James Rosenquist

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James Rosenquist grandit comme enfant unique. Ses parents, Louis et Ruth Rosenquist, d'origine suédoise, sont des pilotes amateurs et déménagent de ville en ville à la recherche de travail, pour finalement s'installer à Minneapolis. Sa mère, elle-même peintre, encourage l'intérêt artistique de son fils. Au lycée, James Rosenquist remporte une bourse d'études à court terme pour étudier à la Minneapolis School of Art. Il étudie ensuite à l'université du Minnesota de 1952 à 1954^[2]. En 1955, à l'âge de 21 ans, grâce à une bourse, il s'installe à New York pour étudier à l'Art Students League. En 1960, il s'installe au Coenties Slip à New-York où il partage un studio avec l'artiste minimaliste Charles Hinman^[3]. C'est en 1965 que Rosenquist obtient sa renommée internationale avec sa peinture monumentale F-111, qui explorait le complexe militaro-économique qui s'était installé dans la culture américaine. On considère souvent l'œuvre comme étant une déclaration anti-guerre^[4].

Influencé par son métier de peintre publicitaire^[5], sur de très grands formats, sa perception des choses changera et il peindra des tableaux monumentaux et très colorés, des « fragments de réalité ».

Rosenquist est considéré comme l'artiste le moins rattaché au pop art. Cela est dû à sa peinture, son traitement et utilisation de l'image. Tout d'abord, si Rosenquist utilise une peinture commerciale, elle est épaisse et crémeuse, semblable à la peinture acrylique. Cette peinture ressemble à celle utilisée par Willem de Kooning, et sa touche est plutôt proche des maîtres anciens, avec de longs coups de pinceau saturé. Concernant les images qu'il utilise, Rosenquist a un traitement différent des autres pop artistes. Il ne cherche pas à savoir un style graphique - comme Jim Dine ou Roy Lichtenstein -, à être ingénieux - comme Claes Oldenburg -, et rejette systématiquement tout ce qui peut s'apparenter à une production mécanique - comme Andy Warhol. Les objets représentés ont des contours doux et arrondis et les formes sont modelés, alors que les autres artistes du mouvement préféraient des éléments plats avec des contours rugueux. Pour Rosenquist, l'intérêt des images qu'il utilise est la forme et non le contenu qu'ils contiennent. Par exemple, l'utilisation des spaghettis est lié à la couleur qu'ils donnent, et non l'aspect gastronomique à lequel il renvoie^[6].

Cependant, son affiliation au mouvement est dû à l'iconographie et aux couleurs que Rosenquist exploite. Nombre de peintures de l'artiste sont inspirées de la publicité. Il réutilise les techniques de son métier de peinture publicitaire. Ses œuvres, utilisant la peinture commerciale, sont souvent de grandes dimensions, et utilise des fragments de publicités, tirés de publicités pour le tabac, les voitures ou les boissons, et d'images culturelles pour souligner la nature écrasante de la publicité. Cette combinaison d'éléments incongrus entre eux, héritée du surréalisme, cherche à recréer l'esthétique de la publicité ou des produits et l'élève en tant qu'œuvre d'art. De plus, le manque des plans dans la perspective et l'utilisation de n'importe quels objets, utilisés par Rosenquist, caractériseront plus tard la peinture postmoderniste. L'artiste américain influencera également Jeff Koons et David Salle via les nombreux thèmes et la superposition des images^[6],[7].

Les peintures de Rosenquist, souvent de grandes dimensions, semblent être tirées du hasard, mais tous les éléments sont méticuleusement positionnés - il pratique souvent des collages pour réaliser des esquisses préparatoires. Sur le plan perspective, elles donnent des réflexions sur la perception de l'environnement et la vision de l'espace^[6].