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Classement

Davantage d’informations Palmarès (27 mars 1965), Meilleure position ...

Palmarès (27 mars 1965)	Meilleure position
États-Unis - Billboard Hot 100 [12]	14
États-Unis - Billboard Hot Rhythm & Blues Singles [13]	3

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Palmarès

Davantage d’informations Pays, Classement (1984) ...

Pays	Classement (1984)	Meilleure position
Australie	Kent Music Report[14]	24
Belgique (Flandres)	Ultratop 50[15]	4
Europe	European Hot 100 Singles[16]	18
Irlande	IRMA[17]	6
Pays-Bas	Dutch Top 40[18]	2
Pays-Bas	Single Top 100[19]	3
Nouvelle-Zélande	Recorded Music NZ[20]	1
Royaume-Uni	UK Singles Chart[21]	5

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Certification

Davantage d’informations Pays, Certification ...

Pays	Certification	Ventes certifiées	Date
Brésil (Pro-Música Brasil)[22]	Or	30 000	5 février 2026
Espagne (Promusicae)[23]	Or	15 000	5 janvier 2024
Italie (FIMI)[24]	Or	25 000	6 juin 2019
Nouvelle-Zélande (RMNZ)[25]	3 × Platine	90 000	26 septembre 2024
Royaume-Uni (BPI)[26]	Platine	600 000	14 octobre 2022

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Articles connexes

Bibliographie

• (en) Rudi Blesh, Shining Trumpets : A History Of Jazz, New York, Alfred A. Knopf, 1946 (lire en ligne), p. 121-122

Liens externes

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[[Catégorie:Chanson de 1940 [[Catégorie:Standard de blues [[Catégorie:Single musical sorti en [[Catégorie:Chanson interprétée par [[Catégorie:

Jeunesse et débuts

Lloyd Tyrell naît à Trenchtown, un quartier de Kingston, où il grandit dans un contexte marqué par l’essor de la musique populaire jamaïcaine. Sa carrière professionnelle débute en 1962, lorsqu'il se produit au sein de groupes vocaux tels que The Charmers. Après leur séparation, il rejoint Slim Smith et Jimmy Riley au sein du groupe The Uniques, formation importante de la scène rocksteady des années 1960^[1].

Carrière musicale

Charmers se lance ensuite dans une carrière solo, sortant deux albums en 1970, et enregistrant également des titres à caractère érotique tels que Birth Control et l'album Censored, ces morceaux plus osés paraissant sous son vrai nom ou sous le pseudonyme de « Lloydie & The Lowbites ». Il est également, brièvement, membre des Messengers, un supergroupe éphémère composé de Ken Boothe, B.B. Seaton et Busty Brown.

Au début des années 1970, il fonde son propre label, Splash Records, et se lance dans la production. Ses productions se distinguent par leurs arrangements sophistiqués, intégrant des influences de soul et de musique orchestrale ; il collabore avec plusieurs artistes jamaïcains majeurs tels que Don Drummond, Roland Alphonso, Max Romeo, Tommy McCook, The Abyssinians, Roy Cousins, Cornell Campbell, Gregory Isaacs et The Silvertones. Avec son groupe de musiciens de studio, Now Generation, il produit des artistes comme Ken Boothe (dont certains de ses plus grands succès solo de l'époque, comme sa reprise de Everything I Own de David Gates) ou The Gaylads.

Activités au Royaume-Uni

Installé au Royaume-Uni dans les années 1970, où il continue d'enregistrer et de produire dans des styles variés, du lovers rock au disco. Il collabore avec le label Trojan Records et contribue à diffuser le reggae au Royaume-Uni, contribuant au développement du reggae britannique^[2], notamment auprès de la diaspora caribéenne^[3].

En 1980, le groupe de ska britannique The Specials connaît un succès avec Too Much Too Young, une adaptation de Birth Control, une chanson de Charmers sortie en 1969. En 2001, le label Blood and Fire de Steve Barrow publie une compilation de raretés de Charmers intitulée Darker Than Blue: Soul From Jamdown 1973-1980, faisant ainsi découvrir son œuvre à une nouvelle génération d'auditeurs.

Mort

Lloyd Charmers meurt d'un infarctus le 27 décembre 2012 à Londres.

Albums

• 1969 : House in Session – Lloyd Charmers & The Hippy Boys (Pama Records)
• 1970 : Reggae Charm – Lloyd Charmers with Byron Lee & the Dragonaires (Dynamic Sounds/Trojan Records)
• 1970 : Reggae Is Tight (Trojan)
• 1972 : Censored – Lloydie and The Lowbites (Lowbite)
• 1973 : Charmers in Session (Trojan)
• 1974 : Wildflower Original Reggae Hits (Trojan)
• 1975 : Too Hot To Handle (Wildflower)
• 1980 : Golden Days (Sarge)
• 1982 : Sweet Memories (Echo)

Bibliographie

• (en) Steve Barrow et Peter Dalton, The Rough Guide to Reggae, Londres, Rough Guides, 2004, 3^e éd., 484 p. (ISBN 978-1843533290, lire en ligne)
• Dave Thompson, Reggae & Caribbean Music, Backbeat Books, 2002
• Colin Larkin, The Virgin Encyclopedia of Reggae, Virgin Books, 1998

Liens externes

{{Portail|Reggae|Jamaïque

[[Catégorie:Naissance en avril 1946 [[Catégorie:Naissance à Kingston (Jamaïque) [[Catégorie:Décès en décembre 2012 [[Catégorie:Décès à Londres [[Catégorie:Producteur jamaïcain de reggae [[Catégorie:Chanteur jamaïcain de reggae [[Catégorie:Artiste de Trojan Records

Tableau 1

Tableau 2

Davantage d’informations Classements (1991), Meilleure position ...

Classements (1991)	Meilleure position
Allemagne (Media Control AG)[9]	1
Australie (ARIA)[10]	43
Autriche (Ö3 Austria Top 40)[11]	1
Belgique (Flandre Ultratop 50 Singles)[12]	26
Belgique (Wallonie Ultratop 50 Singles)[13]	1
Canada (Hot 100)[14]	1
Danemark (Tracklisten)[15]	1
Espagne (Promusicae)[16]	12
États-Unis (Hot 100)[17]	1
États-Unis (R&B/Hip-Hop Songs)[18]	5
États-Unis (Mainstream Rock)[19]	40
Finlande (Suomen virallinen lista)[20]	29
France (SNEP)[21]	2
France (Digital Songs)[22]	1
Irlande (IRMA)[23]	1
Italie (FIMI)[24]	1
Norvège (VG-lista)[25]	1
Nouvelle-Zélande (RMNZ)[26]	1
Pays-Bas (Nederlandse Top 40)[27]	5
Pays-Bas (Single Top 100)[28]	8
Royaume-Uni (UK Singles Chart)[29]	41
Suède (Sverigetopplistan)[30]	1
Suisse (Schweizer Hitparade)[31]	40

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Singles

Années 1950

En 1953, Dave Somerville, alors qu'il travaille comme ingénieur du son pour la Société Radio-Canada à Toronto, rencontre trois autres jeunes chanteurs. Ils décident de former un quatuor vocal appelé The Diamonds. La première performance du groupe a lieu dans le sous-sol de l'église St. Thomas Aquinas à Toronto pour un spectacle du genre minstrel show à Noël. La réaction du public est si positive qu'ils décident de devenir professionnels ce soir-là.

Après 18 mois de répétitions, ils se rendent à New York et où ils terminent à la 1^re place ex-aequo dans l'émission Talent Scouts d'Arthur Godfrey. Le prix est d'être invité pendant une semaine dans l'émission de Godfrey, ce qui leur vaut un contrat d'enregistrement avec Coral Records. Le musicien Nat Goodman devient leur manager. Coral sort quatre chansons, la plus notable étant "Black Denim Trousers and Motorcycle Boots", écrite par Jerry Leiber et Mike Stoller.

La grande étape suivante consiste dans une audition à Cleveland, Ohio, avec le disc-jockey radio Bill Randle, qui contribue déjà au succès de certains groupes populaires, tels The Crew-Cuts. Randle est impressionné par les Diamonds et les présente à un producteur de Mercury Records qui signe un contrat d'enregistrement avec le groupe.

Le premier enregistrement des Diamonds pour Mercury est Why Do Fools Fall in Love (créé par Frankie Lymon and the Teenagers) qui atteint le n^o 12 aux États-Unis et le suivant, The Church Bells May Ring (un titre des Willows), se classe [{N°|1}}. Leurs plus grands succès, en 1957, sont Little Darlin' (des Gladiolas) et The Stroll. Cette dernière est une composition originale écrite pour le groupe par Clyde Otis, à partir d'une idée par Dick Clark.

Bien qu'ils soient engagés pour faire du rock 'n' roll, Mercury les associe également au compositeur et arrangeur de jazz Pete Rugolo, dans l'un de ses enregistrements de la série Meet. L'album, intitulé The Diamonds Meet Pete Rugolo, leur permet de revenir à leurs racines en interprétant quelques standards établis.

Le groupe chante Little Darlin et Where Mary Go dans le film The Big Beat ainsi que la chanson thème du film de 1958 Kathy O. Leurs apparitions à la télévision comprennent les émissions de télévision de Steve Allen, Perry Como, Vic Damone, Tony Bennett, Eddy Arnold et Paul Winchell. Ils apparaissent également dans American Bandstand.

À la fin des années 1950, Reed, Kowalski et Levitt quittent le groupe et sont remplacés par Mike Douglas, John Felten et Evan Fisher.

Décennies suivantes

Malgré l'évolution constante du style rock & roll et l'expiration de leur contrat Mercury, les Diamonds continuent tourner régulièrement dans le pays. Dave Somerville s'en va en 1961 pour poursuivre une carrière de chanteur folk sous le nom de David Troy, et est remplacé par Jim Malone. Le groupe n'aura plus aucun disque à succès après le départ Somerville.

Tout au long des années 1960 et 1970, les Diamonds se produisent principalement à Las Vegas, dirigés, au début, par Mike Douglas, puis par Glenn Stetson. À un moment donné, il y a au moins deux groupes qui se produisent sous le nom de The Diamonds, l'autre étant principalement dirigé par John Felten jusqu'à sa mort le 17 mai 1982, dans un accident d'avion. Cela créée un problème à la fin des années 1980 qui est finalement porté devant les tribunaux. Le droit d'utiliser le nom The Diamonds est attribué à Gary Owens (un membre du groupe de Felten), les membres originaux étant autorisés à utiliser leur nom chaque année lors d'occasions spéciales. Le groupe d'Owens sort un album en 1987, Diamonds Are Forever, qui contient deux chansons qui entrent dans le bas du classement Country, Just a Little Bit et Two Kinds of Women.

En 1983, les Diamonds avec Glenn Stetson sont le premier groupe de rock 'n' roll à participer au Country Music Network dans une émission intitulée Nashville Now.

Dernière période

Les Diamonds attirent de nouveau l'attention en 2000 lorsque les membres originaux sont invités à chanter dans la production Doo-Wop 51 de TJ Lubinsky pour PBS, et à nouveau dans Magic Moments - The Best of '50s Pop en 2004. En 2012, les Diamonds sont invités en tant que comme guest stars dans le spectacle The Fabulous Palm Springs Follies au Plaza Theatre de Palm Springs, en Californie.

Stetson reçoit une transplantation cardiaque en 2000 puis meurt en 2003. Le membre original Kowalski décède le 8 août 2010 d'une maladie cardiaque, à l'âge de 79 ans. Douglas meurt dans un accident de voiture le 2 juillet 2012, à 78 ans. Somerville disparaît le 14 juillet 2015 à Santa Barbara, en Californie.

A ce jour, Les Diamonds continuent de tourner avec le line-up Gary Owens (baryton), Adam David Marino (ténor), Michael Lawrence (leader) et Jeff Dolan (basse), bien qu'aucun n'ait été membre du groupe original.

Formation originale

• Dave Somerville († 2015) – chant principal / remplacé par by Jim Malone en 1961.
• Ted Kowalski († 2010) – ténor / remplacé par Evan Fisher in 1958.
• Phil Levitt – baryton / remplacé par Mike Douglas en 1957.
• Bill Reed († 2004) – basse / remplacé par John Felten († 1982) en 1958.

Albums

• 1957 : The Diamonds
• 1957 : America's Number One Singing Stylists
• 1958 : The Diamonds Meet Pete Rugolo
• 1959 : America's Favorite Song Stylists
• 1959 : Songs from the Old West
• 1960 : Bandstand Boogie
• 1960 : Pop Hits
• 1976 : Diamonds Are Forever
• 1995 : We’re Still Rockin'
• 1996 : Solemnly Yours
• 1998 : Silver Bells & Diamonds: Holiday Music from the Diamonds
• 2013 : As Long as We're Singin'...and Swingin'!

Principaux singles

Sincerely

Ten Commandments of Love

• 1963 : l'acteur James MacArthur en single.
• 1966 : The Wailers sur l'album The Wailing Wailers at Studio One.
• 1968 : Peaches & Herb en single.
• 1969 : Little Anthony and the Imperials sur leur album Out of Sight, Out of Mind.
• 1978 : Isaac Hayes sur l'album Hotbed.
• 1981 : The Neville Brothers sur Fiyo on the Bayou.
• 1987 : David Allan Coe sur A Matter of Life... and Death.

In My Diary

• 1961 : Etta James sur son album The Second Time Around.
• 1968 : The Spinners en single puis sur leur album de 1970 2nd Time Around.

I Was Wrong

• 1958 : Jerry Butler sur l'album Jerry Butler, esq.

Just a Lonely Christmas

• 1965 : The Supremes, enregistrement paru en 1999 sur la version CD de l'album Merry Christmas.

Over and Over Again

• 1987 : Samplé par LL Cool J dans le morceau The Do Wop sur son album Bigger and Deffer.

Bibliographie

Articles connexes

Liens externes

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Biographie

Début de carrière

L'éducation de Dixon s'est prêtée à sa vocation ultérieure d'auteur-compositeur. Sa mère, Daisy Dixon, était peu éduquée mais a inculqué à ses enfants le respect de la lecture et l'amour de la poésie - une rareté dans le Jim Crow South, où les taux d'alphabétisation des Afro-Américains étaient généralement faibles. Sa compréhension du pouvoir du langage a été favorisée par sa facilité croissante à jouer avec les mots et dans ses premiers poèmes tels que « Le singe signifiant ». L'industrieux Dixon a écrit cette chansonnette légèrement salace en quatrième année, l'a fait imprimer, et par la suite vendu des dizaines de milliers d'exemplaires dans la rue, d'abord en tant que garçon à Vicksburg et plus tard en tant que jeune homme à Chicago. En effet, cet effort précoce était une indication des choses à venir, car Dixon a ensuite réécrit "The Signifying Monkey" pour faire appel à une sensibilité plus distinguée et l'a enregistré en tant que membre du groupe vocal Big Three. Sorti sur le label Bullet de Nashville en 1946, la chanson est devenue un succès dans les palmarès nationaux des records de course.

Alors que Dixon a passé une grande partie de son adolescence à voyager à travers le sud de l'ère de la dépression à la recherche de travail et d'avoir des ennuis, le jeune auteur-compositeur a trouvé sa première situation musicale près de chez lui et dans une compagnie respectable en chantant de la basse avec les Union Jubilee Singers, un local. quatuor de gospel d'une certaine renommée. C'est à peu près à la même époque qu'il s'est également imposé comme un boxeur compétent; pressentant les limites de la vie de pugiliste dans le Sud, il partit pour Chicago en 1936.

Chicago, les années Chess et au-delà

À Chicago, Dixon s'est battu avec succès, remportant même sa division de poids dans le tournoi Golden Gloves de 1937. En même temps, il a chanté dans un certain nombre de groupes vocaux et a rencontré Leonard Baby Doo Caston, qui a finalement persuadé Dixon d'échanger son des gants de boxe pour une contrebasse. Les deux ont travaillé dans les rues de Chicago pour de l'argent de poche - assez, apparemment, pour que Dixon passe de la contrebassine à la contrebasse - et ont formé un groupe appelé les Five Breezes; en novembre 1940, le quintette grave huit faces pour le label Bluebird, la filiale Race record de RCA. À la fin de 1941, Dixon passa dix mois en prison pour insoumission ; après sa libération, il forma un autre groupe, les Four Jumps of Jive, qui coupa quatre faces pour Mercury en 1945. Dixon rejoignit ensuite Caston pour former le trio Big Three à orientation pop avec Bernardo Dennis et plus tard Ollie Crawford à la guitare; entre 1946 et 1954, le trio fera un certain nombre d'enregistrements sur les empreintes OKeh, Delta et Columbia. Le premier d'entre eux a valu à Dixon l'attention de Leonard et Phil Chess, qui, à partir de 1948, ont engagé Dixon pour faire du travail de session pour Aristocrat, une filiale nouvellement formée du label Chess.

Le mandat de Dixon aux échecs a été fatidique. Bien qu'ils aient rapidement capitalisé sur les compétences de jeu, d'arrangement, d'écriture et de production de Dixon dès le début, les frères Chess ne l'ont engagé à plein temps qu'en 1951. Sa première session pour la société mère a eu lieu en 1952, mais ce n'est qu'en 1954, lorsque Muddy Waters a enregistré "Hoochie Coochie Man" de Dixon, que le potentiel commercial de l'écriture de chansons de Dixon est devenu évident. Après le succès initial de cet enregistrement, Dixon a écrit un certain nombre d'autres tubes, dont le suivi de Waters, "I Just Want to Make Love to You", "Evil" de Howlin' Wolf et deux de Little Walter. Jacobs, Mellow Down Easy et le classique R&B My Babe . En même temps, Dixon a joué de la basse avec Waters, Jacobs et d'autres artistes d'échecs tels que Sonny Boy Williamson II, Jimmy Witherspoon et Bo Diddley. , ainsi qu'avec Chuck Berry sur les premières compositions rock 'n' roll telles que Maybellene Sweet Little Sixteen Rock and Roll Music et Johnny B. Goode . Néanmoins, à la fin de 1956, les pratiques commerciales notoirement manipulatrices des frères Chess encouragent Dixon à passer au label Cobra tout en continuant à jouer des sessions pour Chess. Chez Cobra, Dixon a écrit des chansons pour les pionniers du son « West Side » tels que Magic Sam, Buddy Guy et Otis Rush ; La version de Rush de "I Can't Quit You Babe" était le premier single du label et l'un des dix meilleurs tubes R&B. Néanmoins, Cobra s'est replié en 1958 et Dixon est revenu aux échecs à plein temps.

Pendant ce temps, des changements dans la culture américaine étaient en cours. La guitare basse électrique, introduite par Leo Fender en 1951, a de plus en plus supplanté la contrebasse sur de nombreux enregistrements, diminuant la demande de Dixon en tant que joueur de session. L'émergence du rock 'n' roll a fait des ravages sur la scène blues live de Chicago; avec la diminution du nombre de concerts dans sa ville natale, Dixon a rejoint Memphis Slim pour une série de tournées dans l'Est qui comprenaient des arrêts au Newport Folk Festival en 1957 et 1958 ainsi que des sessions d'enregistrement pour les labels Prestige, Verve et Folkways. Dans le même temps, le renouveau du folk et du blues de la fin des années 1950 et du début des années 1960 a conduit les Allemands Horst Lippmann et Fritz Rau à organiser le premier de plusieurs festivals de blues folk américains très réussis à travers l'Europe, avec lesquels Dixon était étroitement impliqué.

Si tout cela a affecté l'écriture de chansons de Dixon pour Chess, ce n'était que pour le mieux. En effet, pendant cette période, Dixon a écrit plusieurs de ses chansons les plus influentes, notamment Spoonful Back Door Man I Ain't Superstitious Little Red Rooster Shake pour moi, Wang Dang Doodle et You Shook Me pour Howlin' Wolf ainsi que Bring it on Home et Help Me pour Sonny Boy Williamson et Je suis prêt pour Muddy Waters. Et alors même que la star de Chess commençait à descendre - son dernier tube de blues était, à juste titre, la version de 1966 de "Wang Dang Doodle" de Koko Taylor - Dixon avait l'attention de toute une légion de groupes de rock anglais, puis américains, désireux de piller son catalogue d'écriture de chansons, parfois sans reconnaissance ni consentement. Les efforts de Dixon pour récupérer les revenus perdus de l'écriture de chansons dans les années 1970 ont été largement couronnés de succès, et son expérience l'a amené à fonder la Blues Heaven Foundation, une organisation bienveillante dédiée au bien-être financier des artistes de blues vieillissants. Il mourut dans son sommeil à l'âge de soixante-seize ans.

Bibliographie

Articles connexes

Liens externes

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Naissance et « adoption » d'Arthur

Dans Merlin et dans les œuvres postérieures, Merlin fait promettre à Uter-Pendragon de lui remettre le fils né de ses amours avec Ygierne, afin qu'il grandisse loin de la cour et de ses intrigues. L'enchanteur recueille Arthur dès sa naissance et le remet au chevalier Antor, de sang noble et de grande puissance^[4], chargé de l'élever comme son propre fils. Merlin ne lui révèle pas la véritable identité du garçon. Dans Le Morte d'Arthur, au contraire, Uther Pendragon rencontre sir Ector avant la naissance d'Arthur, et accepte de lui confier l'éducation de son fils^[9].

Antor élève l'enfant avec son fils du même âge, Keu. Il le fait baptiser et lui donne le nom d'Artus, sur les conseils de Merlin. Robert de Boron écrit : « Et Antor ignorait qui il aimait le plus, Arthur ou son propre fils »^[14]. Antor confie le nouveau-né à sa femme pour l'allaitement. Ainsi, Keu est privé du lait maternel, et doit se contenter de celui d'une nourrice étrangère. Cet épisode sert souvent de justification au mauvais caractère de Keu^[15].

Le fait qu'Arthur soit élevé par la famille d'Anton, plutôt que par ses propres parents, s'apparente à la tradition du fosterage^[1]. Celle-ci consiste à confier l'éducation de son enfant à un tiers, généralement un membre de la famille (un oncle) ou un allié (vassal ou suzerain). C'est une pratique courante dans le monde celte^[16]. On en trouve notamment la trace dans les textes gallois ou irlandais (Culhwch ac Olwen^[13], Mabinogi de Pwyll, Táin Bó Cúailnge)^[16]. Cependant, ces enfants ne sont généralement pas éloignés de leurs parents dès la naissance, comme c'est le cas pour Arthur, mais plutôt vers l'âge de six ou sept ans.

La révélation

Quand Keu est assez âgé pour être fait chevalier, le jeune pupille d'Antor lui sert d'écuyer^[4]. Antor, Keu et Arthur se rendent à Londres pour fes fêtes de Noël. Keu, ayant oublié son épée en son hôtel, ordonne à Arthur d'aller la lui chercher. Ce dernier, ne la trouvant pas, retire celle qui est plantée dans le rocher et qui doit désigner le roi des Bretons. Keu prétend être l'auteur de ce miracle, mais Antor ne le croit pas. Après que Keu lui ai avoué la vérité, Antor « prend immédiatement des mesures pour qu’Arthur soit reconnu roi, après avoir obtenu de lui la promesse qu’il gardera toujours auprès de lui son frère de lait Kay comme sénéchal »^[4]. Antor et Keu sont les premiers partisans d'Arthur et, quand celui-ci devient roi, ils participent tous deux à ses côtés dans les guerres contre les rois rebelles et contre les Saxons^[17],[10].

Dans l'Historia regum Britanniae, Antor n'existe pas. Arthur est élevé par Uter et Ygerne, et succède à son père à l'âge de 15 ans, sans contestation^[18].

Dans son cycle romanesque La Quête du Roi Arthur, T. H. White situe les terres d'Antor dans la « forêt sauvage ». Dans le Cycle de Pendragon de Stephen R. Lawhead, Ector/Ectorius est roi de Caer Edyn, lieu correspondant à l'actuelle Édimbourg^[19].

Bibliographie

• Paulin Paris, Les Romans de la Table ronde, vol. 2 : Merlin, Artus, Paris, Léon Techener, 1868 (lire en ligne)
• Robert de Boron (trad. Alexandre Micha), Merlin, Paris, Flammarion, coll. « GF / Littérature et civilisation », 1994, 250 p., poche (ISBN 978-2080708298)

Liens externes

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• {{Bases
• {{Dictionnaires

{{Portail|Monde celtique|légende arthurienne

[[Catégorie:Personnage du cycle arthurien

Manifestations

Le festival compte 170 manifestations. Chaque jour ont lieu de nombreuses activités culturelles, mais aussi sportives ou culinaires, dans différents lieux de la ville^[5].

Parc du Moustoir

La finale du Championnat national des bagadoù est remporté le 8 août par le Bagad Bleimor^[6]. Elle est suivie de la Grande Nuit des Cornemuses.

Le 9 août, le « Festival des danses de Bretagne » réunit 1500 danseurs. Le « Triomphe des Pipe Bands » se déroule le 12 et le « Championnat interceltique des sports traditionnels et la finale du Tournoi international des luttes celtiques » ont lieu le 16 août.

Halle du Moustoir - Salle omnisports

Dan Ar Braz et Fairport Convention y donnent un concert le 8 août, suivis de Tri Yann le lendemain.

Louis Capart, Gilles Servat et Roger Gicquel s'y produisent le 11. The Pogues sont en concert le 13.

Le 12 est créé « Le Peuple de la nuit », un oratorio de James Moreau sur un livret de Pierre-Jakez Hélias.

Le 16, le concert « Pleins Feux sur le Folk » réuni Steeleye Span, Capercaillie et Gwerz.

On compte également les spectacles « Prestige des cornemuses », « Grande Nuit du Festival », « Grande Nuit de la Galice et des Asturies » et « Danses du Monde Celte », qui se déroulent respectivement les 10, 14, 15 et 16 août

Palais des Congrès

Le 9 août ont lieu le 8^e Trophée Macallan de cornemuses et le 2^e Trophée Macallan de Gaïtas. Ce dernier est remporté par l'Asturien Vicente Prado (es)^[7].

Itinéraire bis, une création de Roland Becker et Emmanuel Bergot, est jouée le lendemain^[8]. Yvon Etienne et Lucien Gourong présentent « Vous avez dit, Celtes ! » le 15 août.

Les soirées « Nuit du Folk irlandais », « Musiques au centre », « Folk Celtique d'Ailleurs » et « Nuit du Folk écossais » se déroulent respectivement les 8, 12, 13 et 14 août. Chaque soir a lieu un fest-noz avec des groupes et des couples de sonneurs comme Amzer Zo, Daniel Miniou et Jean Sohier, Philippe Janvier et Jean-Luc Le Moign ou Les Filles du bourg de Teillé. On y trouve aussi un atelier de broderie, dentelle et perlage.

Forum des Arts, place Auguste Nayel

L'exposition « Art et artisanat d'art des pays celtes » présente, durant toute la durée du festival, le travail de plus de 250 peintres, graveurs, sculpteurs, potiers, tisserands, etc. issus des sept pays celtes. Une exposition de lutherie est aussi proposée.

Une « Journée des dessinateurs et de la BD » et une « Journée des écrivains bretons » sont organisées. Les auteurs présents, dont Lidwine, y dédicacent leurs ouvrages.

On peut également y voir les soirées « Fiddles des Highlands », « L'Archetype », « Solistes d'Ecosse », « Soirée des Espoirs » et « Les Cornemuses d'Irlande ». Elles sont précédées de nombreux concerts quotidiens de groupes comme Brath (gl) (Galice), Sibin (Irlande), Black Eyed Biddy (Ecosse) ou Pencerdd (Pays de Galles).

Places et rues de la ville

La « Grande parade des nations celtes », procession des bagadoù, cercles celtiques et autres délégations venues d'Ecosse, d'Irlande, de Galice, du pays de Galles, de l'Île de Man et de Cornouailles, a lieu le 9 août. Le même jour se tient le « Triomphe des Sonneurs ». Les « Athlètes des pays celtes » défilent le 16. D'autres parades ont lieu chaque jour dans différents endroits, avec notamment le Bagad de Lann Bihoué, le Bagad Sonerien An Oriant et de nombreux pipe bands.

Une représentation des attelages du Haras d'Hennebont se déroule place Alsace-Lorraine le 13 août et les chevaux montés et attelés défilent avenue Anatole France le 15.

Le Trophée Guinness de batterie se tient Parc Jules-Ferry le 10 août. Alain Le Goff y présente chaque jour Un conteur dans la ville.

Une « Grande Poissonnade » et un Fest-Noz Vras se déroulent place de l'Hôtel de ville. Une « Cotriade monstre » se tient sous la criée du port de pêche avec, entre autres, les groupes Sibin, Dealga et Djiboudjep. Chaque jour, Le Pub accueille place Jules Ferry des concerts d'artistes divers, dont Skolvan.

Pour clore le festival, la « Grande Nuit du Port de Pêche », avenue de la Perrière, dure jusqu'au petit matin.

Autres

Une messe solennelle en breton est célébrée dans l'Église Saint-Louis le dimanche 9 août. La formation Le Salon de Madame Victoire y joue un concert de musique baroque le 13.

Des représentations de café-théâtre ont lieu Salle Courbet - Foyer du Jeune Travailleur.

Un concert à la gare SNCF le 13 août.

Initiation aux danses de Bretagne et des pays celtes tous les jours à la Salle Carnot.

L'Université populaire bretonne d'été (UPBE), dispense des cours sur « La langue bretonne », « L'Archéologie » et « La Bretagne au XVI^e et XVII^e siècles ». Une série de conférences est données à la Chambre de commerce, ainsi qu'un récital de pibroch et une exposition « 60 ans de la vie du Port de Pêche - souvenirs de Keroman ».

Festival du Cinéma et des Télévisions celtiques au cinéma le Royal 2.

Des expositions « Costume breton et des pays celtiques », « Jeux traditionnels de Bretagne »,

Une bourse d'échange et vente de minéralogie est présentée à l'Ecole maternelle de Nouvelle-Ville, et de timbres, monnaies et cartes postales à l'Ecole de Merville.

Côté sports et jeux, le festival organise des tournois de lutte cornouaillaise et de lutte du Cumberland et d'Ecosse au Jardin du Faouëdic, un tournoi interceltique de golf au Golf Club de Saint-Laurent Ploemel, un Concours hippique international au Parc du Bois du château et le 4^e tournoi Open international d'échecs. Le départ de la course cycliste Tro ar Mor Bihan a lieu place de l'Hôtel de Ville. Un concours de boule bretonne se déroule au pont d'Oradour le 03 août, et un concours de pétanque en doublettes est disputé sur toute la durée du festival.

Les débuts

Kenny Gamble naît et grandit à Philadelphie. Au cours de sa jeunesse, il s'enregistre lui-même sur divers appareils de jeu, assiste les DJs des émissions matinales sur la radio WDAS, exploite un magasin de disques et chante au sein du groupe The Romeos, qui comprend aussi l’auteur-compositeur Thom Bell et le guitariste Roland Chambers, et obtient un succès avec Ain’t It Baby, Pt. 1. En 1964, avant « Gamble & Huff », il y a « Gamble & Ross ». Gamble n'a que 17 ans lorsqu'il est découvert et managé par Jerry Ross, avec qui il collabore pendant de nombreuses années^[7].

Leon Huff, né à Camden, New Jersey, est sensibilisé à la musique dès son plus jeune âge par l'intermédiaire de sa mère, qui joue du piano et de l'orgue pour la chorale de la 10th Street Baptist Church^[5]. Il participe à plusieurs groupes de doo-wop à Camden, dont The Dynaflows et The Lavenders. Au début des années 1960, Leon Huff est pianiste de session à New York. Il joue notamment sur Baby, I Love You des Ronettes et l'album A Christmas Gift for You de Phil Spector. Il travaille ensuite avec Jeff Barry et Ellie Greenwich, Jerry Leiber et Mike Stoller, et collaboreavec les producteurs de Philadelphie Johnny Madera et David White. Il écrit son premier hit majeur pour Patty and the Emblems, Mixed Up, Shook Up Girl.

Kenny Gamble est associé pour la première fois à Leon Huff sur un enregistrement pour Candy & The Kisses^[3]. Jerry Ross signe ensuite Gamble chez Columbia en 1963 en tant qu'artiste solo, livrant You Don't Know What You Got Until You Lose It. Gamble, Ross et Huff collaborent sur la chanson à succès I'm Gonna Make You Love Me, enregistrée à l'origine par Jay & The Techniques, un groupe de Ross, qui sera reprise par Dee Dee Warwick et plus tard par Diana Ross & The Supremes et The Temptations.

Gamble et Huff fondent plusieurs labels, Excel Records en 1966, puis Gamble Records et Neptune^[3]. En 1967, ils produisent leur premier hit entré dans le Top 5 : Expressway to Your Heart par The Soul Survivors^[8]. Au printemps 1968, ils écrivent et produisent sur Gamble Records le Top 10 Cowboys to Girls pour le groupe de Philadelphie The Intruders. Ils travaillent ensuite avec les artistes d'Atlantic Archie Bell & the Drells, Wilson Pickett, Dusty Springfield et The Sweet Inspirations^[9], ainsi qu'avec les artistes de Mercury Dee Dee Warwick et Jerry Butler^[10], obtenant de nombreux succès. Only the Strong Survive de Butler sera reprise par Elvis Presley, Billy Paul et The Trammps^[11].

Philadelphia International

Avec un solide palmarès maintenant derrière eux, Gamble et Huff fondent la firme Philadelphia International Records en 1971, en tant que rival du label Motown de Berry Gordy. À l'origine, ils approchent Atlantic, qui juge l'accord trop cher. CBS Records, alors dirigé par Clive Davis, accepte de soutenir l'entreprise et distribue les disques de Philadelphie International. Aidé et encouragé par les arrangeurs internes Thom Bell, Bobby Martin et Norman Harris, Philadelphia International publie quelques uns de tubes de musique soul les plus populaires des années 1970, y compris If You Don't Know Me by Now de Harold Melvin & the Blue Notes, Back Stabbers, For the Love of Money et Love Train des O'Jays, ainsi que Me and Mrs. Jones de Billy Paul, gagnant d'un Grammy Award.

Le son Philly soul de Gamble and Huff est passé des arrangements plus simples de la fin des années 1960 à un style mettant en vedette des cordes luxuriantes, des lignes de basse percutantes et des rythmes de charleston glissants, éléments qui deviennent rapidement les caractéristiques distinctives d'un nouveau style de musique appelé disco. En 1975, Philadelphia International, et le genre Philadelphia soul qu'il a aidé à définir, éclipsnet largement Motown et le Motown Sound en popularité, et Gamble and Huff sont les premiers producteurs de soul music.

Presque tous les disques de Philadelphia International mettent en vedette le travail de MFSB (Mother Father Sister Brother), le groupe de musiciens de studio du label. MFSB enregistre également sous son nom un certain nombre d'albums et de singles instrumentaux à succès écrits et produits par l'équipe Gamble & Huff et arrangés par Bobby Martin, y compris le hit n^o 1 en 1974 TSOP (The Sound of Philadelphia), connu en tant que générique de l'émission de télévision américaine Soul Train.

En 1975, Philadelphia International est impliquée dans un scandale de payola ; Gamble est condamné à une amende, au contraire de Huff^[3]. À la fin des années 1970, la popularité du son soul de Philadelphie commence à décliner. La disco subit un contrecoup, le R&B retourne vers la ballade et le rock fait son retour dans les charts américains. Malgré tout, le label reçoit sa part de succès à la fin des années 1970. Parmi les succès ultérieurs, citons Enjoy Yourself des Jacksons en 1976 et Ain't No Stoppin 'Us Now de McFadden & Whitehead en 1979. Une chanson qu'ils ont écrite pour MFSB, intitulée My Mood, est adoptée en 1980 comme jingle de fin du journal télévisé de 18h du vendredi sur WRC. En 2018, WRC utilise toujours cette musique.

En 1982, la plus grande star de Philadelphie International Teddy Pendergrass, l'ancien chanteur d'Harold Melvin and the Blue Notes, est paralysé de la taille jusqu'aux pieds suite à un accident de voiture, et l'avenir du label devient incertain. Cette année-là, Philadelphie rompt ses liens avec CBS et conclu un nouvel accord avec EMI. Bien que les tubes se soient à présent taris, Gamble et Huff continuent d'écrire et de produire pour les artistes du label.

Activisme politique

Tout au long des années 1970, Gamble and Huff font une musique qui traite des problèmes politiques et sociaux rencontrés par la communauté afro-américaine. Beaucoup de leurs chansons abordent le thème de la fierté noire et mentionnent la lutte du mouvement Black Power pour le pouvoir et l'autodétermination, comme par exemple Am I Black Enough for You? de Billy Paul (1972), Give the People What They Want (1975) et Let's Clean Up the Ghetto (1977) des O'Jays. Cette dernière est la chanson titre d'un album qui caractérise les conceptions politiques et sociales de Philadelphie International. Les titres de plusieurs des autres chansons de l'album traduisent l'élan général de l'album, notamment Now Is the Time to Do It, Year of Decision, New Day, New World Comin' et Save the Children. La pochette met en évidence le message de Gamble : « La seule façon de nettoyer le ghetto physique est d'abord de nettoyer le ghetto mental. Notre première étape est la propreté, car c'est la chose la plus proche de la piété ». Tous les bénéfices du LP sont reversés à une œuvre caritative pendant cinq ans.

Le projet Clean Up The Ghetto de Gamble, qui implique les jeunes des communautés détruites pour aider à nettoyer et réparer les propriétés endommagées ou négligées, débute à Philadelphie et s'étend à Los Angeles, Atlanta et Chicago avec des événements similaires organisés dans tout le pays. Gamble consacre également consacré son temps et son énergie à la Fondation T. J. Martell et au Centre hospitalier AMC de recherche sur le cancer. Il siège au conseil d'administration de la Philadelphia Music Foundation, qui rend hommage aux artistes, auteurs-compositeurs et producteurs de Philadelphie. Il fonde l'organisation Universal Companies qui ouvre un restaurant, une librairie, une mosquée, des logements sociaux et plusieurs écoles privées. Ces bâtiments, principalement construits par une main-d'œuvre locale, servent de tremplin pour revitaliser les quartiers. Par exemple, en 2003, Gamble et Universal Companies s'associent à d'autres pour un plan de 100 millions de dollars pour construire et rénover 400 maisons dans le sud de Philadelphie.

Kenny Gamble vit toujours dans le sud de Philadelphie et reste actif dans sa communauté. Il possède le Royal Theatre aux volets fermés et les propriétés environnantes.

Honneurs et récompenses

1990 voit enfin Gamble et Huff récompensés par un Grammy Award de la meilleure chanson R&B, décerné pour la reprise par Simply Red du succès des Blue Notes en 1972 If You Don't Know Me By Now.

Ils sont introniés au Songwriters Hall of Fame en 1995^[1],[2].

En 1999, Gamble et Huff sont honorés du Grammy Trustees Award, rejoignant ainsi des sommités musicales comme Frank Sinatra, The Beatles et Walt Disney. Leur production en carrière de plus de 3000 chansons les place parmi les auteurs-compositeurs professionnels les plus prolifiques de tous les temps.

Le 19 septembre 2005, Gamble et Huff sont intronisés au Dance Music Hall of Fame en récompense de « leurs réalisations exceptionnelles en tant que producteurs » lors d'une cérémonie tenue à New York.

En 2008, ils sont les premiers récipiendaires du Ahmet Ertegün Award nouvellement créé par le Rock and Roll Hall of Fame. Le prix remplace l'ancienne catégorie « non-performers »^[6].

Le 20 mai 2009, Gamble & Huff sont nommés « BMI Icons » lors du 57^e BMI Pop Awards. Les productions du duo ont récolté un total de 86 BMI Awards pop et R&B.

En mai 2010, Kenneth Gamble et Leon Huff reçoivent chacun un doctorat honorifique en musique du Berklee College of Music. La cérémonie a eu lieu à l'Agganis Arena de l'Université de Boston, où le duo de compositeurs prononce le discours d'ouverture.

En avril 2014, Gamble & Huff reçoivent un hommage de TV One lors de l'émission de récompenses The Trumpet Awards, qui célèbre la 22^e cérémonie annuelle de remise des prix. Joe, Carl Thomas, Lyfe Jennings, SWV et Billy Paul y interprètent des chansons de Gumble et Huff. Le groupe SWV interprète If Only You Knew de Patti Labelle, avec la chanteuse Coko.

Héritage

Gamble et Huff sont présentés dans la série documentaire Profiles of African-American Success. Leon Huff a un fils, Leon Huff Jr., qui produit également pour les maisons de disques d'élite, travaillant avec des artistes notables tels que 8Ball & MJG, Beanie Sigel & State Property, Ruff Ryders, Lil 'Bow Wow, etc. . Leon Huff Jr. s'appelle Pop Traxx, et il est le propriétaire des studios HDE de luxe dans le quartier Fishtown de Philadelphie, en Pennsylvanie.