El sonido de la caída

En marzo de 2023, el guion no producido fue galardonado con el Premio Thomas Strittmatter. El jurado, compuesto por Julia von Heinz, Jochen Laube y la productora Sabine Steyer-Violet, seleccionó el guion entre más de 50 propuestas, que en ese momento aún se conocía con el título provisional The Doctor Says I'll Be Alright, But I'm Feelin Blue. Según la declaración del jurado, se trataba de "una obra impresionante y multifacética que perdura mucho después de que terminen los créditos". Las cuatro líneas temporales de la película están "hábilmente entrelazadas" y el guion contiene imágenes "increíblemente" memorables que "cuentan la historia de la herencia transgeneracional y pintan un retrato mental de cuatro generaciones".^[22]

El sonido de la caída se presentó al 78.º Festival de Cine de Cannes en mayo de 2025. ^[23] La película también se presentó a los festivales de cine de Berlín y Venecia. La publicación especializada Deadline informó a mediados de febrero de 2025 que el trabajo de dirección de Schilinski había "impresionado profundamente" al comité de selección de Cannes. La producción alemana podría ser incluida en la competición principal por la Palma de Oro. De hecho, la película entró en la sección principal del festival, algo que Schilinski y su equipo de producción supieron en diciembre de 2024. Hasta que se publicó el programa a mediados de abril de 2025, tuvieron que mantener la información en secreto y no se les permitió compartirla con el reparto. El sonido de la caída se proyectó como la primera película en competición en Cannes el 14 de mayo de 2025. Un primer avance se lanzó al mismo tiempo.^[2]

En los meses siguientes, El sonido de la caída se incluyó en los programas de los festivales de cine de Melbourne, Múnich (estreno en Alemania), Nueva York (estreno en Estados Unidos ), Shanghái y Toronto, entre otros.

El servicio de streaming y distribuidor Mubi se aseguró los derechos de distribución para Norteamérica y el Reino Unido, entre otras regiones, tras una guerra de ofertas.

La mayoría de los críticos alemanes e internacionales quedaron impresionados por El sonido de la caída tras su estreno en Cannes. Según Maria Wiesner (Frankfurter Allgemeine Zeitung), Mascha Schilinski logra «con la misma contundencia» que en La hija empatizar con las jóvenes que se rebelan contra las limitaciones de la vida rural, los planes de vida impuestos por sus padres y el abuso sexual. El efecto no es de opresión, sino de liberación que conduce a la empatía. La directora evita el «cine episódico clásico» y, en cambio, trabaja «con el espacio». «El sonido de la caída» entrelaza los niveles narrativos y salta «hacia adelante y hacia atrás en el tiempo». Se utilizan imágenes simbólicas de la naturaleza para «transiciones fluidas», conectando las vidas de las cuatro chicas. Schilinski profundiza tanto en sus personajes que «a veces uno se encuentra en sus sueños», que se superponen con los recuerdos de otros personajes o presagian eventos futuros para otros. La cámara se mantiene «desde la perspectiva de las chicas», según Wiesner.^[24]

Christoph Petersen de Filmstarts otorgó a El sonido de la caída 4,5 de 5 estrellas. La describió como una película de fantasmas "grandiosamente y radicalmente" puesta en escena, que perturba y fascina a partes iguales, conmueve y devasta. Sin embargo, añadió que la película "sorprende repetidamente con su humor macabro". Petersen la recordó a A Ghost Story (2017) y The Sparrow in the Fireplace (2024). Si bien al principio hay que acostumbrarse al "lenguaje cinematográfico tan distintivo" de la directora, sugirió que la película es "quizás incluso más emocionante cuando el espectador aún se encuentra en terreno inestable". Petersen predijo que Schilinski "podría dar el salto de la alfombra roja de Cannes a un lugar perdurable en la historia del cine".^[25]

El crítico de cine Wolfgang M. Schmitt, en su serie Análisis de cine, describió El sonido de la caída como una "obra maestra". Consideró la película "muy idiosincrásica" y "muy original", y afirmó que desarrolla su propia forma única a pesar de las posibles referencias a La cinta blanca de Haneke o Historia de Fantasmas de Lowery. Schmitt interpreta la obra como una "historia de fantasmas" y una "obra maestra de la latencia": en lugar de una trama lineal, presenta escenas de cuatro períodos de tiempo (Primera Guerra Mundial, Segunda Guerra Mundial, Alemania Oriental en la década de 1980 y la actualidad) que se superponen atmosférica y temáticamente sin formar un todo coherente. Temáticamente, aborda el abuso, la violencia doméstica y las estructuras de poder a las que están sometidos los personajes. Schmitt enfatiza particularmente el estilo visual. Imágenes granuladas y borrosas en formato 4:3, así como escenas filmadas a veces con una cámara estenopeica, crean una estética que invierte lo familiar en lo inquietante y recuerda a las películas de terror. Un motivo central es la fotografía, que —inspirándose en Vilém Flusser— transforma las figuras en objetos y abre un «espacio-tiempo mágico». Schmitt describió el efecto de la película como duradero; las imágenes oprimían y «atormentaban» al espectador. Concluyó su análisis con la frase: «Quien crea que la película termina al salir, solo está mirando, pero no viendo».^[26]

Peter Bradshaw, del periódico británico The Guardian, hizo una observación similar, otorgándole a la película 4 de 5 estrellas y comparándola con La cinta blanca (2009) de Michael Haneke. Él también vio "una historia de fantasmas o incluso una película de terror folclórico". Con cada plano, surgía "una inquietud opresiva", "mientras la cámara se desplazaba de una escena a otra como un fantasma". La banda sonora de la película palpita y gime "con una inquietud ambiental " y está impregnada de "miedo y tristeza". Mirando hacia el sol, la describió como "un poema en prosa misterioso e inquietante sobre la culpa, la vergüenza y la añoranza en la Alemania de los siglos XX y XXI".^[27]

Valerie Dirk, del periódico austriaco Der Standard, consideró que la película se sustentaba en su «poder estético formal y experimental». El tema del trauma corporal se «desplegó de forma multifacética». Cuando el «poder estético» de la película se disipó, «el interés por los personajes magníficamente interpretados se mantuvo». Dirk recordó el papel de la actriz austriaca Susanne Wuest, que interpreta a la madre de Alma, como «particularmente espeluznante». La primera línea temporal de la película también le recordó «temática y atmosféricamente de forma muy marcada» a La cinta blanca.^[28]

David Ehrlich, del portal en línea IndieWire, le otorgó a la película, “rica e hipnótica”, una calificación de A- (sistema de calificación alemán: 1-) y dijo que le recordaba a “grabaciones caseras de hace 100 años” filmadas por “fantasmas familiares”. Estableció comparaciones con Yi Yi – A One and a Two (2000) de Edward Yang, pero también vio ecos de Las horas (2002), The Virgin Suicides (1999), Here (2024) de Robert Zemeckis y la canción Girl, So Confusing de Charli xcx. La “película prismática y cautivadora” de Schilinski tiene una densidad de detalles tan alta “que resulta casi imposible asimilarla por completo la primera vez”.^[29]

Según Wendy Ide, del portal en línea Screendaily, la película consagra al director Schilinski como un talento considerable. El sonido de la caída es una obra de belleza impactante y ambición apasionante. La luz tenue y aterciopelada del interior de la granja crea un telón de fondo sobre el que los niños brillan como perlas. En contraste, el dorado saludable y el verde exuberante de los campos sugieren una tierra rebosante de vida y ensombrecida por la muerte. Ide también señaló que el agua desempeña un papel destacado en el paisaje sonoro de la película, alcanzando un crescendo atronador que irrumpe como una ola de miedo en la pantalla.^[30]

Katja Nicodemus (Die Zeit) elogió tanto la inclusión de El sonido de la caída en la competición principal de Cannes como la película en sí, calificándola de "sensación". También destacó los prolongados aplausos del público en el estreno tras la proyección. La crítica consideró que, en ocasiones, Schilinski, "con su montaje asociativo, narra la historia no solo de un lugar, sino de una sola persona compuesta por varias mujeres, niñas y recuerdos, de un único presente que fusiona múltiples temporalidades". "Esta niñez atemporal" se compone de "cuerpos infantiles y púberes"; "experimenta curiosidad por los cuerpos ajenos, pero también dureza, violencia, los traumas de cuerpos heridos y maltratados", escribió Nicodemus. La naturaleza es omnipresente en la película, mientras que los personajes femeninos comparten "una carga". El sonido de la caída las reúne a "ellas y sus recuerdos", les ofrece "consuelo" y las atrapa.^[10]

Tim Caspar Boehme (Die Tageszeitung) señaló que la película tenía "un estilo distintivo y bastante sofisticado" y consideró In die Sonne schauen como "un magnífico comienzo" para la competición de Cannes. Este estilo de la película, dijo, se centraba más en "entablar un diálogo concentrado con el público" que en el "entretenimiento". "Una capa crucial" para la historia era "siempre [...] el sonido", que a menudo consistía en "zumbidos ominosos, crujidos o" susurros, y creaba "conexiones entre generaciones" que se movían "casi sin problemas de un lado a otro". Las "experiencias individuales" se "heredaban" y reaparecían "como un motivo en un sueño en un momento posterior y en un contexto diferente". Si bien la directora exigía "bastante" de su público, recompensaba "su disposición con una puesta en escena irreal y etérea en la que incluso los confines rurales desarrollaban su propia poesía e incluso la magia tenía su lugar".^[31]

Entre las voces críticas se encontraba Daniel Kothenschulte (Frankfurter Rundschau), quien no consideró la película un gran éxito. Señaló que la película poseía una singularidad cautivadora a través de sus "observaciones sensoriales". Kothenschulte quedó impresionado por "la coherencia con la que Schilinski rastrea las repercusiones de recuerdos anecdóticos aleatorios en las generaciones posteriores". Sin embargo, opinó que las imágenes de El sonido de la caída a menudo parecían demasiado literarias, "posadas y escenificadas". El crítico tuvo la sensación de que Schilinski a menudo intentaba, sin éxito, emular "el estilo cinematográfico asociativo de Andrea Arnold " y carecía de cierta "juguetonería". La película, concluyó, "trágicamente [...] se vuelve cada vez más cerrada por la inmensidad de la memoria". Como guion, El sonido de la caída sería convincente y podría considerarse una candidata al premio especial del jurado.^[32]

Sandra Kegel también expresó críticas en el Frankfurter Allgemeine Zeitung. Escribió que el drama cinematográfico rebosa de ambición artística, pero que, sobre todo, resulta empalagoso y egocéntrico. La dirección actúa como si técnicas como los saltos temporales o el flujo de conciencia fueran una invención nueva y audaz, cuando en realidad son tan antiguas como el cine mismo; solo que aquí se prolongan en exceso. El esfuerzo artístico perdura a lo largo de las tres horas de la película como una lápida que nunca se desgasta.^[33]

Emma Kiely de Collider le dio a la película una puntuación de 5 sobre 10 y la calificó como "una glorificación vacía y egocéntrica del suicidio femenino, el incesto y la agresión sexual", así como "una romantización pretenciosa de las dificultades que atraviesan las mujeres en lugar de un análisis profundo de cómo los sistemas y las familias pueden permanecer impasibles y permitir que tal trauma y sufrimiento se cobren la vida de las mujeres". Criticó el escaso desarrollo de los personajes y escribió que "la película es excesivamente sombría hasta el punto de resultar explotadora". A pesar de esto, elogió la dirección de Schilinski, la cinematografía de Gamper y el diseño de sonido de la película. ^[34]

En el resumen de críticas publicado por la revista especializada Screen International para el Festival de Cine de Cannes, la obra de Schilinski recibió 2,8 de 4 estrellas posibles. La película recibió las mejores calificaciones de, entre otros, Katja Nicodemus, Justin Chang (The New Yorker) y el propio equipo editorial de Screen International.^[35] En un resumen de críticas exclusivamente en francés en el sitio web Le film français, solo uno de los 15 críticos, Thierry Chèze (Premiere), consideró la película como una de las favoritas para la Palma de Oro. Nueve participantes dieron a In die Sonne schauen su calificación más baja o la segunda más baja, incluidos críticos de Le Figaro, L'Humanité, Libération, Le Monde y Positif. ^[36] Por el contrario, el servicio de la industria estadounidense IndieWire consideró la película una de las favoritas para la Palma de Oro en Cannes y la clasificó en tercer lugar después de que se proyectaran las 22 películas en competición, detrás de las eventuales ganadoras del premio principal, Valor sentimental de Joachim Trier (ganadora del Gran Premio del Jurado) y Un simple accidente de Jafar Panahi (ganadora de la Palma de Oro).^[37]

En el sitio web Metacritic, In the Sun recibió una puntuación de 90 sobre 100, basada en una docena de reseñas evaluadas en inglés, y la película fue calificada como "aclamada universalmente".^[38] De las dos docenas de reseñas publicadas en el sitio web Rotten Tomatoes después del estreno, más del 94 por ciento fueron calificadas como frescas. ^[39]

En la temporada de premios cinematográficos 2025/26, El sonido de la caída fue nominada a más de 50 premios, ganando una docena.^[40] El debut como director de Schilinski recibió el Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes, compartido con la película hispano-francesa Sirāt. Otros galardones en festivales incluyeron los máximos galardones en los Festivales de Cine de Atenas y Simmern, premios a la dirección en los Festivales de Cine de Chicago y Estocolmo, y una mención honorífica para la actriz infantil Hanna Heckt en el Festival de Cine de Hamptons. El sonido de la caídamtambién se proyectó en competición en los Festivales de Cine de Denver, Gante, Jerusalén, Melbourne y Montclair, aunque no ganó ningún premio. ^[40]

En agosto de 2025, la película de Schilinski fue seleccionada como la candidata de Alemania a Mejor Película Internacional en los Premios Óscar de 2026. Un jurado designado por German Films eligió El sonido de la caída mpor encima de las películas Amrum, Cranko, El tigre y el documental Riefenstahl. Ese mismo año, recibió nominaciones al Premio Gotham estadounidense (Mejor película internacional, Mejor guion original) y al Premio del Cine Independiente británico (Mejor película independiente internacional). En los Premios del Cine Europeo de 2026, El sonido de la caída recibió ocho nominaciones, incluyendo Mejor película, Mejor director y Mejor guion; solo el vestuario de Sabrina Krämer ganó un premio.

En Alemania, El sonido de la caída ganó el Premio de la Crítica Cinematográfica Alemana a la Mejor Película y dos Premios Bávaros del Cine para el director Schilinski y la fotografía de Fabian Gamper.^[41] En los Premios del Cine Alemán de 2026, la producción lidera la lista de favoritas con un total de once nominaciones.^[42]

Los críticos destacan que El sonido de la caída evita deliberadamente una trama clásica y, en cambio, se condensa en un poema cinematográfico experimental. Joachim Kurz (Kino-Zeit) describe la película como "una película monstruosa que cambia constantemente [...] un gran recorrido por las ramificaciones más sutiles de los mundos emocionales de estas cuatro mujeres"—el coraje formal y el poder visual la convierten en una "obra maestra, un logro cinematográfico único". En el nivel sonoro, la película literalmente respira: "Crujea, zumba y ruge, convirtiéndose así en un organismo vivo, una experiencia que es a la vez física y sensual, metacine que despliega un inmenso impacto mucho más allá de la pantalla". Moviebreak afirma que Schilinski se centra "en traumas y secretos oscuros" en conjunción con "imágenes simbólicas", que crea a través de una puesta en escena estéticamente densa y un encuadre elíptico de todas las generaciones. ^[43] Kinokult enfatiza el lenguaje visual surrealista y errante, “en el que incluso los confines rurales desarrollan su propia poesía e incluso la magia tiene su lugar”, llevado a cabo por una “puesta en escena surrealista y errante”. ^[44] SPOT media lo describe como “una película que quiere ser experimentada, ser sentida”, que no ofrece una “cronología simple” sino que es “etérea, elíptica, enigmática e infinitamente fascinante”: una “sinfonía de espíritus” más allá de las estructuras narrativas convencionales. ^[45]