Il était une fois dans l'Ouest

Pré-production

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Le film reprend une partie de la trame et de la motivation d'un personnage de Et pour quelques dollars de plus : une histoire de vengeance qui se dévoile au cours du film, grâce à des flash-back. Les flash-back sont liés à une musique et la cause de la vengeance sera entièrement révélée lors du duel final. Mais, au lieu d'une vengeance découlant d'un lien frère-sœur, liée à la musique d'une montre, cette fois la vengeance découle d'un lien frère-frère et elle est liée à un air d'harmonica.

Après Le Bon, la Brute et le Truand, Sergio Leone ne voulait plus refaire de western et avait commencé à préparer le tournage d’Il était une fois en Amérique. C'est aux États-Unis, où il voulait commencer à produire, qu'on lui a suggéré de faire un autre western. C'est alors qu'il eut l'idée de faire la trilogie du temps (Il était une fois...).

Ce film, le premier volet de la trilogie du temps, permet à Leone de revisiter le mythe de l’Ouest américain et, au nom d’un plus grand souci de réalisme, de lui rendre une vérité altérée par les conventions du cinéma américain. Leone s’est toujours étonné, entre autres reproches qu’il adressait aux westerns classiques, qu’on ne montre pas, par exemple, la réalité de l’impact d’une balle qui faisait un trou énorme dans le corps de la victime. Ou encore qu’on atténue la violence extrême de cette époque qui voyait pourtant un tueur exhiber les oreilles coupées de ses ennemis pour imposer le respect (voir William Quantrill). C’est cependant dans un cercle final, l’arène de la vie, que Leone réunit et enferme ses personnages essentiels et exprime le moment de vérité du film qui se conclut, de façon la plus classique, par le duel inhérent à tout western. C'est le premier film d'une trilogie qui comprend ensuite Il était une fois la révolution (1971) et Il était une fois en Amérique (1984).

Les thèmes du film — et c’est une constante chez Sergio Leone — sont par ailleurs magnifiés par une mise en scène savante et toujours spectaculaire illustrée d’un accompagnement musical ou sonore expressif. On peut notamment évoquer le début du film, devenu mythique, avec les trois tueurs qui attendent le train et ses gros plans sur des regards, les craquements de doigts, la mouche tournant autour de Jack Elam, les gouttes d'eau tombant sur le chapeau ou encore la roue grinçante de l'éolienne. Si l'on excepte les quelques mots prononcés par le chef de gare dans la première minute du film (mais qui n'obtiennent pas de réponse), les premières paroles ne sont échangées que onze minutes après le début du film (sans compter les paroles du vieux guichetier environ deux minutes après le début), ce qui en fait une des plus longues scènes de silence du cinéma. Cette séquence constitue aussi le plus long générique de l'histoire du cinéma.

Le film multiplie les savants cadrages et installe dans l’espace les personnages d’une façon souvent saisissante : fréquentes plongées ou contre-plongées, caméra placée sous un angle insolite allongeant, par exemple, les silhouettes ou remplissant l’écran d’yeux présentés en très gros plans. Les combats sont filmés en deux temps comme autant de ballets : d’abord, une lente montée de l’attente qui accroît la tension avant que l’exaspération des nerfs n’explose dans les coups de feu.

Choix des interprètes

Pour le rôle d'Harmonica, un étranger obnubilé par le désir de venger son frère assassiné par Frank, le réalisateur pense confier le rôle à Charles Bronson qu'il avait vainement tenté d'engager dans ses précédents films Pour une poignée de dollars et Le Bon, la Brute et le Truand; Il obtient son accord. Rock Hudson, Warren Beatty, Terence Stamp et Jean-Paul Belmondo avaient également fait du pied au réalisateur, mais ce dernier avait d'ores et déjà fait son choix^[6].

Pour le rôle de Frank, Leone tenait absolument à Henry Fonda, en contre-emploi des rôles de braves types honnêtes, nobles et positifs qui firent sa renommée : il joue ici un tueur ignoble n'hésitant pas à massacrer des innocents et des enfants et crachant à tout bout de champ. Eli Wallach, qui interprétait Tuco dans Le Bon, la Brute et le Truand, persuada Fonda d'accepter le rôle. Ce dernier se fit projeter tous les films de Leone, qu'il ne connaissait pas, avant de se décider. Sa performance est remarquable, car né en 1905, il avait 63 ans lors du tournage du film, dans lequel il semble beaucoup plus jeune, surtout dans le flash-back final qui révèle le motif de la vengeance d'Harmonica. Le premier jour de tournage, il arrive complètement grimé pour avoir une gueule de méchant. Il porte ainsi une fausse moustache imposante, des favoris noirs et des lentilles de contact marron qui masquent ses yeux bleus. Sergio Leone exigea qu'Henry Fonda retire tout cet attirail.

Le frère d'Harmonica est joué par Claudio Mancini (it), directeur de production du film.

L'actrice qui joue la femme indienne s'enfuyant de la gare en séquence d'ouverture est en réalité d'origine hawaïenne. Il s'agit de l'épouse de Woody Strode.

C'est à Robert Hossein qu'on proposa initialement le rôle de Morton, mais il fut retenu par le tournage du film Indomptable Angélique. Le rôle échut alors à Gabriele Ferzetti, héros du film L'avventura. Robert Hossein fit quant à lui une apparition dans le rôle d'un membre du gang de Frank.

Kirk Douglas posa sa candidature pour jouer le rôle de Cheyenne. Mais ce fut Jason Robards qui fut finalement sélectionné. Le premier jour, il arriva complètement ivre. Sergio Leone menaça de l'exclure du tournage si cela se reproduisait. Par la suite, Robards ne causa plus de problèmes, sauf le jour de l'annonce de l'assassinat de Robert « Bobby » Kennedy (le frère cadet de JFK). Il obligea alors Leone à arrêter le tournage pour le reste de la journée.

Le rôle féminin principal, celui de Jill McBain, devait initialement être tenu par Sophia Loren, contrepartie de la promesse de son mari Carlo Ponti à produire le film. Mais Sergio Leone craignit que la vedette italienne exige de réorienter l'histoire en sa faveur. Le réalisateur propose alors le rôle à son amie Claudia Cardinale qui accepta la proposition sans avoir lu au préalable le scénario.

Pour la scène d'ouverture avec les trois tueurs (Stony, Snaky et Knuckles), Sergio Leone désirait, en forme de clin d'œil, les faire jouer par les trois protagonistes de Le Bon, la Brute et le Truand : Lee Van Cleef, Eli Wallach et Clint Eastwood. Mais ce dernier, dont la notoriété commençait à grandir, refusa car son personnage mourait dès le début du film.— Ce refus est l'origine d'une longue brouille entre Leone et Eastwood. Ils ne se reverront une dernière fois que 20 ans plus tard, peu de temps avant la mort de Leone, lors de l'avant-première à Rome du film Bird réalisé par Eastwood. — L'un de ces gredins est joué par Jack Elam, second couteau dont le strabisme sert admirablement la scène. L'acteur noir est Woody Strode, devenu célèbre dans le monde du western pour avoir joué le Sergent noir de John Ford. Le dernier larron, Al Mulock, a interprété un chasseur de primes manchot dans Le Bon, la Brute et le Truand.

Ce même Al Mulock se suicida pendant le tournage en sautant par la fenêtre de la chambre de son hôtel à Guadix, en Espagne, vêtu du même costume qu'il portait dans le film. Un des scénaristes, Mickey Knox, et le directeur de production, Claudio Mancini, qui étaient assis dans une chambre de l'hôtel, le virent passer de leur fenêtre. Selon Mickey Knox, la première réaction de Sergio Leone a été d'exiger de récupérer le costume de scène^[7].

Lieux de tournage

Le tournage s'est déroulé d'avril à août 1968 aux États-Unis, en Espagne et en Italie.

Pour les scènes extérieures, le film a été tourné à Monument Valley en Arizona, dans la région de Moab dans l'Utah ainsi qu'en Andalousie.

L'Andalousie, et son désert de Tabernas, est depuis 1963 très prisée par Sergio Leone. En effet, après avoir parcouru les États américains du Nouveau-Mexique à l'Utah, il sélectionne définitivement ce site, certes avant tout pour des raisons budgétaires mais aussi, pour ses décors naturels similaires à ceux de l'Arizona et de surcroît, vierges de toute implication humaine à contrario du plateau du Colorado^[8].

Ainsi, pour les besoins du film, Sergio Leone fait construire la ville de Flagstone au sud de Guadix, près de La Calahorra. La gare de Cattle Corner où se déroulent les premières quatorze minutes du film sans aucun dialogue est située à la sortie sud de Guadix. Dans une direction Nord-Sud, la gare de Flagstone est le prochain arrêt. La demeure des Mac Bain, Sweetwater, a été bâtie par Carlo Simi — chef décorateur —, avec les poutres du décor du film Falstaff d'Orson Welles en 1965 et existe toujours aujourd'hui, renommée Western Leone, près de Tabernas.

John Landis, futur réalisateur du film Les Blues Brothers, a la responsabilité des scènes de cascades.

La plupart des scènes d'intérieur ont été filmées à Rome dans les studios de Cinecittà.

Dans ce film, Claudia Cardinale et Paolo Stoppa font l'une des plus « longues » randonnées en buggy hippomobile de l'histoire du cinéma. En effet, elle commence en Espagne, passe par Monument Valley dans l'Utah et se termine à la ferme des Mac Bain en Espagne.

Accueil critique

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Aux États-Unis, le film est mal accueilli par la critique^[10]. Depuis, il y a été réévalué de manière positive, ayant acquis le statut de film culte et chef-d'œuvre par des critiques et réalisateurs^[11].

Box-office

Le film remporte un énorme triomphe public en Europe lors de sa sortie en salles^[12].

En Italie, le film sort le 21 décembre 1968 et totalise 8 870 732 entrées soit 2 503 669 000 lires de recettes, ce qui le place 3^e au box-office Italie 1968-1969^[13]. En Allemagne, sorti le 14 août 1969, le western réalise 13 millions d'entrées^[14]. C'est en France que le film a beaucoup plus d'impact^[12] avec près de 15 millions d'entrées depuis sa sortie en août 1969 et les ressorties successives^[14],[15]. Plus grand succès de l'année 1969, il reste à l'affiche d'un cinéma parisien pendant 48 mois^[16].

L'engouement du film n'est pas le même aux États-Unis : amputé de plusieurs scènes (notamment celle de l'auberge et celle de la mort de Cheyenne), le film n'a pas obtenu le succès au box-office, récoltant seulement un total de 5,3 millions de dollars de recettes^[17] dont 2,1 millions en location vidéo^[18].

Personnages

Le propos de Leone se veut prophétique. L’Amérique fondée sur la conquête et la survie se transforme ainsi en une Amérique fondée sur la loi et l'égalité des droits. En effet, à l’époque de la réalisation du film, le Women Liberation (Mouvement de libération des femmes) connait son apogée aux États-Unis.

Le passage entre les deux époques est d’ailleurs parfaitement symbolisé par la construction de la ligne de chemin de fer qui relie non seulement deux espaces, l'Est et l'Ouest, mais aussi deux époques, celui des pionniers du Far West qui s’efface peu à peu devant celui de la civilisation moderne.

L’un des intérêts du scénario, écrit, entre autres, par Bernardo Bertolucci et Dario Argento, est d’en montrer les répercussions sur les personnages eux-mêmes qui n’ont d’autre choix que de disparaître ou de s’adapter. Trois d’entre eux ne s’intègrent pas et sont appelés à s’effacer. C’est d’abord Frank, hors-la-loi, chef de bande et rebelle à toute légalité, qui représente une époque révolue car, désormais, la loi se généralise. Le bandit généreux, Cheyenne, dont le romantisme n’a plus sa place dans une société devenue mercantile, disparaît également. C’est enfin Harmonica dont le mode de vie fondé sur le sens de la justice et le goût pour la solitude ne peut s’accommoder d’un monde de plus en plus organisé et fondé sur la collectivité. On songe, à son propos, au beau mouvement de caméra qui, par un panoramique, donne à voir, en un plan de plus en plus général, le chantier du chemin de fer, puis les dizaines d’ouvriers au travail et le personnage d'Harmonica qui s’y fond comme s’il disparaissait en tant qu’individu, comme s’il s’agissait de la fin de l’individu.

Jill, interprétée par Claudia Cardinale, prête à tout pour survivre, est la seule à réussir ce passage entre l’ancien et le nouveau monde. La séquence finale, qui la montre donnant de l’eau aux ouvriers, signifie sans doute^{[non neutre]} la fidélité à ses origines, car elle aide les ouvriers exploités et humiliés, comme elle, et montre simultanément son adaptabilité, comme les ouvriers construisant l’avenir. C'est Bertolucci qui a proposé à Leone de centrer l'histoire du film sur un personnage féminin.

Les costumes des personnages sont un rappel flagrant de leurs caractères. Tandis qu'Harmonica est habillé de blanc durant tout le film, Frank est vêtu de noir. Cette opposition prend tout son relief lors du duel final.

La balle magique d'Harmonica

Le personnage d'Harmonica présente un intérêt particulier en raison des interrogations suscitées par sa rapide récupération de la blessure par balle que lui inflige l'un des hommes de main de Frank au début du film à la gare de Cattle Corner. Cette « guérison » si rapide résulte soit d'une erreur flagrante dans le script, soit du fantastique. La méticulosité bien connue de Sergio Leone plaide pour la seconde hypothèse, ce qui a ouvert la voie à donner au personnage d'Harmonica un pouvoir quasi surnaturel d’invincibilité propre aux justiciers divins^[19]. Cette récupération physique est tellement rapide qu'elle paraît très improbable et le problème qu'elle pose, au regard de la vraisemblance du scénario, est bien réel. S'il n'y a pas d'erreur, alors Harmonica peut être considéré comme un personnage de justicier vengeur démiurge qui apparaît toujours au moment opportun pour conduire chacun des personnages sur la route de son propre destin^[20].

À l'origine le film a été présenté dans deux versions différentes entre les États-Unis et l'Europe. La première version comportait la scène dans laquelle Harmonica se relève et place son bras en écharpe mais ne comportait pas la scène de l'auberge où il parle de cache-poussières vus « tout à l'heure »,

Erreurs

Cinéma

• Dans Retour vers le futur 3 (1990) de Robert Zemeckis, plusieurs éléments relèvent du clin d’œil au western de Leone. Le plan panoramique dévoilant progressivement la ville de Hill Valley en 1885 rappelle la présentation de la ville de Flagstone, par sa composition et son mouvement de caméra^{[réf. souhaitée]}.
• L’esthétique du film – gros plans sur les visages, lente montée de la tension avant les confrontations, importance de la musique – a inspiré de nombreux westerns ultérieurs et néo‑westerns, notamment ceux de réalisateurs comme Quentin Tarantino, qui a souvent cité Sergio Leone parmi ses influences majeures^{[réf. souhaitée]}.