Ruth Asawa

Ruth Aiko Asawa nació en 1926 en Norwalk, California, y era una de siete hermanos.^[3][4] Sus padres, inmigrantes de Japón, regentaban una granja hasta el internamiento de japoneses-estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial.^[5] Excepto el padre de Ruth, la familia fue internada en un centro de reunión establecido apresuradamente en el hipódromo de Santa Anita durante gran parte de 1942, tras lo cual fueron enviados al Centro de Reubicación de Guerra Rohwer en Arkansas.^[6]

El padre de Ruth, Umakichi Asawa, fue arrestado por agentes del FBI en febrero de 1942 e internado en un campo de detención en Nuevo México. Durante los seis meses siguientes, la familia Asawa no supo si estaba vivo o muerto. Asawa no vio a su padre durante seis años.^[7] La hermana menor de Ruth, Nancy (Kimiko), estaba visitando a su familia en Japón cuando esta fue internada. No pudo regresar, ya que Estados Unidos impidió la entrada incluso a los ciudadanos estadounidenses procedentes de Japón. Nancy se vio obligada a permanecer en Japón durante toda la guerra. Asawa dijo sobre el internamiento:

No guardo rencor por lo que pasó; no culpo a nadie. A veces, de la adversidad surge algo bueno. No sería quien soy hoy si no hubiera sido por el internamiento, y me gusta quien soy.^[8]

Asawa se interesó por el arte desde muy temprana edad. De niña, su profesora de tercer grado la animó a crear sus propias obras de arte. Como resultado, Asawa recibió el primer premio en un concurso escolar de arte en 1939, por su obra sobre lo que hace que alguien sea estadounidense.

Tras graduarse en el instituto del centro de internamiento, Asawa asistió al Milwaukee State Teachers College, con la intención de convertirse en profesora de arte. No pudo asistir a la universidad en la costa de California, ya que la guerra continuaba y la zona en la que se encontraba la universidad a la que quería asistir seguía estando prohibida para los japoneses, fueran o no ciudadanos estadounidenses. Al no poder conseguir un puesto para realizar las prácticas docentes necesarias para completar su título, abandonó Wisconsin sin graduarse. (Wisconsin le concedió el título en 1998).^[9] Asawa relató una experiencia en la que, al parar en Misuri para ir al baño, ella y su hermana no sabían qué baño usar. Había un baño para personas de color y otro para personas blancas en la parada de autobús y, debido a la discriminación racial de la época, decidieron usar el baño para personas de color. Una vez en Black Mountain, había más igualdad para ella y otros estudiantes pertenecientes a minorías, incluidos otros asiático-americanos y afroamericanos. En el campus eran iguales, pero en la ciudad la realidad del racismo en Estados Unidos era evidente. Esto dio lugar a un sentido directo de conciencia social en las esculturas de Asawa y a una intimidad influenciada por la adversidad que su familia experimentó como minoría en Estados Unidos.^[10]

El verano anterior a su último año en Milwaukee, Asawa viajó a México con su hermana mayor Lois (Masako). Asawa asistió a una clase de arte en la Universidad Nacional Autónoma de México; entre sus profesores se encontraba Clara Porset, una diseñadora de interiores cubana.^[11] Un amigo del artista Josef Albers, Porset le habló a Asawa sobre el Black Mountain College, donde él impartía clases.^[12] Asawa relató:

Me dijeron que podría resultarme difícil, con los recuerdos de la guerra aún frescos, trabajar en una escuela pública. Mi vida podría incluso correr peligro. Esto fue una bendición, porque me animó a seguir mi interés por el arte, y posteriormente me matriculé en el Black Mountain College de Carolina del Norte.^[13]

De 1946 a 1949, estudió en el Black Mountain College con Josef Albers.^[14] Asawa aprendió a utilizar materiales comunes de Albers y comenzó a experimentar con alambre, utilizando diversas técnicas.^[15] Al igual que todos los estudiantes del Black Mountain College, Asawa cursó asignaturas de diferentes disciplinas artísticas, y este enfoque interdisciplinar contribuyó a moldear su práctica artística. Sus estudios de dibujo con Ilya Bolotowsky y Josef Albers fueron fundamentales. Sus dibujos de esta época exploran los patrones y la repetición, y le intrigaba especialmente el meandro como motivo.^[16] Le influyeron especialmente las sesiones de verano de 1946 y 1948, que contaron con cursos impartidos por el artista Jacob Lawrence, el conservador e historiador de fotografía Beaumont Newhall, Jean Varda, el compositor John Cage, el coreógrafo Merce Cunningham, el artista Willem de Kooning, el escultor Leo Amino y R. Buckminster Fuller. Según Asawa, los cursos de danza que tomó con Merce Cunningham fueron especialmente inspiradores.^[17] En una clase en la que participaba su compañero Rauschenberg, Asawa contó que bajaron corriendo una gran colina como si fuera un baile con antorchas encendidas al son de La consagración de la primavera de Stravinsky. Por el contrario, Asawa describió sus experiencias estudiando con Josef Albers como más formalistas y lo que otros estudiantes describieron como fascistas en su comportamiento, sin tener en cuenta los sentimientos de sus alumnos en sus enseñanzas. Prefería enseñar a explorar y descubrir a través del diseño, en lugar de impartir los conocimientos regurgitados y gratuitos que enseñaban otros académicos. Asawa se identificó con este enfoque debido al bagaje cultural de su familia y a lo que ella describe como intolerancia hacia las emociones.^[10]

En la década de 1950, mientras estudiaba en el Black Mountain College de Asheville, Carolina del Norte, Asawa realizó una serie de esculturas de alambre tejidas a ganchillo con diversas formas abstractas. Asawa consideraba que ella y sus compañeros de estudios estaban por delante de la administración al desarrollar su propia forma de modernismo en la escultura, probando constantemente cosas nuevas. Comenzó con diseños de cestas y más tarde exploró formas biomórficas que colgaban del techo. Aprendió la técnica del ganchillo con alambre durante un viaje para visitar a Josef Albers mientras este se encontraba de año sabático en 1947 en Toluca, México, donde los aldeanos utilizaban una técnica similar para fabricar cestas con alambre galvanizado. Ella explicó:

Me interesó por la economía de una línea, por crear algo en el espacio, encerrándolo sin bloquearlo. Sigue siendo transparente. Me di cuenta de que si quería crear estas formas, que se entrelazan y se entretejen, solo podía hacerlo con una línea, porque una línea puede ir a cualquier parte.^[18]

Tras su viaje a México, el profesor de dibujo de Asawa, Ilya Bolotowsky, observó que su interés por el dibujo convencional había sido sustituido por una fascinación por el uso del alambre como forma de dibujar en el espacio.^[19] Sus esculturas de alambre en forma de bucle exploran la relación entre los volúmenes interiores y exteriores, creando, según sus propias palabras, «una forma que era interior y exterior al mismo tiempo».^[20] Se ha descrito que encarnan diversos estados materiales: interior y exterior, línea y volumen, pasado y futuro.^[21] Asawa dijo: «En 1946 pensaba que era moderna. Pero ahora estamos en 2002 y no se puede ser moderno para siempre», mientras desarrollaba su materialidad y sus técnicas, experimentando con medios manuales de comunicación visual. La experimentación fue clave para encontrar su identidad visual.^[10] Aunque su técnica para crear esculturas se asemeja al tejido, ella no estudió tejido ni utilizó materiales fibrosos.^[22] Los materiales eran importantes. Como estudiante universitaria sin recursos, Asawa utilizaba objetos encontrados baratos, como piedras, hojas y palos, ya que no tenía dinero ni acceso a papel de buena calidad. La proximidad y el descubrimiento eran sus recursos.^[10]

Las esculturas de alambre de Asawa le dieron fama en la década de 1950, cuando su obra apareció varias veces en la Bienal Whitney, en una exposición de 1954 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y en la Bienal de Arte de São Paulo de 1955.^[20][20]

En 1962, Asawa comenzó a experimentar con esculturas de alambre atado con formas ramificadas arraigadas en la naturaleza, que se volvieron cada vez más geométricas y abstractas a medida que continuaba trabajando en esa forma.^[20] En estas piezas, a veces trataba el alambre galvanizándolo. También experimentó con la galvanoplastia, haciendo pasar la corriente eléctrica en la dirección «incorrecta» para crear efectos texturales.^[20] «Ruth se adelantó a su tiempo al comprender cómo las esculturas podían funcionar para definir e interpretar el espacio», afirmó Daniell Cornell, conservador del Museo de Young de San Francisco. «Este aspecto de su obra anticipa gran parte del trabajo de instalación que ha llegado a dominar el arte contemporáneo».^[20]

Asawa participó en el Tamarind Lithography Workshop Fellowship en Los Ángeles en 1965 como artista. En colaboración con los siete grabadores del taller, produjo cincuenta y dos litografías de amigos, familiares (incluidos sus padres, Umakichi y Haru), objetos naturales y plantas.^[20]

En la década de 1960, Asawa comenzó a recibir encargos para realizar esculturas a gran escala en espacios públicos y comerciales en San Francisco y otras ciudades.^[23] Asawa instaló su primera escultura pública, «Andrea» (1968), al anochecer en Ghirardelli Square, con la esperanza de crear la impresión de que siempre había estado allí.^[24] La escultura representa a dos sirenas de bronce fundido en una fuente, una de ellas amamantando a un bebé sirena, chapoteando entre tortugas marinas y ranas.^[24] La obra generó mucha controversia sobre la estética, el feminismo y el arte público tras su instalación.^[18] Lawrence Halprin, el arquitecto paisajista responsable del diseño del espacio frente al mar, describió la escultura como un adorno de jardín suburbano y exigió su retirada.^[18] Asawa respondió: «A los mayores les traería recuerdos de su infancia y a los jóvenes les daría algo que recordar cuando sean mayores».^[18] Muchos habitantes de San Francisco, especialmente mujeres, apoyaron la escultura de la sirena de Asawa y se unieron a ella para protegerla.^[20]

Cerca de Union Square (en Stockton Street, entre Post Street y Sutter Street), creó una fuente para la que movilizó a 200 escolares para moldear cientos de imágenes de la ciudad de San Francisco en masa, que luego se fundieron en hierro.^[18] Con el paso de los años, continuó diseñando otras fuentes públicas y se hizo conocida en San Francisco como la «dama de las fuentes».^[18]

El patrimonio de la artista está representado por la David Zwirner Gallery.^[20]

En 2019, su obra «Sin título (S.387, Tres capas separadas de formas trilobuladas colgantes)», de alrededor de 1955, se vendió por 4,1 millones de dólares estadounidenses. «Sin título (S.401, forma entrelazada continua de siete lóbulos, con esferas dentro de dos lóbulos)», circa 1953-1954, se vendió por 5,4 millones de dólares estadounidenses en 2020.^[20][20]

La primera exposición centrada en la práctica del dibujo de Asawa, Ruth Asawa Through Line, se inauguró en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en otoño de 2023^[25] y se trasladó a la Colección Menil de Houston a principios de 2024.^[26] Organizada conjuntamente por ambas instituciones en estrecha colaboración con los herederos de la artista, esta notable muestra destacó la amplitud de las obras de Asawa sobre papel, incluyendo dibujos, collages, acuarelas y cuadernos de bocetos que produjo como parte de su rutina diaria de bocetos, estableciendo el dibujo como una línea continua a lo largo de su carrera y crucial para el desarrollo de su distintiva e inventiva sensibilidad estética. Si bien Asawa ha sido ampliamente reconocida por su trabajo tridimensional durante su vida, "... ansiaba llevar sus dibujos más allá. 'Trabajar con alambre fue una consecuencia de mi interés por el dibujo', insistía a menudo", señala la reseña de la exposición del New York Times.^[27]

El Museo de Arte Moderno de San Francisco (SFMOMA) y el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) organizaron conjuntamente Ruth Asawa: A Retrospective en el SFMOMA^[28] del 5 de abril al 2 de septiembre de 2025, y en el MOMA^[29] del 19 de octubre de 2025 al 7 de febrero de 2026. También se exhibirá en el Museo Guggenheim de Bilbao , España, del 20 de marzo al 13 de septiembre de 2026, y en la Fondation Beyeler , Riehen/Basilea, Suiza, del 18 de octubre de 2026 al 24 de enero de 2027. Un catálogo de la exposición con el mismo nombre fue editado por Janet Bishop y Cara Manes y publicado en 2025.^[30]

• 1968: Primer Premio Dymaxion para el artista/científico
• 1974: Medalla de Oro del American Institute of Architects
• 1990: Premio Cyril Magnin de la Cámara de Comercio de San Francisco
• 1993: Premio de Honor de la Asamblea de Mujeres de las Artes
• 1995: Premio de la Asian American Art Foundations, Anillo de Oro a la Trayectoria del anillo

• Snyder, Robert, producer (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth. Pacific Palisades, cA: Masters y Masterworks Production.

Asawa murió de causas naturales el 5 de agosto de 2013 en su casa de San Francisco, California.^[31]

• Andrea, la fuente de la sirena en el Ghirardelli Square (1966)
• el Hyatt de la Unión Fountain Square (1973)
• el centro comercial Buchanan (Nihonmachi) Fuentes (1976)
• Aurora,la fuente de inspiración origami en la costa de San Francisco (1986)
• Escultura Internamiento Memorial los japoneses-americanos en San José (1994).