No. 13 Finale
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No. 13 Finale es una performance artística del diseñador de moda Alexander McQueen, presentada al final del desfile de primavera/verano de 1999 para la casa de moda homónima de McQueen. Consiste en la modelo Shalom Harlow con un vestido blanco, de pie sobre una plataforma giratoria en la pasarela del desfile y siendo pintada con aerosol por robots.
La pieza se considera un momento culminante de la carrera de McQueen.[1] y uno de los momentos más icónicos de la historia de la moda.[2]
No. 13
No. 13 (Primavera/Verano 1999) es la decimotercera colección de McQueen.[3] Se inspiró en el movimiento Arts and Crafts, un movimiento de diseño que priorizaba la artesanía tradicional en lugar de los productos fabricados a máquina.[4] Cronología de la historia de la moda El desfile se realizó en el almacén Gatliff, una antigua estación de autobuses en desuso donde McQueen realizó varios de sus desfiles, y contó con la participación de un atleta paralímpico. Aimee Mullins con piernas protésicas intrincadamente talladas hechas de madera de fresno de Fraxinus.[5]
Trasfondo
McQueen declaró que la pieza se inspiró en High Moon, una instalación artística de 1991 de Rebecca Horn.[1][6]
La exbailarina Shalom Harlow fue elegida para interpretar la pieza, y su experiencia en ballet contribuyó a la representación de la obra de arte.[7] Harlow llegó en un vuelo nocturno la mañana del desfile y no ensayó. La actuación. Harlow comentó: «No hubo explicación, solo había un vestido» y que «Lo que ven soy yo respondiendo a estímulos, solo un momento de lo que ocurrió en esa situación».[8]
Cuando los robots terminaron de rociar su pintura, retrocedieron. Harlow se tambaleó fuera de la plataforma y se exhibió ante el público en, según Harlow, "absoluta entrega y abandono".
Recibimiento
La reacción inmediata del público fue de celebración.[6] Harlow dijo sobre la respuesta a la pieza: "Supe en ese momento que era extraordinario, que había sucedido algo único. La gente se emocionó hasta las lágrimas, así que sí, lo supe".[8]
Suzy Menkes reseñó el desfile para el International Herald Tribune, calificándolo de "el triunfo de la semana de la moda londinense" y describiendo el final como "extraordinario".[9]
La reseña retrospectiva de Vogue sobre el desfile se centró exclusivamente en el final, calificándolo de "algo potente" y comentando que "no fue un desfile de moda. Fue arte escénico".[10]
En una reseña que celebraba el vigésimo aniversario de la pieza, la crítica de Vogue, Sarah Mower, quien asistió al desfile, lo describió como "sin duda uno de los 10 desfiles de moda más emocionantes de todos los tiempos" y "de una inspiración desgarradora", señalando que McQueen "adormeció [al público] con una falsa sensación de tranquilidad" con el desfile relativamente largo y tranquilo antes del final.[11]
El propio McQueen estaba extasiado y dijo: "Fue el espectáculo más fantástico que he visto en mi vida. Fue simplemente increíble, fue poesía".[9] Afirmó que el espectáculo fue "el único que realmente lo hizo llorar".
Análisis
Se ha dedicado mucho análisis crítico, académico y popular a la pieza, con temas que incluyen la tecnología, la sexualidad, el papel del artista, el patriarcado y la propia vida de McQueen.
Cuando se le preguntó sobre las interpretaciones de la pieza, Shalom Harlow dijo:
"No quiero expresar con palabras cuál era su intención, pero desde dentro definitivamente se sentía como una sexualización agresiva y depredadora de la mecanización del mundo moderno y una interferencia con un aspecto muy crudo de la feminidad, y no me refiero a eso como mujeres, sino en términos de nuestro propio ser virginal interno. Esta superposición de lo que el mundo externo nos inyecta a todos en este mundo moderno poderoso y mecanizado con el que se supone que debemos interactuar. Eso es lo que sentí en ese momento, eso es lo que estaba expresando."[8]
Para la exposición retrospectiva de la carrera del Museo Metropolitano de Arte Alexander McQueen: Belleza Salvaje, Harlow comentó al curador Andrew Bolton:
"Casi se convirtió en una experiencia sexual agresiva en De alguna manera. Y creo que este momento realmente resume, en cierto modo, cómo Alexander se relacionó —al menos en ese momento en particular— con la creación. ¿Es eso toda la creación? ¿Es el acto de la creación de un ser humano, el acto sexual? ¿Es el acto, ya sabes, del Big Bang, por así decirlo, esa violencia, ese caos y esa rendición que tiene lugar?[1]
Katherine Gleason, autora de Alexander McQueen: Evolution, escribe que "estos robots parecen tener emociones. ¿Son algo humanos? Y si lo son, entonces ¿qué somos nosotros?"[12]
El historiador de arte Robert McCaffrey escribió sobre la interacción de la pieza con el tema filosófico de lo sublime, argumentando que «McQueen inquieta a su público y, al hacerlo, crea una puerta a lo sublime, pero no a lo sublime en la naturaleza, sino a lo sublime en el poder sobrenatural de la era de las máquinas». McCaffrey escribe que la pieza desafía la comprensión común de la mecanización, ya que los robots parecen percibir, sentir y pensar, creando un efecto de valle inquietante. También conecta la obra de McQueen con las «ANT 82, Antropometría de la Era Azul» de Yves Klein por su énfasis en el género y el patriarcado, anclando así la máquina «a la tendencia humana a dominar y oprimir».
Kate Bethune, del Victoria and Albert Museum, conectó la obra con la inspiración de la muestra, el movimiento Arts and Crafts, sugiriendo que el final puede haber sido "pensado como un contrapunto a la ética antiindustrial de William Morris, provocando un comentario sobre la interacción entre el hombre y la máquina a principios del siglo XXI".[3]
Rachel Tashjian, directora de noticias de moda de Harper's Bazaar, interpretó el momento como autobiográfico, afirmando que "siempre lo interpretó como una declaración sobre la creatividad torturada de McQueen, la forma en que la creación es violencia infligida a los materiales (y a las personas) encargados de llevar a cabo la visión. Es una imagen hermosa, pero también brutal".
Muchos han interpretado la obra como una referencia al motivo cultural del cisne moribundo, ya que este es el tema de la música utilizada en la pieza.[1] El vestido en sí y los movimientos de Harlow también han sido descritos como de cisne.[9]
Legado
Vogue incluyó la pieza en una lista de los momentos más memorables de McQueen en la pasarela, señalando que "consolidó [su] reputación como el showman definitivo".[13]
Varios diseños de la casa de moda Alexander McQueen en años posteriores, bajo la dirección creativa de Sarah Burton tras la muerte de McQueen, han sido comparados con el No. Final de 13.[14][15]
El estreno de 2012 de la cuarta temporada de RuPaul's Drag Race rindió homenaje a la obra, con concursantes de pie sobre una plataforma giratoria mientras eran rociados con pintura neón.[16][17]
Para la inauguración del hotel Times Square EDITION en 2019, el hotelero Ian Schrager encargó una instalación artística en referencia a McQueen, con figuras destacadas de la moda como Alex Lundqvist vestidas completamente de blanco, girando sobre una plataforma y rociados con pintura por brazos robóticos.[18]
El final del desfile Primavera/Verano 2022 de Coperni, en el que a Bella Hadid la rociaron con Fabrican, fue comparado con el ``N.° 1. Final de 13, con varios comentaristas calificando el final de Coperni como un homenaje al de McQueen.[19][20] La marca generó comparaciones similares para su desfile Otoño/Invierno 2023, que incluyó perros robóticos interactuando con las modelos.[21]
