En un lienzo cuadrado, usado por el autor por primera vez, con marco metálico diseñado por el propio Klimt y creado por su hermano menor Georg Klimt, grabador y metalúrgico. La diosa es representada armada, con sus símbolos iconográficos, y en la mano derecha una bola a modo de cetro donde la figura tradicional de Nike es reemplazada con una Nuda Veritas, símbolo del triunfo del arte auténtico. Esto enfatiza la representación de Atenea por parte de Klimt como un símbolo de libertad, fuerza y victoria. Klimt retomaría la figura de Nuda Veritas en una pintura de 1899, del mismo nombre, representando aún más los ideales secesionistas expresados en Palas Atenea. La coraza dorada de la diosa presenta una cabeza de Medusa de estilo arcaico con una lengua colgante, un detalle que algunos intérpretes ven como una burla a los oponentes del movimiento secesionista. El fondo muestra a Heracles luchando con Tritón. Para esta escena, Klimt se inspiró en un jarrón de figuras negras, que ahora se encuentra en el Museo de Arte de Toledo en Toledo, Ohio, Estados Unidos.
La obra muestra el alejamiento de Klimt de la pintura histórica tradicional, al combinar el cuerpo humano con patrones de escamas, espirales y ondas. En lugar de adherirse a una representación estrictamente figurativa, Klimt opta por un enfoque más estilizado. Con su audaz uso de pan de oro, la pintura suele considerarse la obra más temprana de la «fase dorada» de Klimt, que se extendió hasta 1909. La pintura comparte similitudes estilísticas con la obra homónima de Franz von Stuck, una figura destacada de la Secesión de Múnich. Al igual que Klimt, Stuck retrató a Atenea y otros temas griegos. Debido a sus estilos artísticos comparables y carreras similares en sus respectivas ciudades, los dos artistas fueron inevitablemente comparados por sus contemporáneos.
Klimt había representado a Atenea dos veces antes. Lo hizo por primera vez en una enjuta de una columna en el Kunsthistorisches Museum.[2]En esta representación, Atenea se presenta con su típica Nike y lanza, que recuerda a la estatua de Atenea Pártenos, y sitúa a Atenea entre vides y una figura desnuda, creando una representación más sexualizada de la diosa. La segunda representación, más abstracta y estilizada, apareció en el cartel de la primera exposición de la Secesión de Viena. Aquí, Atenea observa la batalla entre Teseo y el Minotauro, simbolizando la ruptura de la Secesión con la Künstlerhaus de Viena y presentando a Atenea como "liberadora de las artes". En esta imagen, Atenea es representada como la victoria personificada, separada de la lucha en el fondo de la pintura, en cambio, erguida orgullosa y divina. En comparación con las representaciones anteriores de Atenea de Klimt, su apariencia militar y distante es llamativa.
Palas Atenea se exhibió por primera vez en la segunda exposición de la Secesión de Viena en noviembre de 1898. Posteriormente se mostró en Londres en 1899 en la segunda exposición de la Sociedad Internacional de Escultores, Pintores y Grabadores y en la Exposición de París de 1900. Algunos espectadores contemporáneos se sorprendieron por la representación moderna de Atenea, como informó la revista de arte Kunst und Kunsthandwerk. La obra, atacada por algunos, recibió la defensa del colega de Klimt, Ludwig Hevesi, que describió a Palas Atenea como una «secesionista de hoy».[3]
