Abbey Road (álbum)
álbum de The Beatles
From Wikipedia, the free encyclopedia
Abbey Road es el duodécimo álbum de estudio[n. 1] de la banda de rock The Beatles. Apple Records lo publicó el 26 de septiembre de 1969; en los Estados Unidos apareció el 1 de octubre, con distribución de Capitol. Las sesiones comenzaron el 22 de febrero de 1969, lo que lo convierte en el último trabajo registrado por el grupo antes de su separación, aunque Let It Be (1970) se había grabado con anterioridad.
| Abbey Road | |||||
|---|---|---|---|---|---|
|
| |||||
| Álbum de estudio de The Beatles | |||||
| Publicación | 26 de septiembre de 1969 | ||||
| Grabación | 22 de febrero – 20 de agosto de 1969 | ||||
| Estudio |
EMI (Londres) Olympic (Londres) Trident (Londres) | ||||
| Género(s) | |||||
| Formato | |||||
| Duración | 47:21 | ||||
| Discográfica | |||||
| Productor(es) | George Martin | ||||
| Cronología de The Beatles | |||||
| |||||
| Cronología de The Beatles en Norteamérica | |||||
| |||||
| Sencillos de Abbey Road | |||||
|
|||||
Incorpora elementos de rock, pop, blues y rock progresivo, y destaca por su cara B, que incluye un extenso popurrí de canciones enlazadas que posteriormente diversos artistas han reinterpretado como una suite. Aunque las sesiones se desarrollaron en un ambiente más cordial que las del proyecto Get Back —posteriormente publicado como Let It Be—, persistieron las tensiones internas. Para el momento de su publicación, John Lennon ya había decidido abandonar la banda, si bien su salida no se hizo pública hasta que Paul McCartney anunció la suya al año siguiente.
George Martin estuvo a cargo de la producción y los arreglos orquestales, con Geoff Emerick como ingeniero de sonido. El disco incluye además dos de las composiciones más reconocidas de George Harrison: «Something» y «Here Comes the Sun».
La portada se convirtió en una de las más célebres e imitadas de la historia de la música, al mostrar a los cuatro integrantes cruzando un paso de cebra en la intersección de Grove End Road con Abbey Road, frente a los estudios donde grabaron gran parte de sus obras desde 1962. El álbum ha superado los treinta millones de copias vendidas en todo el mundo, lo que lo sitúa entre los más exitosos de todos los tiempos.
En el momento de su lanzamiento recibió críticas mixtas; algunos reseñistas cuestionaron la autenticidad de su sonido y señalaron el carácter artificial de la producción. Con el paso del tiempo, su valoración crítica mejoró de forma significativa y ha pasado a ser considerada una de las obras más importantes de la música popular. En 2020 ocupó el quinto puesto en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Abbey Road es uno de los seis discos de The Beatles certificados como diamante, lo que los convierte en los artistas con mayor número de reconocimientos de este tipo. Los otros títulos son The Beatles/1962-1966, The Beatles/1967-1970, The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y 1.
Antecedentes
Tras las sesiones de grabación del proyecto Get Back —posteriormente publicado como Let It Be—, Paul McCartney sugirió al productor George Martin que el grupo se reuniera para grabar un disco «como solían hacerlo»,[1] libre de los conflictos que habían surgido durante las sesiones de The Beatles. Martin aceptó, pero con la condición de que toda la banda —en particular John Lennon— le permitiera producirlo del mismo modo que en trabajos anteriores y que se mantuviera la disciplina en el estudio.[2]
Ninguno de los miembros tenía certeza de que aquel proyecto sería el último, aunque George Harrison recordaría más tarde que «sentíamos que estábamos llegando al final del camino».[3] El ingeniero de sonido Geoff Emerick, que abandonó su trabajo con la banda a mitad de las sesiones de The Beatles un año antes, accedió a regresar para el nuevo proyecto,[4] junto con uno de sus asistentes, Alan Parsons.[5]
La banda, que disponía de un amplio repertorio de canciones aún inéditas, se reunió por última vez en los estudios de EMI en el verano boreal de 1969. Acordaron dejar de lado sus diferencias personales para centrarse en un único objetivo: «terminar el trabajo de una forma honorable».[6] Según recordó McCartney, la intención era «dejar los guantes de boxeo» y concentrarse en trabajar juntos para realizar un álbum especialmente cuidado, con el propósito de recuperar la colaboración y disfrutar del proceso creativo.[7]
Grabación y producción
Las primeras tomas tuvieron lugar el 22 de febrero de 1969 —limitadas a «I Want You (She's So Heavy)» en los estudios Trident—,[5] y no se reanudaron hasta abril debido a los compromisos de Ringo Starr con la película The Magic Christian.[8] Durante ese mes se grabaron «Oh! Darling» y «Octopus's Garden».[5] Tras una sesión dedicada a «You Never Give Me Your Money» el 6 de mayo, el grupo se tomó un descanso de ocho semanas antes de retomar el trabajo el 2 de julio.[9] Continuó durante julio y agosto, y la última pista básica, correspondiente a «Because», se completó el 1 de agosto.[10] Las sobregrabaciones prosiguieron durante ese mes, y la secuencia final del álbum se concluyó el 20 de agosto, fecha en la que los cuatro miembros coincidieron por última vez en un estudio.[11]
McCartney, Starr y Martin han recordado positivamente las sesiones,[12] mientras que Harrison afirmó que «realmente volvimos a tocar como músicos».[13] Lennon y McCartney disfrutaron trabajando juntos en abril en el sencillo «The Ballad of John and Yoko», que no se incluyó en Abbey Road, compartiendo bromas entre sí.[14] Aún así, persistieron las tensiones significativas en el estudio. Según Ian MacDonald, McCartney mantuvo una «discusión acalorada» con Lennon durante el período. Yoko Ono, esposa de este último, se convirtió en una presencia constante en las tomas, lo que generó fricciones con otros miembros del entorno del grupo.[12]
El 1 de julio, Lennon y Ono sufrieron un accidente automovilístico mientras viajaban por las carreteras de Golspie, al norte de Escocia. Ese tarde, las sesiones comenzaron sin él, y regresó al estudio ocho días después junto a su esposa. Según recordó Emerick, «llegaron unos hombres de Harrods e instalaron una cama en el estudio, donde Ono se acomodó». De acuerdo con el ingeniero, el músico defendía su presencia afirmando que «había estudiado música y era más artista que todos los Beatles juntos», y que su participación debía servir de inspiración. No obstante, consideró que su presencia resultó negativa y contribuyó a aumentar las tensiones dentro del grupo.[15]
Aunque las relaciones durante la grabación fueron tensas, el álbum se convirtió en uno de los trabajos más elaborados de la banda; Martin lo describió como «un Sgt. Pepper volumen 2».[5] Esto se debió, en parte, a que los integrantes se comprometieron a trabajar de manera cohesionada, conscientes de que probablemente sería su último proyecto como grupo.[16]
Aspectos técnicos
Abbey Road se almacenó utilizando grabadoras de cinta de ocho pistas,[12] en lugar de las de cuatro pistas empleadas en trabajos anteriores como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), y fue el primer disco de los Beatles que no se publicó en formato monoaural en ningún lugar del mundo.[17]
El álbum presenta un uso destacado de la guitarra procesada a través de un altavoz Leslie, así como del sintetizador Moog. Este último no se limita a un papel de fondo, sino que en ocasiones adquiere protagonismo, como en «Because», donde se emplea en la sección intermedia. También resulta notable en «Maxwell's Silver Hammer» y «Here Comes the Sun». Harrison introdujo el instrumento en la banda tras adquirir uno en noviembre de 1968 y utilizarlo en su álbum en solitario Electronic Sound.[12] Starr, por su parte, hizo un uso más destacado de los timbales.[18]
Canciones
John Lennon
«Come Together»
Lennon escribió el tema que abre el disco, «Come Together», para la campaña del escritor Timothy Leary, quien buscaba ser elegido gobernador de California.[19] La canción, que incorpora marcados elementos de blues,[20] se publicó el 6 de octubre de 1969 en Estados Unidos (y el 31 de octubre en el Reino Unido) como un sencillo de doble cara A junto con «Something».[19]
En 1973, Morris Levy demandó a Lennon por usar supuestamente el riff de guitarra y la línea «Here come old flat-top» de «You Can't Catch Me», de Chuck Berry.[21][22] Para evitar el juicio, Lennon accedió a grabar varias canciones del catálogo de Levy en su álbum Rock 'n' Roll (1975). Sin embargo, Levy publicó sin autorización las tomas preliminares bajo el título Roots, alegando un acuerdo verbal, lo que derivó en una disputa legal. En 1976, el tribunal desestimó las demandas contra Lennon y le concedió más de 400 000 dólares en daños y perjuicios.[22]
«I Want You (She's So Heavy)»
«I Want You (She's So Heavy)», la primera composición grabada del álbum, surgió de la combinación de dos composiciones incompletas de Lennon. Con más de siete minutos de duración, es una de las pistas más extensas del catálogo del grupo, solo superada por «Revolution 9», de The Beatles.[23]
Incluye uno de los primeros usos del sintetizador Moog, particularmente en el «ruido blanco» del final.[23] La mezcla y edición final se completaron el 20 de agosto de 1969, último día en que los Beatles trabajaron juntos en el estudio.[24] En ese momento, Lennon ordenó a Emerick que «lo cortara justo ahí», a los 7 minutos y 44 segundos; el resultado fue un silencio repentino y discordante que concluye la cara A (la cinta de grabación se habría agotado en 20 segundos tal como estaba).[25] Según James Manning, de Time Out, «sentó las bases del stoner rock con su final vertiginoso e implacable»,[26] además de incorporar elementos de hard rock,[27] blues y rock progresivo.[28][29][30]
El compositor explicó en una entrevista de 1970 con la revista Rolling Stone que la melodía estaba inspirada en Ono. Señaló que, cuando una persona se está ahogando, no elabora discursos complejos, sino que grita; esa idea se refleja en la composición, cuya letra adopta la forma de una repetición insistente cercana a un grito.[31]
«Because»
Para componer «Because», Lennon se inspiró al escuchar a Ono interpretar «Claro de luna» de Ludwig van Beethoven en piano. Posteriormente le pidió que tocara los acordes en orden inverso, lo que dio forma a la estructura del tema,[32] el cual destaca por su atmósfera de música psicodélica.[33]
La pieza presenta armonías a tres voces interpretadas por Lennon, McCartney y Harrison, grabadas en múltiples pistas para crear un efecto coral de nueve voces. El grupo consideró que las voces fueron algunas de las más difíciles y complejas que habían intentado. Harrison tocó el sintetizador Moog y Martin el clavecín eléctrico.[10]
Emerick recordó: «Los tres Beatles cantaron “Because” una y otra vez esa tarde […] El tono no fue un problema […] pero no fue fácil conseguir el fraseo preciso, al comenzar y terminar cada palabra exactamente al mismo tiempo. Incluso Lennon se mostró inusualmente paciente […] Sabían que estaban haciendo algo especial y estaban decididos a hacerlo bien. No hubo bromas ni distracciones; todos estaban muy serios y concentrados. Su objetivo era poder cantar cada toma de principio a fin (casi como una cuestión de orgullo)».[34]
Paul McCartney
«Maxwell's Silver Hammer»
«Maxwell's Silver Hammer», primera composición de McCartney en el álbum, es una canción de estilo pop y music hall.[35] Fue ensayada previamente durante las sesiones del proyecto Get Back en enero de 1969, tal como quedó registrado en el documental Let It Be. Fue escrita tras el viaje del grupo a la India en 1968 y descartada inicialmente para The Beatles por su complejidad.[19]
Su grabación estuvo marcada por tensiones, debido a la insistencia de McCartney en lograr una interpretación precisa. Esta fue la primera sesión en la que invitaron a Lennon a trabajar tras su accidente de coche, pero la odió y se negó.[36] Según Emerick, el músico afirmó que era «más bien música de abuela de McCartney» y la abandonó.[37] Pasó las dos semanas siguientes con Ono y no regresó al estudio hasta que se grabó la base instrumental de «Come Together» el 21 de julio.[38] Mientras que Harrison también expresó su frustración por la repetición constante durante las sesiones diciendo: «Tuvimos que tocarla una y otra vez [...] Fue un verdadero fastidio». Starr era más comprensivo con la canción: «Era música de abuela», admitió, «pero necesitábamos cosas así en nuestro álbum para que otras personas lo escucharan».[37] El técnico Mal Evans tocó el yunque en el estribillo[39] y McCartney el sintetizador Moog.[36]
«Oh! Darling»
«Oh! Darling» es una balada de rock and roll[26] cuya interpretación vocal exigió múltiples intentos por parte de McCartney, quien grababa la voz principal una vez al día para lograr el efecto deseado.[40] La composición se probó en las sesiones del proyecto Get Back, y una versión aparece en Anthology 3 (1996).[n. 2] Posteriormente se volvió a hacer tomas el 20 de abril, con sobregrabaciones en julio y agosto.[42] McCartney dijo: «Llegaba temprano al estudio todos los días durante una semana para cantarla yo solo porque al principio mi voz era demasiado clara. Quería que sonara como si la hubiera estado interpretando en el escenario toda la semana».[40] Lennon pensó que debió haberla cantado él y afirmó que encajaba más con su estilo.[43]
George Harrison
«Something»
Harrison escribió originalmente «Something» durante las sesiones de The Beatles, y basó su primera línea en una canción de James Taylor («Something in the Way She Moves»).[44] El compositor abandonó inicialmente la pieza al considerar que la melodía, surgida con demasiada facilidad, podía derivar de otra obra. En un primer momento pensó en cederla a la cantante Jackie Lomax para centrarse en «Piggies»,[45] aunque finalmente se la ofreció a Joe Cocker. Más adelante, el tema se retomó el 2 de mayo y se incluyó en Abbey Road, mientras que la versión de Cocker se publicó en ese noviembre en su álbum homónimo.[46] «Something» duraba ocho minutos debido a una coda extendida, al estilo de una improvisación, liderada por el piano de Lennon, pero esta parte fue eliminada posteriormente.[45] Musicalmente, la canción se define dentro de los géneros rock,[47] pop[48] y soft rock.[49]
Se publicó como un sencillo de doble cara A junto con «Come Together» en octubre de 1969 y alcanzó el número uno en las listas estadounidenses durante una semana, convirtiéndose en el primer sencillo número uno de los Beatles que no era una composición de Lennon-McCartney.[50] También fue el primer sencillo de la banda de un disco ya publicado en el Reino Unido.[n. 3] Neil Aspinall, de Apple Corps, filmó un video musical promocional que combinaba imágenes separadas de los cuatro integrantes y sus esposas junto con la canción.[52] En 1996, Harrison desmintió que «Something» estuviera dedicada a su entonces esposa, Pattie Boyd. Según explicó al periodista Paul Cashmere, el público asumió erróneamente que ella era la musa debido a que ambos protagonizaron el video promocional.[45]
«Here Comes the Sun»
,_CRuNCh_Lab.jpg)
Harrison escribió «Here Comes the Sun»,[53] una pieza de estilo folk pop[54] y pop rock,[55] en el jardín de la casa de Eric Clapton en Surrey, durante un descanso de las «estresantes» reuniones de negocios de la banda,[53] y se inspiró en «Badge», tema de Cream coescrito por Clapton y él mismo en 1969.[56] La pista básica se grabó el 7 de julio. El compositor cantó la voz principal y tocó la guitarra acústica, McCartney hizo los coros y el bajo, y Starr ejecutó la batería.[25] Lennon aún se estaba recuperando de su accidente automovilístico y no participó en la sesión. Martin proporcionó un arreglo orquestal en colaboración con Harrison, quien añadió una parte de sintetizador Moog el 19 de agosto, justo antes de la mezcla final.[53] Este grabó un solo de guitarra para el tema, que no apareció. Fue redescubierto en 2012, y se incluyó en el DVD de Living in the Material World un vídeo de Martin y Dhani, hijo de Harrison, escuchándolo en el estudio.[57]
Influido por sus viajes a la India y su interés por los compases irregulares, el guitarrista propuso trabajar en un compás de 15
8, alejado de los patrones habituales del rock occidental. Starr recordó su reacción: «Era como si me hablara en árabe. Ese tipo de conteo no me resulta natural». Por su parte, Emerick destacó el valor de su aporte: «Los rellenos de tom de Ringo realmente le dan vida a la pista».[58]
Ringo Starr
«Octopus's Garden»
Starr escribió e interpretó «Octopus's Garden», su segunda composición para la banda,[59] que se enmarca en los géneros pop rock[60] y country rock.[61] La grabación comenzó el 26 de abril y quedó pendiente hasta el 17 de julio; entonces, McCartney añadió una línea de bajo, mientras él y Harrison incorporaron coros y varios efectos de sonido, incluido el de Starr soplando burbujas en un vaso de agua.[59] Aunque recibió el crédito completo como autor y escribió la mayor parte de la letra, Harrison contribuyó en el estudio a la estructura melódica.[62] En su álbum VH1 Storytellers (1998), relató que el tema surgió durante una estancia en Cerdeña después de abandonar temporalmente las sesiones de The Beatles.[63][59]
Antes de ese período, Starr había dejado de asistir a las grabaciones, ya que, según declaró, sentía que «no tocaba bien» y que los otros tres miembros «se sentían felices y unidos», mientras que él no lograba integrarse. Posteriormente descubrió que sus compañeros experimentaban sensaciones similares. Tras ello, decidió tomarse unas vacaciones sin previo aviso, lo que llevó a que en el entorno del grupo se comentara simplemente que Starr «se ha ido de vacaciones».[64]
Popurrí
A excepción de «Her Majesty», el resto de la cara B es un popurrí de 16 minutos dividido en ocho pistas que combinan temas breves y secciones inconclusas,[65] que incorpora elementos de pop operístico y rock progresivo.[66] Conocido durante las sesiones como «The Long One» —«la (parte) larga»—, fue grabado durante julio y agosto y mezclado en una suite por McCartney y Martin.[67] Algunas canciones fueron escritas (y grabadas originalmente en maqueta) durante las sesiones para The Beatles y el proyecto Get Back, que luego aparecieron en Anthology 3.[68] Si bien la idea del popurrí fue de McCartney, Martin se atribuye el mérito de parte de la estructura, agregando que «quería hacer que Lennon y McCartney pensaran más seriamente en su música».[3] Sin embargo, a Lennon nunca le gustó esta parte, lo calificó de «chatarra, trozos de canciones que fuimos echando ahí y juntando. Fue un álbum competente, estaba conjuntado, pero carecía de vida».[66]
«You Never Give Me Your Money», tema de pop progresivo de McCartney, basada en los problemas financieros que la banda atravesaba con su compañía Apple, abre la primera parte de estos popurrís, seguida de tres composiciones de Lennon: «Sun King» (que, junto con «Because», permitía apreciar las armonías vocales superpuestas de Lennon, McCartney y Harrison), «Mean Mr. Mustard» (escrita durante el viaje de la banda a la India), y «Polythene Pam». Le siguen cuatro canciones de McCartney: «She Came in Through the Bathroom Window» (escrita después de que una fan entrara literalmente por la ventana del baño a su casa),[69] «Golden Slumbers» (basada en un poema del siglo XVII escrito por el dramaturgo inglés Thomas Dekker),[70] «Carry That Weight», y, la última, «The End»,[71] que contiene el primer y único solo de batería de Starr dentro de los Beatles, y tres solos de guitarra extendidos, interpretados seguidamente por McCartney, Harrison y Lennon (en ese orden).[72]
El musicólogo Walter Everett interpreta que la mayoría de las letras de la cara B tratan sobre «egoísmo y auto gratificación: las quejas financieras en "You Never Give Me Your Money", el retener la almohada en "Carry That Weight", el deseo de que otra persona visite los sueños del cantante, ¿quizás el "dulce sueño" de "You Never Give Me Your Money"?, en "The End"». Everett añade que los «momentos egoístas» se tocan en el contexto de la nota tónica de la, mientras que la «generosidad» se expresa en melodías donde do mayor es central. El popurrí concluye con un «gran compromiso en las "negociaciones"» en «The End», que sirve como una coda estructuralmente equilibrada. En respuesta a los repetidos estribillos en la mayor de «love you» (te amo), McCartney canta dándose cuenta de que hay tanto amor autocomplaciente («the love you take»: el amor que tomas) como amor generoso («the love you make»: el amor que haces), en la mayor y do mayor, respectivamente.[73]
«Her Majesty»
La pista final del disco, «Her Majesty», fue grabada por McCartney el 2 de julio, cuando llegó a los estudios antes que el resto del grupo. Era originalmente parte del popurrí, ubicada entre «Mean Mr. Mustard» y «Polythene Pam» (de hecho, puede escucharse el último acorde de «Mean Mr. Mustard» en los primeros segundos), pero a McCartney no le gustó cómo sonaba la mezcla con esta pista incluida, así que solicitó que fuera editada. Como el ingeniero de sonido John Kurlander había recibido instrucciones de que nunca desperdiciara material creado por el grupo, ubicó el tema al final después de casi 20 segundos de silencio. La melodía quedó en ese lugar, y no apareció en los créditos originales del álbum, convirtiéndose, según muchos, en una de las primeras «pistas ocultas» de la historia.[74][75]
Grabaciones no incluidas
Tres días después de la sesión de «I Want You (She's So Heavy)», Harrison realizó maquetas en solitario de «All Things Must Pass» —que dio título a su álbum triple de 1970—, «Something» y «Old Brown Shoe».[76] Esta última fue regrabada por la banda en abril de 1969 y publicada como cara B de «The Ballad of John and Yoko» al mes siguiente. Las tres versiones de Harrison aparecieron posteriormente en Anthology 3.[77]
Durante las sesiones del popurrí, McCartney trabajó «Come and Get It» encargándose de todos los instrumentos. Aunque inicialmente se consideró una maqueta para otro artista,[78] el músico declaró más tarde que su intención original era incorporarla en Abbey Road. Finalmente, el grupo Badfinger realizó una versión del tema, mientras que la ejecución original de McCartney se publicó en Anthology 3.[79]
Por otro lado, han circulado en grabaciones piratas[80] la pista de acompañamiento original de «Something» —que incluye una coda de piano—[46] y una toma de «You Never Give Me Your Money» que deriva en una improvisación de rock and roll.[81]
Título y portada
John Kosh, director creativo de Apple Records, diseñó la portada. Se trata de la única y original de la banda publicada en el Reino Unido que prescinde tanto del nombre del grupo como del título. Pese a los temores de EMI sobre las ventas, Kosh argumentó que no era necesario incluirlos: «Eran la banda más famosa del mundo».[82]
El título rinde homenaje a la calle donde se ubicaban los estudios de grabación de EMI, Abbey Road; posteriormente, en 1970, los propios estudios adoptarían su nombre. Originalmente, el disco iba a llamarse Everest (por la marca de cigarrillos que fumaba Emerick) e incluso se planeó un viaje al Himalaya, pero la idea se descartó en favor de una propuesta de McCartney: fotografiar el exterior del estudio.[82][83][n. 4] También hubo otras ideas para el título como Four In The Bar, All Good Children Go To Heaven, Turn Ups, e Inclinations.[85]
Imágenes
La portada se ha comparado con la de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band por su inmensa influencia, aunque su concepción fue improvisada.[86]
Debido al intenso tráfico de la zona, solo se pudieron tomar seis fotos en un tiempo limitado.[82] La fotografía, basada en ideas que McCartney había esbozado,[87][n. 5] fue capturada el 8 de agosto de 1969. A las 11:35 de la mañana, el fotógrafo Iain Macmillan dispuso de diez minutos para realizar su trabajo subido a una escalera, mientras un policía de tránsito detenía el tráfico. Posteriormente, McCartney examinó las seis tomas con una lupa y seleccionó la quinta como la imagen definitiva.[82][89]
El Volkswagen Escarabajo que aparece estacionado pertenecía a un vecino de los pisos contiguos al estudio. Tras el lanzamiento del álbum, los fanes robaron su matrícula (LMW 281F) en numerosas ocasiones. En 1986, el vehículo se subastó por 2 530 libras esterlinas y, en 2001, fue exhibido en un museo de Wolfsburgo (Alemania).[90][91] Por su parte, el hombre parado en la acera derecha es Paul Cole, un turista estadounidense que no se percató de su presencia en la foto hasta ver la portada meses después, aunque confesó que nunca escuchó la música del grupo.[92][93]
En cuanto al vestuario, los Beatles vestían la ropa que solían usar en aquella época. McCartney, que vivía cerca de los estudios, llegó ese día con sandalias, pero en la foto final decidió caminar descalzo. Tommy Nutter se encargó del vestuario de los integrantes, a excepción de Harrison, que prefirió posar con su traje jean.[94][93] Para la contraportada, Macmillan fotografió un letrero con el nombre de la calle en el que aparece, de forma accidental, una mujer con vestido azul. Aunque el fotógrafo consideró descartar la toma, terminó siendo la que más agradó a la banda.[95]
«Paul está muerto»
Poco después del lanzamiento, la portada alimentó la teoría conspirativa «Paul está muerto». Según este rumor, la imagen representaba una procesión fúnebre: Lennon vestía de blanco como figura religiosa, Starr de negro como sepulturero, Harrison como enterrador y McCartney, descalzo y fuera de paso, representaba al difunto. Los seguidores del rumor señalaban que McCartney sostenía un cigarrillo con la mano derecha pese a ser zurdo, y que la matrícula «281F» debía leerse como «28 IF», sugiriendo que Paul tendría 28 años si estuviera vivo,[n. 6] a pesar de que solo tenía 27 en el momento de la foto.[97] Asimismo, las letras «LMW» de la matrícula se interpretaron como las siglas de «Linda McCartney Widow» ―«Linda McCartney viuda»―, en alusión a su entonces esposa.[98] Lennon ridiculizó estas interpretaciones, aunque admitió que la polémica supuso una publicidad invaluable para el éxito comercial de Abbey Road en Estados Unidos.[99][100]
Lanzamiento y desempeño comercial
A mediados de 1969, Lennon fundó la Plastic Ono Band, motivado en parte porque los Beatles descartaron su tema «Cold Turkey».[101] Durante ese periodo, Harrison colaboró con músicos como Leon Russell, Doris Troy, Billy Preston y Delaney & Bonnie,[102] mientras que McCartney se tomó un descanso tras el nacimiento de su hija Mary a finales de agosto.[87] El 20 de septiembre, apenas unos días antes de que saliera a la venta Abbey Road, Lennon informó a sus compañeros y al mánager Allen Klein su intención de dejar el grupo.[103] En octubre de ese año, Apple Records lanzó el sencillo «Something» / «Come Together», el único de la obra.[104][105]
La separación de la banda no se hizo pública de inmediato, ya que los integrantes evitaron la promoción directa del disco y McCartney no anunció su salida oficial hasta abril de 1970.[106] En ese intervalo, continuaron los trabajos de posproducción del proyecto Get Back, lo que provocó que Let It Be fuera el último álbum editado de la discografía del grupo, aun cuando el material se grabó después.[11]
El éxito comercial fue inmediato, con cuatro millones de copias vendidas en sus primeros dos meses.[107] En el Reino Unido alcanzó el número uno y permaneció en lo más alto durante diecisiete semanas en total, recuperando el liderato en la Navidad de 1969 tras ser desplazado brevemente por The Rolling Stones con Let It Bleed.[108][109] El disco sumó 81 semanas en las listas británicas[110] y once semanas en la cima del Billboard Top LPs.[111] En Japón, destacó por su enorme permanencia, manteniéndose en el top 100 durante casi trescientas semanas a lo largo de los años setenta.[112]
En 1970, el vinilo fue nominado a los premios Grammy en las categorías de álbum del año, superado por Blood, Sweat & Tears (1968), y en grupo vocal contemporáneo, también y por Aquarius/Let The Sunshine In (1969).[113] Aún así, en 1995 ganó el premio del Salón de la Fama del mismo reconocimiento.[114]
Recepción crítica
Contemporánea
Inicialmente, Abbey Road fue recibido con una mezcla de opiniones por parte de la prensa especializada,[115] que puso en duda la autenticidad de su música debido a una producción que consideraban excesivamente artificial. William Mann, de The Times, sugirió que el álbum podría ser visto como un recurso efectista por quienes preferían la crudeza de una interpretación en vivo. En una línea similar, Ed Ward describió el trabajo en Rolling Stone como «complicado en lugar de complejo», arremetiendo contra el uso del sintetizador Moog por restarle humanidad al sonido del grupo y limitarlo a un entorno de estudio.[116]
Nik Cohn destacó en The New York Times que el popurrí de la cara B era lo mejor de la banda desde Rubber Soul (1965), aunque matizó que las pistas individuales no poseían un brillo especial.[117] Por otro lado, Albert Goldman manifestó en Life que este no se encontraba entre los álbumes fundamentales de los Beatles; para él, la suite era un ejemplo de efectos musicales prescindibles.[118] John Gabree, de High Fidelity, fue más escéptico al afirmar que el disco no lograría convencer a quienes ya tenían dudas sobre el rumbo de la agrupación.[119]
Este periodo también marcó una transición en la imagen pública del cuarteto. Robert Christgau relató en The Village Voice que, durante la gira de los Rolling Stones en 1969, percibió un sentimiento generalizado de rechazo hacia el grupo. Sin embargo, terminaría reconociendo los méritos del disco, admitiendo que, pese a sus imperfecciones, era una obra valiosa que contaba con defensores notables como la crítica Ellen Willis y el músico Charlie Watts.[120]
Retrospectiva
| Calificaciones agregadas | |
|---|---|
| Fuente | Calificación |
| Metacritic | 99/100[121] |
| Album of the Year | 100/100[122] |
| Calificaciones | |
| Fuente | Calificación |
| Allmusic |  [123] |
| The A.V. Club | A[124] |
| Pitchfork Media | (10/10)[125] |
| Rolling Stone | [126] |
| The Daily Telegraph | [127] |
| Consequence of Sound | [128] |
| Encyclopedia of Popular Music | [129] |
| Paste | 100/100[130] |
Con el paso de los años, la percepción de la crítica ha dado un giro radical, situando a Abbey Road como la obra definitiva del conjunto.[131] Nicole Pensiero, en una revisión para PopMatters, lo definió como un trabajo innovador, atemporal y con una cohesión asombrosa.[132] En sintonía con esta visión, Neil McCormick destacó en The Daily Telegraph su sonido moderno y épico, describiéndolo como la última gran declaración de afecto del grupo hacia su público.[127]
Desde AllMusic, Richie Unterberger señaló que, si bien hereda la ambición estructural de Sgt. Pepper, este álbum cuenta con composiciones más robustas, calificándolo como la producción más impecable y compacta de su discografía.[123] No obstante, voces como la de Ian MacDonald han aportado matices, sugiriendo que la fuerza de algunas canciones depende estrictamente de su integración en el popurrí, aunque reconoció la excelencia técnica de la grabación, especialmente en la percusión de Starr.[12]
El estatus de culto se confirma por su dominio en las clasificaciones históricas.[133][134][135] Ocupó el octavo lugar en el listado All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin[136] y fue seleccionado por la revista Time entre los 100 mejores discos de la historia.[137] Además de ser elegido por los lectores de Rolling Stone como el mejor trabajo de la banda en 2009,[133][138] la propia publicación lo elevó al quinto puesto en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de 2020, mejorando notablemente su posición respecto a ediciones anteriores.[139][140] Su relevancia es tal que figura de forma obligatoria en obras de referencia como 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.[141]
Ventas y reediciones continuas
En junio de 1970, Allen Klein reportó que Abbey Road era la producción más vendida de la banda en Estados Unidos con aproximadamente cinco millones de copias,[142] cifra que superó los siete millones al cierre de esa década.[143] Un hito relevante ocurrió a partir de 1991, cuando Nielsen SoundScan empezó a contabilizar el mercado fonográfico, pues el disco fue el primero de los años sesenta en sobrepasar los cinco millones de unidades bajo este sistema.[144] Para 1992, el acumulado en territorio estadounidense ya alcanzaba los nueve millones.[107]
La relevancia de la obra se mantuvo en la era digital y analógica reciente; en 2010 se posicionó entre los diez trabajos más descargados en iTunes tras su llegada a la plataforma,[145] y en 2011 se consolidó como el vinilo más vendido del año según CNN.[146] Globalmente, para ese entonces, se estimaban transacciones superiores a los 31 millones de copias.[147] En 2019, con motivo de su 50.º aniversario, regresó al primer puesto en el Reino Unido gracias a una edición especial que incluyó remezclas de Giles Martin y Sam Okell.[148]
Desde su salida original a finales de 1969, ha tenido diversas reediciones:[149] una versión en disco ilustrado en 1978,[150] su primera aparición en CD en 1987, una entrega remasterizada con material documental en 2009[151][152] y una variante en vinilo de 180 gramos en 2012.[153]
En cuanto a reconocimientos oficiales, la RIAA certificó el material con doce discos de platino en 2001.[154] Para octubre de 2019, las ventas acumuladas en el Reino Unido superaban los dos millones de unidades.[155] Ese mismo año, el elepé alcanzó la certificación de diamante en los Estados Unidos, logro que posicionó a los de Liverpool como la agrupación con mayor número de títulos con dicha distinción, junto a sus álbumes recopilatorios The Beatles/1962-1966, The Beatles/1967-1970, 1 y los trabajos de estudio The Beatles y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.[156]
Legado
La imagen de la portada ha sido parodiada en varias ocasiones, incluyendo álbumes como McLemore Avenue de Booker T. & the M.G.'s (1970), Late Orchestration de Kanye West (2006) y Paul Is Live de McCartney (1993).[157] El EP The Abbey Road (1988) de Red Hot Chili Peppers, la parodian caminando casi desnuda por un paso de cebra similar.[158] En 2003, varias compañías de carteles estadounidenses eliminaron con aerógrafo el cigarrillo de McCartney de la imagen sin el permiso de Apple ni de McCartney.[159] En 2013, la policía de Calcuta lanzó un anuncio de concienciación sobre seguridad vial contra cruzar la calle imprudentemente, utilizando la portada y un lema que dictaba: «Si ellos pueden, ¿por qué tú no?».[160]
Versiones e influencia
Las canciones de Abbey Road han sido versionadas en numerosas ocasiones, e incluso diversos artistas lo han recreado en su totalidad. Apenas un mes después del lanzamiento original, George Benson grabó The Other Side of Abbey Road.[161] A finales de 1969, Booker T. & the M.G.'s trabajaron McLemore Avenue, un disco que versionaba los temas del álbum y presentaba una portada similar.[162]
Si bien la obra alcanzó una popularidad comparable a la de Sgt. Pepper, no logró el mismo efecto de inspirar a sus rivales a imitarlos. Según el autor Peter Doggett: «Demasiado artificioso para que el rock underground lo copiara, demasiado complejo para que la brigada del bubblegum pop lo imitara, el álbum no influyó en nadie, excepto en [McCartney]», quien dedicó años de su carrera en solitario a intentar emular su alcance. No obstante, en un artículo para Classic Rock en 2014, Jon Anderson, de Yes, afirmó que su grupo recibió una influencia constante de los de Liverpool desde Revolver (1966), destacando que la concepción de la cara B como «una idea completa» lo inspiró a crear piezas musicales de larga duración.[163][n. 7]
Diversos artistas han versionado el popurrí de la cara B, ya sea de forma parcial o total. Entre ellos destacan Phil Collins, para el álbum tributo In My Life,[164] así como las bandas Transatlantic[165] y Tenacious D, esta última en colaboración con Page McConnell, tecladista de Phish.[166]
Lista de canciones
Todas las canciones escritas y compuestas por Lennon-McCartney, excepto donde está anotado.[75]
| Cara A | ||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| N.º | Título | Escritor(es) | Vocalista principal | Duración | ||||||
| 1. | «Come Together» | Lennon | 4:19 | |||||||
| 2. | «Something» | Harrison | Harrison | 3:02 | ||||||
| 3. | «Maxwell's Silver Hammer» | McCartney | 3:27 | |||||||
| 4. | «Oh! Darling» | McCartney | 3:27 | |||||||
| 5. | «Octopus's Garden» | Starr | Starr | 2:50 | ||||||
| 6. | «I Want You (She's So Heavy)» | Lennon | 7:47 | |||||||
| 24:52 | ||||||||||
| Cara B | ||||||||||
|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|---|
| N.º | Título | Escritor(es) | Vocalista principal | Duración | ||||||
| 1. | «Here Comes the Sun» | Harrison | Harrison | 3:05 | ||||||
| 2. | «Because» |
| 2:45 | |||||||
| 3. | «You Never Give Me Your Money» | McCartney | 4:02 | |||||||
| 4. | «Sun King» | Lennon | 2:26 | |||||||
| 5. | «Mean Mr. Mustard» | Lennon | 1:06 | |||||||
| 6. | «Polythene Pam» | Lennon | 1:12 | |||||||
| 7. | «She Came In Through the Bathroom Window» | McCartney | 1:58 | |||||||
| 8. | «Golden Slumbers» | McCartney | 1:31 | |||||||
| 9. | «Carry That Weight» |
| 1:36 | |||||||
| 10. | «The End» | McCartney | 2:21 | |||||||
| 11. | «Her Majesty» | McCartney | 0:27 | |||||||
| 22:29 | ||||||||||
Notas
- El tema «Her Majesty» se incluyó por accidente durante la mezcla final de Abbey Road. Al no figurar en la funda, la etiqueta ni en los créditos oficiales del disco, se convirtió en una de las primeras «pistas ocultas» de la historia de la música.[167]
- Por otro lado, algunas ediciones en casete distribuidas en el Reino Unido y Estados Unidos presentaron un orden distinto al original, intercambiando las posiciones de «Come Together» y «Here Comes the Sun» con el fin de equilibrar la duración de ambas caras de la cinta.[168]
Posicionamiento en listas
Certificaciones y ventas
| País | Organismo certificador | Certificación | Ventas certificadas | Ref. |
|---|---|---|---|---|
 Alemania |
BVMI | Platino | 500 000 | [249] |
 Argentina |
CAPIF | Diamante | 506 916 | [250][251] |
.svg){kind=small} Australia |
ARIA | 3× Platino | 210 000 | [252] |
.svg){kind=small} Bélgica |
BRMA | Platino | 50 000 | [253] |
 Brasil |
— | — |
390 000 | [254] |
 Canadá |
Music Canada | Diamante | 1 000 000 | [255] |
 Dinamarca |
IFPI Danmark | 4× Platino | 80 000 | [256] |
 Estados Unidos |
RIAA | 12× Platino | 12 000 000 | [257] |
 Francia |
SNEP | Oro | 100 000 | [258] |
 Italia |
FIMI | 2× Platino | 100 000 | [n. 8] |
 Japón |
— | — |
655 000 | [112] |
 Nueva Zelanda |
RMNZ | 5× Platino | 75 000 | [260] |
 Reino Unido |
BPI | 8× Platino | 2 400 000 | [261] |
| Sumario | ||||
| Ventas mundiales en 2019 | — |
800 000 | [262][263] | |
| Ventas mundiales hasta 2014 | — |
31 000 000 | [147] | |
Créditos y personal
- John Lennon: voz principal, de armonía y de apoyo; guitarras rítmica, principal y acústica; piano acústico y eléctrico; sintetizador Moog; generador de ruido blanco y efectos de sonido; percusión.
- Paul McCartney: voz principal, de armonía y de apoyo; bajo; guitarras rítmica, principal y acústica; piano acústico y eléctrico; sintetizador Moog; efectos de sonido; campanas de viento, palmas y percusión.
- George Harrison: voz de armonía y de apoyo; guitarras principal, rítmica, acústica y bajo; sintetizador Moog; armonio; palmas y percusión; voz principal en «Something», «Here Comes the Sun» y «Because».
- Ringo Starr: batería y percusión; voz de apoyo; yunque en «Maxwell's Silver Hammer»; voz principal en «Octopus's Garden».
- Orquesta de 21 componentes (12 violines, 4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo) en «Something».
- Orquesta de 17 componentes (4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo, 2 flautines, 2 flautas, 2 flautas altas, 2 clarinetes) en «Here Comes the Sun».
- Orquesta de 30 componentes (12 violines, 4 violas, 4 violonchelos, 1 contrabajo, 4 trompas, 3 trompetas, 1 trombón, 1 trombón bajo) en «Golden Slumbers», «Carry That Weight» y «The End».
- George Martin: órgano (Hammond, Lowrey), clavecín eléctrico, arreglos y dirección orquestal.
- Billy Preston: órgano Hammond.
Producción[271]
Otros[89]
- Iain Macmillan: fotografías de la portada y contraportada del disco
Véase también
Portal:The Beatles. Contenido relacionado con The Beatles.
Notas
- décimo tercero en los Estados Unidos
- En la versión publicada en Anthology 3, se puede escuchar a Lennon cantando la voz principal en un verso improvisado sobre la noticia de que el divorcio de Yoko Ono de su anterior marido, Anthony Cox, se había finalizado.[41]
- Starr recordó en su entrevista de abril de 2026 en Jimmy Kimmel Live! que el grupo evaluó diversas alternativas para la portada antes de decidirse por la definitiva. Entre los proyectos descartados figuraba viajar a Egipto para fotografiarse junto a la Gran Pirámide de Guiza, a Roma o emplear distintas locaciones dentro de Londres.[88]
- (if es una conjunción condicional del inglés que significa «si» y se usa para plantear situaciones hipotéticas).[96]
- Según Mark Lewisohn;[264] Ian MacDonald;[265] Barry Miles;[266] Kevin Howlett;[267] y Geoff Emerick[268]
