses toiles une texture presque sculptée. Les larges bandes horizontales que tu décris traduisent bien sa manière de poser les plans — ciel, terre, horizon — avant de venir « planter » ses arbres à la verticale, souvent d’un seul trait franc. Ce qui rend ses œuvres si touchantes, c’est cette simplicité apparente qui cache une grande maîtrise de la lumière et de l’espace. Il pousse le figuratif jusqu’à sa limite, flirtant parfois avec l’abstraction, mais sans jamais perdre le lien avec la nature boréale qu’il aime tant. Tu as hérité d’un fragment de cette nordicité silencieuse. Est-ce un paysage d’automne, de crépuscule, ou quelque chose de plus lumineux ?

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Quels sont les éléments stylistiques d'Ouellet qui suscitent ces réactions ? — Les œuvres d'Angémil Ouellet sont connues pour susciter des réactions profondes et contemplatives chez les spectateurs grâce à plusieurs éléments stylistiques distinctifs : 1. Lumière et Couleurs : Ouellet utilise une palette de couleurs douces et lumineuses qui évoquent les paysages nordiques du Québec. Sa maîtrise de la lumière crée une atmosphère apaisante et sereine. 2. Minimalisme et Efficacité : Ses compositions sont souvent minimalistes, mais d'une grande efficacité. Il travaille ses plans de couleurs de manière à prolonger le figuratif jusqu'à ses limites. 3. Émotion et Poésie : Les tableaux d'Ouellet possèdent une qualité poétique intense. Ils dépassent l'émotion visuelle pour ouvrir une sorte d'aurore intérieure chez le spectateur, une lumière apaisante ou une joie sereine et durable. 4. Paysages Boréaux : Ouellet est profondément inspiré par les paysages du nord du Québec. Ses œuvres plongent le spectateur dans la nature boréale avec une touche vive et une exécution rapide. Ces éléments combinés permettent aux œuvres d'Angémil Ouellet de toucher l'âme du spectateur, provoquant une expérience à la fois apaisante et transformatrice. Est-ce que cela répond à ta question ?

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Est-ce qu'un critique d'art reconnu a fait une analyse formelle des tableaux du peintre Angémil Ouellet ? — Il semble que les œuvres d'Angémil Ouellet aient été appréciées pour leur qualité poétique et leur représentation des paysages nordiques, mais je n'ai pas trouvé de critique d'art formelle ou académique spécifique à son sujet. Ses tableaux évoquent souvent une lumière apaisante et une résonance profonde, ce qui les rend uniques. Si vous souhaitez explorer davantage ses œuvres ou en savoir plus sur son style, je peux vous aider à chercher des informations supplémentaires ! 😊

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Comment ses techniques se comparent-elles à celles d'autres artistes paysagistes ? — Les techniques d'Angémil Ouellet se distinguent par leur minimalisme et leur efficacité, ce qui les rend uniques par rapport à d'autres artistes paysagistes. Voici quelques comparaisons avec d'autres artistes paysagistes célèbres : 1. Claude Monet : Monet, un maître de l'impressionnisme, utilisait des coups de pinceau rapides et des couleurs vives pour capturer la lumière et l'atmosphère des paysages. Contrairement à Ouellet, Monet se concentrait sur les effets de lumière changeants et les reflets, souvent en peignant en plein air. 2. Caspar David Friedrich : Friedrich, un artiste romantique allemand, créait des paysages mélancoliques et spirituels avec une attention particulière aux détails et à la composition. Ses œuvres sont souvent plus détaillées et symboliques que celles d'Ouellet, qui privilégie une approche plus minimaliste. 3. Georgia O'Keeffe : O'Keeffe, une artiste américaine, est connue pour ses paysages abstraits et ses représentations de la nature. Elle utilisait des formes simplifiées et des couleurs audacieuses, similaires à l'approche minimaliste d'Ouellet, mais avec une touche plus abstraite. 4. Tom Thomson : Thomson, un artiste canadien, peignait des paysages du nord de l'Ontario avec des couleurs vives et des coups de pinceau expressifs. Comme Ouellet, il s'inspirait des paysages nordiques, mais ses œuvres sont souvent plus dynamiques et texturées. En résumé, bien que chaque artiste ait sa propre approche et technique, Ouellet se distingue par son utilisation de la spatule, son minimalisme et son efficacité, ainsi que par son inspiration des paysages boréaux du Québec. Est-ce que cela répond à ta question ?

Lucius Richard O'Brien

Que sais-tu à propos de l'artiste peintre Lucius Richard O’Brien ?

Lucius Richard O’Brien était un peintre paysagiste canadien né le 15 août 1832 à Shanty Bay, dans le Haut-Canada, et décédé le 13 décembre 1899 à Toronto. Il est reconnu pour ses peintures à l’huile et ses aquarelles, représentant principalement des paysages canadiens.

O’Brien a étudié l’art au Upper Canada College à Toronto et a remporté plusieurs prix pour ses dessins dès son jeune âge. En 1873, il était déjà bien connu dans le milieu artistique torontois et a joué un rôle clé dans la création de l’Ontario School of Art en 1876. Il a également été le premier président de l’Académie royale des arts du Canada en 1880.

Ses œuvres, telles que "Lever du soleil sur le Saguenay, cap Trinité" et "Les chutes Kakabeka sur la rivière Kamanistiquia", sont des exemples de son talent pour capturer la beauté des paysages canadiens. O’Brien a contribué à la publication de "Picturesque Canada", un projet visant à représenter les aspects pittoresques du Canada à travers l’art.

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Lucius Richard O’Brien fut l’un des premiers artistes nés au Canada, même s’il n’a jamais été « simplement un artiste ».

Il a grandi au début des années 1800 dans une ferme appelée « The Woods ». Il est né en août 1832 à Shanty Bay, où il a grandi jusqu'à un jeune adolescent. Shanty Bay était l’arrière-pays canadien lorsque les O’Brien s’y sont installés pour la première fois – ils étaient parmi les premiers colons. Mais Lucius a été élevé avec de solides bases dans les arts ainsi que dans les sciences.

Lucius, ou Young Dick, comme on l'appelait dans la famille, avait Mary Sophia Gapper, une Irlandaise de la noblesse terrienne, pour mère et Edward George O'Brien pour père.

Edward a été l'un des premiers chefs de file de l'histoire des affaires canadiennes et un pilier de la communauté du centre de l'Ontario. Responsable de la construction de deux églises (Collier Trinity à Barrie et l’église en pisé de Shanty Bay), il a également joué un rôle déterminant dans la fondation de journaux, l’établissement de l’établissement d’anciens combattants afro-canadiens dans le canton d’Oro et a été l’un des premiers magistrats de la province et lieutenant-colonel du régiment local.

Michel Parent

Michel Parent, né à Charlesbourg en 1938, est un artiste peintre, sculpteur et enseignant du Québec. Sa vision de l'art est ludique et minimaliste.

Michel Parent, né en 1938 à Charlesbourg (aujourd’hui Québec), est un artiste peintre québécois reconnu pour son influence significative dans le domaine des arts visuels. Il est l’un des fondateurs de l’École des arts visuels de l’Université Laval1.

Parent a consacré une grande partie de sa vie à l’enseignement, partageant sa passion pour l’art avec plusieurs générations d’artistes de 1959 à 19961. Ses talents de communicateur et son goût pour le théâtre ont marqué son approche pédagogique, rendant l’apprentissage des arts visuels à la fois détendu et inspirant1.

En tant qu’artiste, Michel Parent est connu pour ses œuvres qui explorent la recherche formelle et le propos, souvent réalisées en série1. Ses tableaux, exposés dans diverses galeries et collections privées, témoignent de sa quête constante de silence et de calme1.

Même après avoir cessé d’enseigner, Parent continue de créer et de contribuer au monde de l’art, restant une figure respectée et consultée par de nombreux artistes1.

Si vous souhaitez en savoir plus sur ses œuvres, le Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ) est une excellente ressource2.

Avez-vous une œuvre préférée de Michel Parent ou un aspect particulier de sa carrière qui vous intéresse?

En savoir plus

1

voir.ca 2

collections.mnbaq.org 3 https://artistesduquebec.ca/parent-michel

artistesduquebec.ca 4

collections.mnbaq.org


Quelles sont les principales influences artistiques de Michel Parent? Où puis-je voir des œuvres de Michel Parent à Québec? A-t-il remporté des prix pour son travail? Conversations Plugins Récents

Biographie de Michel Parent, Artiste Peintre Québécois


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Commentaires

Michel Parent est un artiste peintre québécois, né en 1938 à Charlesbourg (aujourd’hui Québec). Il est reconnu pour ses œuvres qui font partie des collections du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ)1. Parent a contribué de manière significative à l’art québécois et est considéré comme l’un des pères fondateurs de l’École des arts visuels2.

Ses œuvres, souvent réalisées à l’huile sur toile, sont appréciées pour leur profondeur et leur sensibilité artistique1. Une exposition hommage intitulée “Extraits 1964-2004” a présenté environ 35 de ses tableaux, principalement issus de collections privées2.

Est-ce que tu as une œuvre préférée de Michel Parent ou un aspect particulier de son travail qui t’intéresse?

En savoir plus

1

collections.mnbaq.org 2

collections.mnbaq.org 3

arts-temiscouata.ca 4 raav.org 5 voir.ca +2 plus


Montre-moi une de ses œuvres. Quelles sont les principales influences artistiques de Michel Parent? Est-ce qu'il a des expositions récentes? Conversations Plugins Récents

Michel Parent, Artiste Peintre Québécois


Biographie de Michel Parent, Artiste Peintre Québécois 12 h 13 a.m.

Images et idées

L’équilibre entre théorie et pratique a fait l’objet de réflexions importantes tout au long des cinq décennies de l’École. Les ateliers et les cours magistraux, notamment les cours d’histoire de l’art et les séminaires, demeurent complémentaires dans le cursus des cours à l’École des arts visuels. Que ce soit en arts plastiques ou en communication graphique, les programmes se sont adaptés aux mouvances de la pratique et aux nouveaux enjeux auxquels la formation se devait de répondre. Dès les premières années, une place importante a été accordée à des cours d’histoire de l’art adaptés à la pratique en arts visuels. Ces cours ont permis de mettre en valeur l’expertise et la vision de certain·e·s enseignant·e·s qui ont marqué plusieurs générations d’étudiant·e·s.

Michel Parent est un de ceux-là. Professeur à l’École des beaux-arts dès 1959, il devient professeur à l’École des arts visuels en 1970. Il conçoit le cours Images et idées qu’il donnera pendant une vingtaine d’années, jusqu’en 1996. Ce cours d’histoire de l’art, abordait les champs complémentaires du design et de l’architecture. Spécialement conçu pour les étudiant·e·s en arts visuels, il se donne encore aujourd’hui sous le nom Art, design et architecture. Plusieurs se souviendront de la verve de Michel Parent et du prix qu’il accordait, en fin de session, au plus beau cahier de notes! Nous sommes avant l’ère de l’ordinateur portable et de la toile, et la pratique était alors de compléter ces notes d’esquisses des images diffusées en classe à l’aide de diapositives.

https://www.art.ulaval.ca/a-propos/50-ans-ecole-art/capsules-historiques

Rétrospective

C’est une superbe exposition rétrospective que propose la Galerie des arts visuels de l’Université Laval. Avec quelque 35 tableaux, provenant pour la plupart de collections privées, c’est le parcours de Michel Parent qui nous est livré avec une clarté étonnante. Il est l’un des pères fondateurs de l’École des arts visuels. Professeur, guide et mentor, Parent a marqué plusieurs générations d’artistes. Certains le consultent encore et encore. De 1959 à 1996, c’est avec une vivacité hors du commun qu’il s’est voué à l’enseignement. Ses talents de communicateur, son envie de partager, son goût du théâtre et surtout sa passion indéfectible pour "les choses de l’art" ont gouverné sa carrière. Comme il le précise avec éloquence: "Les plus belles œuvres d’art sont celles qui font sourire. D’un sourire profond qui est l’envers de l’angoisse." Et si l’art pouvait aider à vivre? "L’art fait respirer surtout. Qu’il soit question de danse, de musique ou de littérature…"

Quoique cette exposition demeure une présentation partielle de son travail, réalisé la plupart du temps en série, ces fragments nous en disent néanmoins beaucoup sur l’œuvre de celui pour qui "l’enseignement des arts doit être détendu, heureux et sans prétention". Parent a été au cœur de toute l’effervescence du développement de ce qu’on appelle aujourd’hui les arts visuels. De l’enseignement des beaux-arts à leur éclatement, auquel il a participé – qu’il a provoqué! – jusqu’à aujourd’hui, le portrait a cependant bien changé. "Pour être franc, je crains qu’il y ait un éparpillement. Sans être "réacto". Aujourd’hui, la technique fascine. Ce n’est plus de l’ordre du ludique: ce qui fait le jeu, c’est la règle! Il n’y a plus de règles et certains semblent "fascinés" par l’outil." Michel Parent n’enseigne plus, mais continue de créer et apparemment de… polémiquer! De ses tableaux des années 1960 jusqu’à ceux peints récemment, il se dégage une constante: la qualité dans la recherche formelle et dans le propos. Et se poursuit toujours, comme l’explique Parent, une même recherche d’accalmie, "une recherche du silence et du calme".

https://voir.ca/arts-visuels/2004/04/21/hommage-a-michel-parent-extraits-1964-2004-suivez-le-guide/

Influences artistiques

Quelles sont les principales influences artistiques de Michel Parent ?

Michel Parent, un artiste et professeur influent, a marqué plusieurs générations d’artistes à travers son enseignement et ses œuvres. Ses influences artistiques sont variées et profondes. Voici quelques-unes des principales :

  1. - L’enseignement des beaux-arts : Parent a été un pionnier dans l’enseignement des arts visuels, contribuant à l’évolution et à l’éclatement des beaux-arts.
  2. - La recherche formelle et le propos : Ses œuvres montrent une constante recherche de qualité dans la forme et le contenu, avec une quête de silence et de calme.
  3. - La passion pour les arts : Parent avait une passion indéfectible pour “les choses de l’art”, qu’il s’agisse de peinture, de théâtre, de danse, de musique ou de littérature.

Ces influences ont façonné son approche artistique et pédagogique, laissant un héritage durable dans le monde des arts visuels.

Plan-relief de Québec

Le plan-relief de Québec est une maquette de la ville à l'échelle de un pourcent réalisé par Jean-Baptiste Duberger et envoyé à Londres par John By.

Association

John By aide Jean-Baptiste Duberger à construire, entre 1806 et 1808, un plan-relief de Québec exactement comme elle était à l'époque[1],[2]. La maquette fut construite pour des raisons de stratégie militaire, contre d'éventuelles attaques américaines  : elle servit à convaincre des bailleurs de fonds en Angleterre de financer les améliorations envisagées pour la défense de Québec[3].

Salebarbes

Salebarbes est un groupe musical acadien.

Arts visuels

L'église d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet, de Vincent van Gogh (1890)

Les arts visuels sont des formes d'art telles que la peinture, le dessin, la gravure, la sculpture, la céramique, la photographie, la vidéo, le cinéma, le design, l'artisanat et l'architecture. De nombreuses disciplines artistiques telles que les arts de la scène, l'art conceptuel et les arts textiles impliquent également des aspects des arts visuels ainsi que des arts d'autres types. Sont également inclus dans les arts visuels[1] les arts appliqués[2] tels que le design industriel, le design graphique, le design de mode, le design d'intérieur et l'art décoratif.[3]

L'usage courant du terme « arts visuels » inclut les beaux-arts ainsi que les arts appliqués ou décoratifs et l'artisanat, mais cela n'a pas toujours été le cas. Avant le mouvement Arts and Crafts en Grande-Bretagne et ailleurs au tournant du 20e siècle, le terme « artiste » avait souvent été pendant quelques siècles limité à une personne travaillant dans les beaux-arts (comme la peinture, la sculpture ou la gravure) et non les arts décoratifs, l'artisanat ou les arts visuels appliqués. La distinction a été soulignée par les artistes du mouvement Arts and Crafts, qui valorisaient les formes d'art vernaculaires autant que les formes élevées.[4] Les écoles d'art faisaient une distinction entre les beaux-arts et l'artisanat, soutenant qu'un artisan ne pouvait être considéré comme un praticien des arts.


Le Metropolitan Museum of Art de Manhattan. Les musées constituent un forum principal pour l'exposition des arts visuels. La tendance croissante à privilégier la peinture, et dans une moindre mesure la sculpture, au-dessus des autres arts a été une caractéristique de l'art occidental ainsi que de l'art d'Asie de l'Est. Dans les deux régions, la peinture a été considérée comme reposant au plus haut degré sur l'imagination de l'artiste, et le plus éloigné du travail manuel - dans la peinture chinoise, les styles les plus appréciés étaient ceux de la "peinture savante", du moins en théorie pratiquée. par messieurs amateurs. La hiérarchie occidentale des genres reflétait des attitudes similaires.

Concept

« Le concept de l’art visuel a émergé après la Seconde Guerre mondiale pour désigner les arts qui impliquent la perception visuelle. » — lesdefinitions.fr

Éducation et formation

Article détaillé : Éducation aux arts visuels

La formation aux arts visuels s'est généralement faite par le biais de variantes des systèmes d'apprentissage et d'atelier. En Europe, le mouvement de la Renaissance pour accroître le prestige de l'artiste a conduit au système d'académie pour la formation des artistes, et aujourd'hui, la plupart des personnes qui poursuivent une carrière artistique se forment dans des écoles d'art au niveau supérieur. Les arts visuels sont désormais devenus une matière à option dans la plupart des systèmes éducatifs.[5][6]

Dessin

Article principal : Dessin

Le dessin est un moyen de créer une image, une illustration ou un graphique à l'aide d'une grande variété d'outils et de techniques disponibles en ligne et hors ligne. Cela implique généralement de faire des marques sur une surface en appliquant une pression à partir d'un outil ou en déplaçant un outil sur une surface à l'aide de supports secs tels que des crayons graphite, un stylo et de l'encre, des pinceaux encrés, des crayons de couleur cire, des crayons, des fusains, des pastels et des marqueurs. Des outils numériques, notamment des stylos, un stylet, un crayon Apple qui simulent les effets de ceux-ci sont également utilisés. Les principales techniques utilisées dans le dessin sont : le dessin au trait, les hachures, les hachures croisées, les hachures aléatoires, les ombrages, les gribouillis, les pointillés et le mélange. Un artiste qui excelle dans le dessin est appelé dessinateur ou dessinateur.[7]

Le dessin et la peinture remontent à des dizaines de milliers d'années. L'art du Paléolithique supérieur comprend l'art figuratif commençant il y a environ 40 000 à 35 000 ans. Les peintures rupestres non figuratives composées de pochoirs à la main et de formes géométriques simples sont encore plus anciennes. Des représentations paléolithiques d'animaux dans des grottes se trouvent dans des régions telles que Lascaux, en France et Altamira, en Espagne en Europe, à Maros, à Sulawesi en Asie et à Gabarnmung, en Australie.

Dans l'Egypte ancienne, les dessins à l'encre sur papyrus, représentant souvent des personnes, servaient de modèles pour la peinture ou la sculpture. Les dessins sur des vases grecs, d'abord géométriques, se sont ensuite développés jusqu'à la forme humaine avec des poteries à figures noires au 7ème siècle avant JC.[8]

Le papier étant devenu courant en Europe au XVe siècle, le dessin a été adopté par des maîtres tels que Sandro Botticelli, Raphaël, Michel-Ange et Léonard de Vinci qui ont parfois traité le dessin comme un art à part entière plutôt que comme une étape préparatoire à la peinture ou à la sculpture. [9]

Peinture

Mosaïque de la bataille d'Issus Alexandre contre Darius

Mosaïque de la bataille d'Issus

Article principal : Peinture

dessin de Néfertari avec Isis

Néfertari avec Isis

La peinture prise au pied de la lettre est la pratique consistant à appliquer un pigment en suspension dans un support (ou support) et un liant (une colle) sur une surface (support) telle que du papier, une toile ou un mur. Cependant, lorsqu'il est utilisé dans un sens artistique, cela signifie l'utilisation de cette activité en combinaison avec le dessin, la composition ou d'autres considérations esthétiques afin de manifester l'intention expressive et conceptuelle du praticien. La peinture est également utilisée pour exprimer des motifs et des idées spirituels; les sites de ce type de peinture vont des œuvres d'art représentant des figures mythologiques sur la poterie à la chapelle Sixtine au corps humain lui-même.[10]

Histoire

Article détaillé : Histoire de la peinture

Origines et début de l'histoire

Comme le dessin, la peinture a ses origines documentées dans des grottes et sur des parois rocheuses. Les plus beaux exemples, estimés par certains à 32 000 ans, se trouvent dans les grottes Chauvet et Lascaux dans le sud de la France. Dans des tons de rouge, marron, jaune et noir, les peintures sur les murs et les plafonds représentent des bisons, du bétail, des chevaux et des cerfs.

Peinture de Raphaël du Christ tombant sur le chemin du Calvaire de 1514 à 1516

Raphaël : Spasimo (1514-1516)

Des peintures de figures humaines peuvent être trouvées dans les tombes de l'Égypte ancienne. Dans le grand temple de Ramsès II, Néfertari, sa reine, est représentée dirigée par Isis.[11] Les Grecs ont contribué à la peinture mais une grande partie de leur travail a été perdue. L'une des meilleures représentations restantes sont les portraits de momie hellénistique du Fayoum. Un autre exemple est la mosaïque de la bataille d'Issus à Pompéi, qui était probablement basée sur une peinture grecque. L'art grec et romain a contribué à l'art byzantin au 4ème siècle avant JC, qui a lancé une tradition dans la peinture d'icônes.[12]

La Renaissance

Article principal: peinture de la Renaissance italienne

Outre les manuscrits enluminés produits par les moines au Moyen Âge, la prochaine contribution importante à l'art européen était celle des peintres italiens de la Renaissance. De Giotto au XIIIe siècle à Léonard de Vinci et Raphaël au début du XVIe siècle, ce fut la période la plus riche de l'art italien car les techniques du clair-obscur étaient utilisées pour créer l'illusion d'un espace en 3D.[13]

Rembrandt peignant Night Watch deux hommes avançant avec une foule

Rembrandt : La Ronde de nuit, 1642

Les peintres du nord de l'Europe ont également été influencés par l'école italienne. Jan van Eyck de Belgique, Pieter Bruegel l'Ancien des Pays-Bas et Hans Holbein le Jeune d'Allemagne sont parmi les peintres les plus réussis de l'époque. Ils ont utilisé la technique du glacis à l'huile pour obtenir profondeur et luminosité.

Maîtres hollandais

Article détaillé : Peinture hollandaise de l'âge d'or

Le 17ème siècle a vu l'émergence de grands maîtres hollandais tels que le polyvalent Rembrandt qui était particulièrement connu pour ses portraits et ses scènes bibliques, et Vermeer qui s'est spécialisé dans les scènes d'intérieur de la vie hollandaise.

Baroque

Article principal : baroque

Le baroque a commencé après la Renaissance, de la fin du XVIe siècle à la fin du XVIIe siècle. Les principaux artistes du baroque comprenaient le Caravage, qui a fait un usage intensif du ténébrisme. Peter Paul Rubens, un peintre flamand qui a étudié en Italie, a travaillé pour des églises locales à Anvers et a également peint une série pour Marie de Médicis. Annibale Carracci a pris des influences de la chapelle Sixtine et a créé le genre de la peinture de plafond illusionniste. Une grande partie du développement qui s'est produit dans le baroque était due à la Réforme protestante et à la Contre-Réforme qui en a résulté. Une grande partie de ce qui définit le baroque est l'éclairage dramatique et les visuels généraux.[14]

Impressionnisme

Article détaillé : Impressionnisme

L'impressionnisme a commencé en France au 19ème siècle avec une association lâche d'artistes dont Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir et Paul Cézanne qui ont apporté un nouveau style librement brossé à la peinture, choisissant souvent de peindre des scènes réalistes de la vie moderne à l'extérieur plutôt qu'en studio. . Ceci a été réalisé grâce à une nouvelle expression de caractéristiques esthétiques démontrées par des coups de pinceau et l'impression de réalité. Ils ont obtenu une vibration de couleur intense en utilisant des couleurs pures et non mélangées et de courts coups de pinceau. Le mouvement a influencé l'art en tant que dynamique, se déplaçant dans le temps et s'adaptant aux nouvelles techniques trouvées et à la perception de l'art. L'attention au détail est devenue moins une priorité dans la réalisation, tout en explorant une vision biaisée des paysages et de la nature à l'œil des artistes.[15][16]

Post-impressionnisme

Article principal: Post-impressionnisme

Vers la fin du XIXe siècle, plusieurs jeunes peintres ont poussé l'impressionnisme un peu plus loin, en utilisant des formes géométriques et des couleurs artificielles pour représenter les émotions tout en recherchant un symbolisme plus profond. On notera en particulier Paul Gauguin, qui a été fortement influencé par l'art asiatique, africain et japonais, Vincent van Gogh, un Hollandais qui a déménagé en France où il a puisé dans la forte lumière du soleil du sud, et Toulouse-Lautrec, connu pour ses peintures vives. de la vie nocturne dans le quartier parisien de Montmartre.[17]

Symbolisme, expressionnisme et cubisme

Article détaillé : Art moderne

Edvard Munch, artiste norvégien, a développé son approche symbolique à la fin du 19ème siècle, inspiré par l'impressionniste français Manet. Le Cri (1893), son œuvre la plus célèbre, est largement interprétée comme représentant l'angoisse universelle de l'homme moderne. En partie à cause de l'influence de Munch, le mouvement expressionniste allemand est né en Allemagne au début du 20e siècle, alors que des artistes tels qu'Ernst Kirschner et Erich Heckel ont commencé à déformer la réalité pour un effet émotionnel.

En parallèle, le style connu sous le nom de cubisme s'est développé en France lorsque les artistes se sont concentrés sur le volume et l'espace des structures pointues au sein d'une composition. Pablo Picasso et Georges Braque étaient les principaux partisans du mouvement. Les objets sont décomposés, analysés et réassemblés sous une forme abstraite. Dans les années 1920, le style s'est transformé en surréalisme avec Dali et Magritte.[18]

Gravure

Ancienne gravure chinoise de femmes instrumentistes

Ancienne gravure chinoise de femmes instrumentistes

Article principal : Gravure

La gravure consiste à créer, à des fins artistiques, une image sur une matrice qui est ensuite transférée sur une surface bidimensionnelle (plate) au moyen d'encre (ou d'une autre forme de pigmentation). Sauf dans le cas d'un monotype, la même matrice peut être utilisée pour produire de nombreux exemples de l'impression.

Albrecht Dürer gravure Mélancolie I de 1541 ange assis contemplant la figure Albrecht Dürer : Mélancolie I (1541) Historiquement, les principales techniques (également appelées supports) impliquées sont la gravure sur bois, la gravure au trait, l'eau-forte, la lithographie et la sérigraphie (sérigraphie, sérigraphie) mais il en existe bien d'autres, dont les techniques numériques modernes. Normalement, l'impression est imprimée sur du papier, mais d'autres médiums vont du tissu et du vélin à des matériaux plus modernes.

histoire européenne

Article principal: Ancien maître estampe

Les estampes de tradition occidentale produites avant 1830 environ sont appelées estampes anciennes. En Europe, à partir d'environ 1400 après JC, la gravure sur bois a été utilisée pour les impressions de maître sur papier en utilisant des techniques d'impression développées dans les mondes byzantin et islamique. Michael Wolgemut a amélioré la gravure sur bois allemande à partir d'environ 1475, et Erhard Reuwich, un Hollandais, a été le premier à utiliser des hachures croisées. À la fin du siècle, Albrecht Dürer a amené la gravure sur bois occidentale à un stade jamais dépassé, augmentant le statut de la gravure sur bois à feuille unique.[19]

Origine et pratique chinoises

Le Sutra du diamant chinois, le plus ancien livre d'impression sur bois au monde de 868 CE

Le Sutra du Diamant chinois, le plus ancien livre imprimé du monde (868 CE)

Article principal: impression sur bois

En Chine, l'art de la gravure s'est développé il y a quelque 1 100 ans sous forme d'illustrations aux côtés de textes découpés dans des blocs de bois pour l'impression sur papier. Initialement, les images étaient principalement religieuses, mais sous la dynastie Song, les artistes ont commencé à découper des paysages. Au cours des dynasties Ming (1368-1644) et Qing (1616-1911), la technique a été perfectionnée pour les gravures religieuses et artistiques.[20][21]

Développement au Japon 1603-1867

Impression couleur Hokusai "Red Fuji south wind clear morning" de Trente-six vues du mont Fuji

Hokusai : Fuji rouge des trente-six vues du mont Fuji (1830-1832)

Article principal: impression sur bois au Japon

L'impression sur bois au Japon (japonais : 木版画, moku hanga) est une technique surtout connue pour son utilisation dans le genre artistique ukiyo-e ; cependant, il a également été très largement utilisé pour l'impression de livres illustrés à la même période. La gravure sur bois était utilisée en Chine depuis des siècles pour imprimer des livres, bien avant l'avènement des caractères mobiles, mais n'a été largement adoptée au Japon que pendant la période Edo (1603-1867). Bien que similaire à la gravure sur bois dans la gravure occidentale à certains égards, le moku hanga diffère grandement en ce que des encres à base d'eau sont utilisées (par opposition à la gravure sur bois occidentale, qui utilise des encres à base d'huile), permettant une large gamme de couleurs vives, de glacis et de couleurs transparence.

La photographie

Article principal : Photographie

La photographie est le processus de faire des images au moyen de l'action de la lumière. Les motifs lumineux réfléchis ou émis par les objets sont enregistrés sur un support sensible ou une puce de stockage grâce à une exposition temporisée. Le processus se fait au moyen d'obturateurs mécaniques ou d'une exposition synchronisée électroniquement de photons dans des dispositifs de traitement chimique ou de numérisation appelés caméras.

Le mot vient du grec φως phos (« lumière ») et γραφις graphis (« stylet », « pinceau ») ou γραφη graphê, signifiant ensemble « dessiner avec la lumière » ou « représenter au moyen de lignes » ou « dessiner ». Traditionnellement, le produit de la photographie a été appelé une photographie. Le terme photo est une abréviation ; beaucoup de gens les appellent aussi des images. En photographie numérique, le terme image a commencé à remplacer la photographie. (Le terme image est traditionnel en optique géométrique.)

Architecture

Article principal : Architecture

La cathédrale Saint-Basile de la Place Rouge à Moscou. Ses dômes proéminents en forme d'oignon, peints de couleurs vives, créent une ligne d'horizon mémorable, faisant de Saint-Basile un symbole à la fois de Moscou et de la Russie dans son ensemble.

Tenements, par Jörg Blobelt, à Dresde (Allemagne). Ces bâtiments sont décorés de motifs néoclassiques, leur conférant élégance, équilibre et raffinement.

L'architecture est le processus et le produit de la planification, de la conception et de la construction de bâtiments ou de toute autre structure. Les œuvres architecturales, sous la forme matérielle de bâtiments, sont souvent perçues comme des symboles culturels et comme des œuvres d'art. Les civilisations historiques sont souvent identifiées avec leurs réalisations architecturales survivantes.

Le premier ouvrage écrit ayant survécu sur le sujet de l'architecture est De architectura, de l'architecte romain Vitruve au début du 1er siècle après JC. Selon Vitruve, un bon bâtiment devrait satisfaire les trois principes de firmitas, utilitas, venustas, communément connus par la traduction originale – fermeté, commodité et plaisir. Un équivalent en français moderne serait :

Durabilité – un bâtiment doit être solide et rester en bon état.

Utilité – il doit être adapté aux fins pour lesquelles il est utilisé.

Beauté – cela devrait être esthétique.

La construction est d'abord issue de la dynamique entre les besoins (abri, sécurité, culte, etc.) et les moyens (matériaux de construction disponibles et compétences associées). Au fur et à mesure que les cultures humaines se développaient et que les connaissances commençaient à être formalisées à travers les traditions et pratiques orales, la construction est devenue un artisanat, et « l'architecture » est le nom donné aux versions les plus formalisées et respectées de cet artisanat.

Réalisation

Article principal : Réalisation de films

La réalisation d'un film est le processus de réalisation d'un film, à partir d'une conception et d'une recherche initiales, en passant par l'écriture de scénario, le tournage et l'enregistrement, l'animation ou d'autres effets spéciaux, le montage, le travail sonore et musical et enfin la distribution à un public ; il fait généralement référence à la création de tous les types de films, englobant le documentaire, les courants théâtraux et littéraires dans le cinéma, et les pratiques poétiques ou expérimentales, et est souvent utilisé pour désigner également les processus basés sur la vidéo

Art informatique

Article principal : Art informatique

Desmond Paul Henry, Image par Drawing Machine 1, ch. 1960

Les artistes visuels ne sont plus limités aux médias traditionnels des arts visuels. Depuis les années 1960, l'ordinateur est un outil de plus en plus répandu dans les arts visuels. Les utilisations incluent la capture ou la création d'images et de formulaires, l'édition de ces images et formulaires (y compris l'exploration de compositions multiples) et le rendu final ou l'impression (y compris l'impression 3D). L'art informatique est tout dans lequel les ordinateurs ont joué un rôle dans la production ou l'affichage. Un tel art peut être une image, un son, une animation, une vidéo, un CD-ROM, un DVD, un jeu vidéo, un site Web, un algorithme, une performance ou une installation en galerie. De nombreuses disciplines traditionnelles intègrent désormais les technologies numériques et, par conséquent, les frontières entre les œuvres d'art traditionnelles et les œuvres des nouveaux médias créées à l'aide d'ordinateurs se sont estompées. Par exemple, un artiste peut combiner la peinture traditionnelle avec l'art algorithmique et d'autres techniques numériques. En conséquence, définir l'art informatique par son produit final peut être difficile. Néanmoins, ce type d'art commence à apparaître dans les expositions des musées d'art, même s'il doit encore prouver sa légitimité en tant que forme à part entière et cette technologie est largement considérée dans l'art contemporain plus comme un outil que comme une forme comme dans la peinture. D'autre part, il existe des œuvres d'art informatisées qui appartiennent à un nouveau courant conceptuel et postnumérique, assumant les mêmes technologies, et leur impact social, comme objet d'enquête.

L'utilisation de l'ordinateur a brouillé les distinctions entre les illustrateurs, les photographes, les éditeurs de photos, les modélisateurs 3D et les artisans. Les logiciels de rendu et d'édition sophistiqués ont conduit à des développeurs d'images polyvalents. Les photographes peuvent devenir des artistes numériques. Les illustrateurs peuvent devenir animateurs. L'artisanat peut être assisté par ordinateur ou utiliser des images générées par ordinateur comme modèle. L'utilisation des images clipart sur ordinateur a également rendu la distinction claire entre les arts visuels et la mise en page moins évidente en raison de l'accès et de l'édition faciles des images clipart lors du processus de pagination d'un document, en particulier pour l'observateur non qualifié.

Arts plastiques

Article détaillé : Arts plastiques

Les arts plastiques sont un terme désignant les formes d'art qui impliquent la manipulation physique d'un support plastique par moulage ou modelage, comme la sculpture ou la céramique. Le terme a également été appliqué à tous les arts visuels (non littéraires, non musicaux).[22][23]

Les matériaux qui peuvent être sculptés ou façonnés, tels que la pierre ou le bois, le béton ou l'acier, ont également été inclus dans la définition plus étroite, car, avec des outils appropriés, ces matériaux sont également capables de modulation. [citation nécessaire] Cette utilisation du terme « plastique » dans les arts ne doit pas être confondu avec l'utilisation de Piet Mondrian, ni avec le mouvement qu'il a appelé, en français et en anglais, « Neoplasticism ».

Sculpture

Article principal : Sculpture

La sculpture est une œuvre d'art en trois dimensions créée en façonnant ou en combinant un matériau dur ou plastique, du son ou du texte et/ou de la lumière, généralement de la pierre (roche ou marbre), de l'argile, du métal, du verre ou du bois. Certaines sculptures sont créées directement en trouvant ou en sculptant ; d'autres sont assemblés, construits ensemble et cuits, soudés, moulés ou coulés. Les sculptures sont souvent peintes.[24] Une personne qui crée des sculptures s'appelle un sculpteur.

Parce que la sculpture implique l'utilisation de matériaux pouvant être moulés ou modulés, elle est considérée comme l'un des arts plastiques. La majorité de l'art public est la sculpture. De nombreuses sculptures réunies dans un jardin peuvent être appelées jardin de sculptures. Les sculpteurs ne font pas toujours des sculptures à la main. Avec l'augmentation de la technologie au 20e siècle et la popularité de l'art conceptuel par rapport à la maîtrise technique, de plus en plus de sculpteurs se sont tournés vers les fabricants d'art pour produire leurs œuvres d'art. Avec la fabrication, l'artiste crée un design et paie un fabricant pour le produire. Cela permet aux sculpteurs de créer des sculptures plus grandes et plus complexes à partir de matériaux comme le ciment, le métal et le plastique, qu'ils ne pourraient pas créer à la main. Les sculptures peuvent également être réalisées avec la technologie d'impression 3D.

Définition du droit d'auteur américain de l'art visuel

Aux États-Unis, la loi protégeant le droit d'auteur sur une œuvre d'art visuel donne une définition plus restrictive de l'"art visuel".[25]

Une « œuvre d'art visuel » est —

(1) une peinture, un dessin, une estampe ou une sculpture, existant en un seul exemplaire, en un tirage limité à 200 exemplaires ou moins qui sont signés et numérotés consécutivement par l'auteur, ou, dans le cas d'une sculpture, en plusieurs exemplaires, sculptures sculptées ou fabriquées de 200 ou moins qui sont numérotées consécutivement par l'auteur et portent la signature ou une autre marque d'identification de l'auteur ; ou alors

(2) une image photographique produite uniquement à des fins d'exposition, existant en un seul exemplaire signé par l'auteur, ou en une édition limitée de 200 exemplaires ou moins qui sont signés et numérotés consécutivement par l'auteur.

Une œuvre d'art visuel ne comprend pas —

(A)(i) toute affiche, carte, globe, graphique, dessin technique, diagramme, modèle, art appliqué, film cinématographique ou autre œuvre audiovisuelle, livre, magazine, journal, périodique, base de données, service d'information électronique, publication électronique, ou publication similaire ;

(ii) tout article de merchandising ou matériel ou contenant publicitaire, promotionnel, descriptif, de couverture ou d'emballage ;

(iii) toute partie ou partie d'un élément décrit à la clause (i) ou (ii) ;

(B) tout travail fait pour la location ; ou alors

(C) toute œuvre non soumise à la protection du droit d'auteur sous ce titre.

Voir également

Article détaillé : Esquisse des arts visuels

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Art concret

L'art concret était un mouvement artistique avec un fort accent sur l'abstraction géométrique. Le terme a d'abord été formulé par Theo van Doesburg et a ensuite été utilisé par lui en 1930 pour définir la différence entre sa vision de l'art et celle d'autres artistes abstraits de l'époque. Après sa mort en 1931, le terme a été défini et popularisé par Max Bill, qui a organisé la première exposition internationale en 1944 et a continué à aider à promouvoir le style en Amérique latine. Le terme a été largement repris après la Seconde Guerre mondiale et promu à travers un certain nombre d'expositions internationales et de mouvements artistiques.

Origine

Revue Art Concret, mai 1930.

Après la rupture formelle de De stijl, à la suite du dernier numéro de son magazine en 1928, van Doesburg a commencé à envisager la création d'un nouveau collectif centré sur une approche similaire de l'abstraction. En 1929, il discuta de ses projets avec le peintre uruguayen Joaquín Torres-García, avec des candidats à l'adhésion de ce groupe, notamment Georges Vantongerloo, Constantin Brancusi, František Kupka, Piet Mondrian, Friedrich Vordemberge-Gildewart et Antoine Pevsner, entre autres. Cependant, van Doesburg a réparti les candidats entre les artistes dont le travail n'était pas encore complètement abstrait et ceux sans référentialité. Comme ce classement entraînait la possibilité d'une disqualification du premier groupe, les discussions entre les deux ont rapidement échoué, incitant Torres-García à faire équipe à la place avec le critique belge Michel Seuphor et à former le groupe Cercle et Carré [1].

Suite à cela, van Doesburg a proposé un groupe rival, Art Concret, défendant un art abstrait géométrique étroitement lié à l'esthétique du néo-plasticisme. A son avis, le terme «abstrait» appliqué à l'art avait des connotations négatives; à sa place, il a préféré le terme plus positif de «concret». [2] Van Doesburg a finalement été rejoint par Otto G. Carlsund, Léon Arthur Tutundjian, Jean Hélion et son camarade locataire, le typographe Marcel Wantz (1911-79), qui a rapidement quitté pour entreprendre une carrière politique. [3] En mai 1930, ils publient un seul numéro de leur propre magazine de langue française, Revue Art Concret, qui présente un manifeste commun, les positionnant comme le groupe le plus radical d'abstractionistes.

« Base de la Peinture Concrète Nous disons:

  1. L'art est universel.
  2. Une œuvre d'art doit être entièrement conçue et façonnée par l'esprit avant son exécution. Il ne recevra rien des données formelles de la nature, de la sensualité ou de la sentimentalité. Nous voulons exclure le lyrisme, le drame, le symbolisme, etc.
  3. La peinture doit être entièrement constituée d'éléments purement plastiques, à savoir les surfaces et les couleurs. Un élément pictural n'a pas de sens au-delà de «lui-même»; par conséquent, un tableau n'a d'autre sens que «lui-même».
  4. La construction d'un tableau, ainsi que celle de ses éléments, doit être simple et contrôlable visuellement.
  5. La technique de peinture doit être mécanique, c'est-à-dire exacte, anti-impressionniste.
  6. Un effort vers une clarté absolue est obligatoire. [4] »

Le groupe a été de courte durée et n'a exposé ensemble qu'à trois reprises en 1930 dans le cadre d'expositions collectives plus importantes, la première étant au Salon des Surindépendents en juin, suivie de Production Paris 1930 à Zürich, et en août l'exposition AC: Internationell utställning av postkubistisk konst (Exposition internationale d'art post-cubiste) à Stockholm, organisée par Carlsund. Dans le catalogue de ce dernier, Carlsund déclare que "le programme du groupe est clair: purisme absolu. Néo-plasticisme, purisme et constructivisme combinés". [5] Peu de temps avant la mort de van Doesburg en 1931, les membres du groupe Art Concret toujours actif à Paris se sont unis à l'association plus large Abstraction-Création.

Contexte théorique

En 1930, Michel Seuphor avait défini le rôle de l'artiste abstrait dans le premier numéro de Cercle et Carré. Il s'agissait «d'établir, sur les fondations d'une structure simple, sévère et sans fioritures dans toutes ses parties, et sur la base d'une unité étroite non dissimulée avec cette structure, une architecture qui, utilisant les moyens techniques disponibles à son époque, s'exprime en un langage clair ce qui est vraiment immanent et immuable. »[6] L'historien de l'art Werner Haftmann retrace le développement de l'abstraction pure proposée par Seuphor à la synthèse du constructivisme russe et du néoplastisme néerlandais dans le Bauhaus, où la peinture abandonne l'artificialité de représentation pour l'authenticité technologique. «En lien étroit avec l'architecture et l'ingénierie, l'art doit s'efforcer de donner forme à la vie elle-même… [Le premier] a fourni de nouvelles sources d'inspiration ainsi que de nouveaux matériaux - acier, aluminium, verre, matériaux synthétiques.» [7]

Comme l'a souligné van Doesburg dans son manifeste, pour être universel, l'art doit abandonner la subjectivité et trouver une inspiration impersonnelle uniquement dans les éléments dont il est construit: la ligne, le plan et la couleur. Certains artistes plus tardifs associés à cette tendance, tels que Victor Vasarély, Jean Dewasne, Mario Negro et Richard Mortensen, ne se sont mis à la peinture qu'après des études scientifiques. [8] Néanmoins, toutes les avancées théoriques cherchent une justification dans la pratique passée, et dans ce cas, les proportions mathématiques exprimées sous forme abstraite doivent être identifiées dans diverses formes d'art au cours des millénaires. Ainsi, a fait valoir Haftmann, «l'élimination des images figuratives et l'utilisation manifeste de la géométrie pure n'impliquent pas un rejet radical et définitif du grand art du passé, mais plutôt une réaffirmation de ses valeurs éternelles dépouillées de leurs déguisements historiques et sociaux. »[9]

Évolution

Max Bill, Continuity (Colossus of Frankfurt), 1986, collection: Deutsche Bank, Frankfurt am Main. Max Bill « tenait à créer des œuvres basées sur des fondements mathématiques et géométriques - des manifestations matérielles de processus intellectuels qui résistaient au symbolisme ». [4]

Alors qu'Abstraction-Création regroupait toutes les tendances modernistes, il y avait ceux en son sein qui ont porté l'idée de l'art d'inspiration mathématique et le terme «art concret» dans d'autres pays lorsqu'ils ont déménagé ailleurs. Un personnage clé parmi eux était Joaquin Torres García, qui retourna en Amérique du Sud en 1934 et y encadra des artistes. Certains d'entre eux fondèrent le groupe Arte Concreto Invención à Buenos Aires en 1945 [11]. Un autre était le designer Max Bill, qui avait étudié au Bauhaus en 1927-1919. De retour en Suisse, il participe à l'organisation du groupe Allianz pour défendre les idéaux de l'art concret. En 1944, il organise la première exposition internationale à Bâle et en même temps fonde abstract-konkret, le bulletin mensuel de la Gallerie des Eaux Vives à Zurich. [12] En 1960, Bill organisait une grande exposition rétrospective de l'art concret à Zurich illustrant 50 ans de son développement.

L'abstraction, qui avait tranquillement pris de l'ampleur en Italie entre les deux guerres mondiales, a officiellement émergé dans le Movimento d'arte concreta (MAC) en 1948, dont le principal représentant, Alberto Magnelli, était un autre ancien membre d'Abstraction-Création et avait vécu dans France depuis de nombreuses années. Cependant, quelque soixante-dix peintres indigènes étaient représentés dans l'exposition Arte astratta e concreta in Italia tenue trois ans plus tard à la National Gallery de Rome. [13] À Paris, la reconnaissance de cette démarche a donné lieu à plusieurs expositions dont la première, intitulée Art Concret, s'est tenue à la Galerie René Drouin au cours de l'été 1945. Décrite comme "la première grande exposition d'art abstrait après la Seconde Guerre mondiale", [14 ] parmi les artistes exposés figuraient l'ancienne génération d'abstractionistes: Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, Sonia Delaunay, César Domela, Otto Freundlich, Jean Gorin, Auguste Herbin, Wassily Kandinsky, Alberto Magnelli, Piet Mondrian, Antoine Pevsner et van Doesburg. L'année suivante, une série d'expositions annuelles a débuté au Salon des Réalités Nouvelles, qui regroupait certains de ces artistes et était consacrée, selon ses statuts, aux «œuvres d'art communément appelées: art concret, non figuratif ou abstrait art ". [15]

En 1951, le Groupe Espace a été fondé en France pour harmoniser la peinture, la sculpture et l'architecture en une seule discipline. Cela a regroupé des sculpteurs et des architectes avec d'anciens artistes établis tels que Sonia Delaunay et Jean Gorin et les nouveaux émergents Jean Dewasne et Victor Vasarély. Son manifeste a été publié cette année-là dans L’Architecture d’Aujourd’hui et affiché dans les rues de Paris, défendant la présence fondamentale des arts plastiques dans tous les aspects de la vie pour le développement harmonieux de toutes les activités humaines. Il s'est étendu à côté de la politique pratique, ayant élu comme président d'honneur le ministre de la Reconstruction et du Développement urbain, Eugène Claudius-Petit. [16]

Au fil du temps, une distinction a commencé à être faite entre «l'abstraction froide», qui a été identifiée à l'art concret géométrique, et «l'abstraction chaleureuse», qui, en se déplaçant vers les différents types d'abstraction lyrique, a réintroduit la personnalité dans l'art. [17 ] Le premier a finalement alimenté les mouvements internationaux en s'appuyant sur des aspects technologiques défendus par les pionniers de l'art concret, émergeant comme art optique, art cinétique et art programmatique. [18] Le terme béton a également commencé à être étendu à d'autres disciplines que la peinture, y compris la sculpture, la photographie et la poésie. La justification de cela a été théorisée en Amérique du Sud dans le Manifeste néo-concret de 1959, écrit par un groupe d'artistes de Rio de Janeiro qui comprenait Lygia Clark, Hélio Oiticica et Lygia Pape. [19]

Hôtel William Gray

Boulevard de la Confédération

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