Las malas madres
cuadro de Giovanni Segantini
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Las malas madres (en italiano: Le cattive madri) es una pintura al óleo del pintor Giovanni Segantini. Data de 1894 y es parte de una serie de cuatro pinturas en las que Segantini trata el tema de la «Mujer en el árbol.» Los otros tres cuadros son El fruto del amor (Il frutto dell'amore) de 1889, El castigo de la lujuria (Il castigo delle lussuriose) de 1891 y El ángel de la vida (L'angelo della vita) de 1894.[1][2] Estas pinturas son las primeras obras simbolistas de Segantini.[3][4]
| Le cattive madri | ||
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| Autor | Giovanni Segantini | |
| Creación | 1894 | |
| Ubicación | Galería Belvedere (Austria) | |
| Estilo | Simbolismo | |
| Material | Óleo sobre lienzo | |
| Dimensiones | 105 centímetros × 200 centímetros | |
Historia
Las imágenes, ambientadas en invierno, están inspiradas en el poema Nirvana, que hace referencia -supuestamente- a una leyenda budista, escrita por el monje Panjavalli de Mairondapa en el XII en sánscrito.[5] Un amigo de Segantini, Luigi Illica, habría traducido el poema al italiano:
Or ecco fuori della vallea livida / appaion alberi! Là da ogni ramo chiama forte un’anima / che pena ed ama; ed il silenzio è vinto e la umanissima / voce che dice: Vieni! A me vieni, o madre! Vieni e porgimi / il seno, la vita. Vien, madre!... Ho perdonato!... Là fantasima / al dolce grido vola disiosa e porge al ramo tremulo / il seno, l’anima. Oh, portento! / Guardate! Il ramo palpita! / Il ramo ha vita! Ecco! E il viso d’un bimbo, e il seno succhia / avido e bacia! Poi bimbo e madre il grigio albero lascia / cadere avvinti... Là su Nirvana irradia! Là su il figlio / con seco tragge la perdonata Madre... I monti varcano / le due fantasime!... Varcan l’angoscia de le nubi e volano / dove è Nirvana. Oh, umana questa fede che dimentica / e che perdona
Luigi Illica[6]Ahora, ¡mira, en el valle lívido aparecen árboles! Allí, de cada rama, un alma llama en voz alta que sufre y ama; y el silencio es roto por la voz más humana que dice: ¡Ven! ¡Ven a mí, oh madre! Ven y ofréceme tu pecho, tu vida. ¡Ven, madre!... ¡He perdonado!... Allí, un fantasma vuela anhelante ante el dulce llanto y ofrece a la rama temblorosa su pecho, su alma. ¡Oh, maravilla! ¡Mira! ¡La rama palpita! ¡La rama tiene vida! ¡Mira! Y el rostro de un niño, y el pecho succiona con avidez y besa! Entonces el árbol gris deja caer al niño y a la madre entrelazados... ¡Allá arriba, brilla el Nirvana! Allá arriba, el hijo arrastra consigo a la Madre perdonada... ¡Las montañas cruzan a los dos fantasmas!... Cruzan la angustia de las nubes y vuelan donde está el Nirvana. Oh, humana, esta fe que olvida y perdona
De hecho, esos versos probablemente surgieron de la propia pluma del poeta y compositor, quien, según el historiador de arte Matthias Frehner, se inspiró en las visiones del monje benedictino del siglo XII Alberico di Settefrati,[7] a quien también se considera una fuente importante de inspiración para la Divina comedia de Dante Alighieri.[8]
Segantini transfigura los versos del autor y los lleva al lienzo, siguiendo un proceso típicamente simbolista, que consiste en partir del concepto y llegar a la imagen. [9] Gracias a esta obra, elogiada por la Secesión vienesa y adquirida por el gobierno austriaco, Segantini se contaba entre los representantes del simbolismo europeo, mientras que en Italia se difundieron numerosas críticas al ciclo Nirvana, considerado una interpretación errónea del texto de Illica.[10]
Tema de la maternidad
El tema de la madre que se niega a amar a su recién nacido y se redime solo tras un largo período de sufrimiento al reencontrarse con su hijo afectó profundamente a Segantini. El motivo abordado en la pintura está vinculado a los acontecimientos autobiográficos del pintor: perdió a su madre[11] por enfermedad a los siete años y posteriormente fue expulsado de casa por su hermanastra. Este acontecimiento abrió un vacío en él, que posteriormente se transformó en una obsesión. [12] Esta es quizás una de las razones por las que, de adulto, idealizó la maternidad y elevó a la buena madre a la categoría de una Madonna secular, unida a la creación. Quizás incapaz de aceptar su propia pérdida y el sentimiento de abandono, pintó imágenes en las que malas madres y mujeres despiadadas sufren por sus actos. El artista escenifica una verdadera condena a todas aquellas que, por la razón que sea, rechazaron la maternidad en vida para afirmar su libertad sexual. [9] Dice al respecto: «Ama y respeta siempre a la mujer en cualquier condición que sea, siempre y cuando tenga corazón de Madre.»[13]
La nieta de Segantini, Gioconda Leykauf-Segantini, escribió: Leer el poema Nirvana de Luigi Illica dejó una profunda huella en mi abuelo. Trata sobre el tema de la maternidad negada, el castigo de las malas madres que deben soportar un largo sufrimiento antes de poder redimirse.»[14]
Un aspecto típico del movimiento simbolista es, de hecho, el contraste binario entre la mujer como madre, celebrada por el propio Segantini en el cuadro El ángel de la vida, y la mujer como mujer, que, habiendo abdicado de su misión primaria, debe necesariamente cumplir su condena. [9]
Pinturas
El fruto del amor (1889)
Junto con El ángel de la vida, El fruto del amor constituye la contraparte de Las malas madres y El castigo de la lujuria. El motivo evoca la representación de la Virgen con Niño, que muestra la santidad y maternidad de la virgen María, combinadas con la fertilidad de la naturaleza. El árbol, símbolo del árbol de la vida, apenas comienza a brotar y muestra sus primeras hojas. Segantini pintó una relación madre-hijo pacífica y armoniosa, aunque la pose de la madre y su mano derecha, que no abraza al niño sino que reposa sobre una rama, dan testimonio de cierto desapego.
Linda Nochlin señala que «La mujer trabajadora rural, la mujer campesina, . . . en la medida en que era pobre, pasiva, natural y se entendía que estaba contenta con su papel dado por Dios como madre y cuidadora, sirvió como vehículo ideal no sólo para las definiciones ideológicas de la feminidad, sino también para las del buen trabajador.»[15]
El largo cabello rubio rojizo de la madre, que en otras pinturas se había enmarañado en las ramas, cae suelto sobre su hombro en dos largos mechones. El niño, un poco mayor, está envuelto en una tela transparente, similar a un velo. Sonríe feliz y relajado, sosteniendo una manzana en la mano izquierda. Una vaca pasta al fondo, a la izquierda, aunque el pasto aún está marrón, como si la nieve acabara de derretirse.
El cuadro pertenece al Museo de Bellas Artes de Leipzig.[16]
El castigo de la lujuria (1891)
Dos mujeres semidesnudas flotan una junto a la otra, a medio camino del suelo, dormidas en un paisaje montañoso glacial. El largo cabello rojo de una de ellas está atrapado en las ramas de un abedul que emerge de la nieve. Un segundo abedul está semienterrado en la nieve a la izquierda. Otras dos mujeres flotan al fondo, a la izquierda.
La actitud de Segantini hacia las mujeres se vio influenciada por el espíritu de la época, según el cual se esperaba que las mujeres se quedaran en casa y cuidaran de los hijos. Aunque no se adhirió a las normas católicas en su vida privada —por ejemplo, se negó a casarse con su pareja y madre de sus cuatro hijos, Bice Bugatti—, su obra estuvo profundamente influenciada por ideas religiosas. Condenó a las mujeres que rechazaban la maternidad y solo buscaban los placeres del amor. Para él, eran malas, vanas e infructuosas. En esta pintura, Segantini representa un pasaje del poema citado anteriormente: Así, la madre malvada flota a través del valle helado sobre glaciares eternos, donde ninguna rama reverdece y ninguna flor florece...»
En una carta a Vittore Grubicy de Dragon, fechada en 1891, Segantini enfatizó el papel de la naturaleza en la iconografía de su pintura: «He castigado a las mujeres lujuriosas en el nirvana de la nieve y los glaciares. Estas son las figuras que flotan en el espacio sin alas, entregadas al dolor, transportadas hasta el sol poniente, y este es el significado de la pintura: el color es una sinfonía de blancos y azules, plata y oro».[17]
Las figuras flotantes representan las almas de mujeres que han abortado y se ven obligadas a vagar por un valle helado como castigo, a la espera de la salvación.[18] En contraste con el ardor de su pasión en vida, el castigo para estas almas es un largo viaje a través de un paisaje montañoso nevado, tranquilo y frío. El árbol atrofiado atrapa en sus ramas el cabello suelto de una de las mujeres, como si ni siquiera el paisaje pudiera soportar dejar pasar a estas criaturas contra natura «sin buscar venganza.»
El cuadro pertenece a la Galería de Arte Walker de Liverpool.[8]
Las malas madres (1894)
Los diferentes títulos del cuadro: Las malas madres, El castigo de las malas madres, Las madres degeneradas y Nirvana son del propio Segantini.[20]
En el paisaje invernal de Alp Tussagn, al este de Savognin, con vistas a Piz Toissa y Piz Curvér, un abedul emerge de la nieve en la mitad derecha de la imagen. En contracorriente de la curvatura del árbol, una mujer flota frente a él con los ojos cerrados. Su cabello color arena cuelga de las ramas. Su cuerpo desnudo está envuelto en un vestido similar a un velo que revela su vientre; parece estar embarazada. La cabeza de un niño, que emerge de una rama retorcida como un cordón umbilical, mama de su pecho derecho, como se describe en el poema.
Irma Noseda y Bernhard Wiebel consideran que «El cuerpo antinaturalmente tenso de la mujer, vestido de forma seductora y ligera, se rebela contra la maternidad y empuja violentamente al niño lactante [...] Así pues, [con el castigo] ha triunfado una moral mojigata en los cuadros de Segantini: el mundo ha vuelto al orden.»[21]
La pose de la mujer parece transmitir alegría y tristeza a la vez. El beber del niño es una experiencia sensual para la madre, expresada por su cabeza vuelta hacia atrás y sus labios entreabiertos. En el poema, la madre ofrece al niño que llora no solo su pecho, sino también su alma. Segantini lo expresa mediante la forma de las grandes ramas y el cuerpo de la mujer, que juntos forman un corazón. Una vez que el niño ha perdonado a la madre y el sufrimiento ha terminado, madre e hijo pueden flotar juntos hacia la salvación, hacia el brillante Nirvana dorado del fondo. Annie-Paule Quinsac considera que lo que se representa no es el castigo y el tormento de la madre malvada, sino su redención, el reencuentro entre madre e hijo. La peculiar contorsión del cuerpo no significaría dolor, sino alegría.[22]
Al fondo se ven otros dos grupos de mujeres. Un grupo de tres a la izquierda y otro a la derecha. El hijo de la mujer de la izquierda acaba de romper el hielo, mientras que la madre, cuyo cabello ha crecido en el árbol, está unida a su hijo por una raíz, como un cordón umbilical.[23] A la derecha, ligeramente alejadas de la escena, se encuentran dos mujeres que han logrado liberarse de sus árboles.
Cada elemento del paisaje está imbuido de un fuerte simbolismo: los árboles desnudos y doblados y las ráfagas de viento frío que envuelven todo el valle parecen, de hecho, personificar los instrumentos de tortura utilizados para castigar a las madres, [9] los vacíos presentes en la pintura se equilibran con el poder emocional y visual que ejerce la madre enredada en el árbol y, además, el complejo abedul, similar a la pintura japonesa, se transforma de un árbol de vida, en un árbol de redención. [10] En sus diarios, Segantini escribió que si bien el blanco neutro de la nieve simboliza la muerte, también puede simbolizar la vida. Así, el paisaje y el árbol nevados corresponden a la analogía del poema entre el paisaje y la mujer, según la cual la mujer estéril, que se entregó a sus instintos para convertirse en madre, aparece como un árbol invernal desnudo que brota en primavera.[24]
Beat Stutzer considera que «La madre [...], sin embargo, se convierte en una María secularizada, que triunfa sobre la muerte muy por encima de las tierras bajas del paisaje lacustre. Con una representación alegórica y ritualista del tema de la maternidad en las condiciones naturales del árbol, el paisaje y el cielo, Segantini se acerca con estas obras a los prerrafaelitas ingleses.»[25]
El cuadro debutó en la segunda Trienal de Milán en 1894[26] y pertenece a la Galería Belvedere de Viena.[19]
El ángel de la vida (1894)
Como imagen final de esta serie, Segantini pintó El ángel de la vida, como un contrapunto pacífico a las inquietantes imágenes invernales en las que representa a las malas madres del poema Nirvana. Así, cierra el arco de la pintura Fruto del amor, que pintó primero. En el centro de la imagen, una joven flota casi en la pose de una Virgen sobre las ramas de un abedul, abrazando amorosamente a su hijo, que se acurruca confiadamente en su pecho vivificante, visible a través de su vestido. Las primeras hojas verdes aparecen en el árbol, la nieve se ha derretido en el paisaje montañoso y, al fondo, hay un lago.[27]
La obra fue encargada en 1891 o poco antes por el banquero Leopoldo Albini, junto con la Diosa pagana, que ahora se exhibe junto a ella. Ambas obras pretendían formar un díptico sobre el tema de la mujer: una madre mística en el caso de la pintura que aquí se considera, una visión mundana y lujuriosa en la otra. Las dos figuras son retratos de la niñera de la familia, Baba, y su hijo Gottardo.[28]
El cuadro pertenece a la Galería de Arte Moderno de Milán.[29]
