Duane Hanson

Dans les années 1960, Duane Hanson est l'un des grands représentants de la sculpture américaine dans le mouvement de l'hyperréalisme. Il travaille en effet de façon réaliste et exprime ses préoccupations sociales. Séduit par les travaux de George Segal, qui réalise des œuvres en plâtre moulées d'après des modèles vivants (« lifecasting »), et réfractaire à l’idée d’infliger une interprétation subjective à ses œuvres, Hanson se met à créer dans un atelier de Floride des personnages humains grandeur nature en effectuant des moulages directement sur ses modèles. Il privilégie la fibre de verre et la résine, ce qui lui offre la possibilité de reproduire les moindres finesses du corps humain, donnant ainsi vie à ses modèles. Habillant et coiffant ses sujets avec une volonté de justesse, Hanson donne l’illusion de réalité quand il représente des scènes hyperréalistes reflétant la vie dure à l'américaine, à l'opposé des l'idéaux de l’American way of life^[1].

Duane Hanson s’installe à New York en 1969 et persiste avec des thèmes aussi épineux que la guerre du Viêt Nam, la maltraitance des femmes et les sans-abri. Dans les années 1970, les créations d'hyper-réalistes comme Richard Estes attirent Hanson. Ses œuvres sont d’abord exposées à New York et en Allemagne. Dans les années 1980, elles font l’objet d’expositions tournantes dans les musées américains. En 1983, la Floride nomme Hanson « ambassadeur d’art » et son œuvre est internationalement reconnue.

Il décède à 70 ans d'un cancer causé par la manipulation répétée et sans protection de résine de polyester et de fibre de verre^[2]. Ce cancer avait d'abord été diagnostiqué en 1971^[2].

Si Hanson est connu pour ses sculptures hyperréalistes, sa pensée s'inscrit dans l'esprit de la sculpture pop. En effet, tout comme Segal ou Oldenburg, il cherche à donner de l'importance à des éléments auxquelles on accorde peu d'importance. Ici, Hanson se spécialise pour les personnes issus des milieux moyens et défavorisés, ceux que l'American Way of Life ont effacés car ils occupent une place peu importante^[3],[4]. Il fait souvent référence aux situations socio-politique que traversent les Etats-Unis à cette époque : en effet, la palette de son inspiration couvre quasiment tous les sujets qui dérangent : des multiples facettes du racisme, en passant par la pauvreté, la dépendance et la maltraitance^[5]. Son but est transporter des scènes de la vie quotidienne banale ou provocante au musée pour les y immortaliser - une de ses œuvres montre un policier blanc frappant un Afro-Américain après l’assassinat de Martin Luther King.