San Sebastián (Reni, Génova)

A diferencia del lienzo conservado en los Museos Capitolinos de Roma, no existe información precisa sobre la procedencia de esta versión ni quién la encargó. Se conoce que al menos desde 1684 formaba parte de la colección de arte privada de la familia Brignole-Sale, como lo demuestra un inventario realizado por Giovanni Francesco Brignole-Sale,^[1] aunque no es posible determinar si el comprador fue el propio Giovanni Francesco o quizás Anton Giulio I Brignole-Sale, quien en 1641 adquirió diez pinturas de Reni en Bolonia. El lienzo fue heredado por la última miembro de la familia, Maria Brignole-Sale, duquesa de Galliera, quien lo donó a las colecciones cívicas de Génova en 1874.^[2]

La crítica ha estado dividida sobre la fecha precisa de ejecución del lienzo. La composición clasicista de la obra sitúa su posible creación alrededor de 1615-1616. No obstante, una hipótesis de 1992 propuso cambiar la datación trasladándola a la cuarta década del siglo XVII (1630-1639).^[3]

Una serie de restauraciones realizadas en el tercer cuarto del siglo XX devolvieron al lienzo sus dimensiones originales al eliminar partes pintadas añadidas.^[4] Adicionalmente, una limpieza realizada en 1995 disipó cualquier duda sobre la autenticidad del cuadro.^[3]

La temática del cuadro fue repetida por Reni en diversas variaciones y copias, como lo atestiguan obras suyas ahora expuestas en el Museo del Louvre de París, el Prado de Madrid, la Dulwich Picture Gallery de Londres, la Art Gallery de Auckland^[4] y la Pinacoteca Nazionale de Bolonia.

Tanto en esta versión como en otras pintadas por Reni, San Sebastián, soldado romano originario de la Galia y martirizado en tiempos de Diocleciano, se encuentra atado a un árbol. La representación del martirio, en línea con los ideales clásicos de la poética de Reni, no muestra el cuerpo ensangrentado y desfigurado por flechas, sino el cuerpo idealizado de un joven con una belleza impregnada de sensualidad.^[5] La delicadeza de la anatomía y la elegante pose encarnan el éxtasis de la purificación del alma en el momento del martirio, mientras que la tensión que recorre al sujeto culmina en la cabeza vuelta hacia arriba, un rasgo distintivo de la pintura de Guido Reni y que fue identificado por el erudito Carlo Cesare Malvasia.^[6]

El cielo azul que forma el fondo de la escena, realizado con lapislázuli, confirma la hipótesis de que la pintura es el resultado de un encargo importante, aunque desconocido. El coste de este pigmento en particular era tan elevado que generalmente lo suministraba o pagaba por separado el cliente.^[5]

Tanto la pintura como la figura de Sebastián de Milán se han convertido con el tiempo en motivos recurrentes de la iconografía homoerótica, particularmente por la belleza y desnudez con la que el santo es representado.^[7]

En 1877, Oscar Wilde visitó la pintura durante una parada en Génova de un viaje que estaba realizando rumbo a Grecia. La pintura sorprendió en gran manera a Wilde, quien semanas después la referenció en una nota explicativa que incluyó junto a un poema que escribió en honor a John Keats.^[7]

La pintura tiene además un papel notorio en la novela Confesiones de una máscara (1949), del escritor japonés Yukio Mishima. En la obra, el protagonista de 12 años ve una foto del cuadro que le produce una intensa atracción erótica que lo lleva a tener su primera eyaculación, así como a empezar a masturbarse. En 1970, el propio Mishima reprodujo la pose del cuadro en una fotografía que le fue tomada meses antes de su suicidio.^[7]

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  La versión de los Museos Capitolinos en Roma
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  La versión de Providence en el Museo de Arte de la Escuela de Diseño de Rhode Island
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  La versión de Auckland
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  La versión del Prado en Madrid
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  La versión de Londres