Style auriculaire
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Le style auriculaire ou style lobé (en néerlandais : kwabstijl ; allemand : Ohrmuschelstil) est un style de décoration ornementale, principalement trouvé en Europe du Nord dans la première moitié du XVIIe siècle, reliant le maniérisme nordique et le baroque. Le style est particulièrement important dans l'orfèvrerie, mais également utilisé dans les ornements architecturaux mineurs tels que les portes et fenêtres, les cadres et une grande variété d'arts décoratifs[1]. Il utilise des formes abstraites fluides en relief, parfois asymétriques, dont la ressemblance avec la vue latérale de l'oreille humaine lui donne son nom, ou du moins ses « formes ondulantes, glissantes et désossées portent parfois une suggestion de l'intérieur d'une oreille ou d'une conque[2] ». Il est souvent associé à des formes animales marines stylisées ou à des masques et des formes ambigus.
Dans certaines autres langues européennes, le style est couvert par l'équivalent local du terme « baroque cartilagineux (en) », car les formes peuvent ressembler à du cartilage (par exemple Knorpelbarock en allemand, bruskbarokk en norvégien, bruskbarok en danois). Cependant, ces termes peuvent être appliqués assez largement et vaguement à une vaste gamme de styles d'ornement maniériste et baroque du Nord. En néerlandais, un style « dauphin et mollusque » est mentionné[3].
Bien qu'il y eut quelques précédents chez des artistes maniéristes italiens tels que Giulio Romano et Enea Vico[4], le style auriculaire peut être trouvé pour la première fois dans l'important livre d'ornement, Architectura: Von Außtheilung, Symmetria und Proportion der Fünff Seulen, par Wendel Dietterlin de Stuttgart, dans la deuxième édition de 1598. Il peut être trouvé dans les dessins de Hans Vredeman de Vries aux Pays-Bas et a été utilisé le plus efficacement entre les mains des orfèvres d'Utrecht Paul et Adam van Vianen et de l'élève de Paul, Johannes Lutma, qui s'est installé à Amsterdam. Un autre orfèvre hollandais qui a travaillé dans le style auriculaire était Thomas Bogaert (1597-1653). Au milieu du siècle, des dessins d'assiettes de M. Mosyn ont été publiés à Amsterdam[5]. Christian van Vianen, un fils d'Adam, a travaillé en Angleterre à la cour de Charles Ier et Charles II, et y a diffusé le style[2]. Une tasse russe au Walters Art Museum a été fabriquée en Russie en 1650-1670 dans un style auriculaire qui a probablement été copié à partir de pièces apportées par des commerçants hollandais, peut-être comme cadeaux pour faciliter les accords commerciaux[6].
Dans la ferronnerie, le style était en harmonie avec la nature malléable du matériau, donnant souvent l'impression que l'objet commençait à fondre. Elle contrastait avec le style maniériste précédent qui était fait de scènes figuratives bondées, comme par exemple dans l'Aiguière et bassin Lomellini (en) ci-contre. Cependant, certains travaux ont réussi à combiner les deux styles, comme dans un argent doré aiguière et bassin de 1630, a fait à Delft[pas clair] et maintenant à Utrecht, avec des éléments auriculaires remplaçant le motif du cuir découpé[7].
La plupart des œuvres clés se trouvent aux Pays-Bas, en particulier le Rijksmuseum d'Amsterdam, dont la collection comprend des ensembles d'aiguières et de bassins de Paul van Vianen (1613, avec Diana et Callisto) et Johannes Lutma (1647). Une aiguière commémorative dorée (en) d'Adam van Vianen (1614) est particulièrement importante[8].
L'aiguière d'Adam van Vianen est « une œuvre étonnamment originale qui est en grande partie abstraite et complètement sculpturale dans sa conception[9] ». Elle a été commandée par la guilde des orfèvres d'Amsterdam pour commémorer la mort de Paul, bien qu'aucun frère n'ait vécu à Amsterdam ou n'ait été membre de la guilde[9]. La pièce est devenue célèbre et apparaît dans plusieurs peintures hollandaises de l'âge d'or, à la fois des natures mortes et des peintures d'histoire, sans doute en partie parce que sa forme bizarre lui permettait de passer pour un objet d'une terre ancienne et étrangère, notamment pour figurer des scènes de l'Ancien Testament[10]. Selon James Trilling, c'est « l'une des rares œuvres ornementales qui mérite d'être reconnue comme un tournant dans l'histoire de l'art. La percée de Van Vianen a été l'introduction d'une forme incomplète ou indéterminée, qui a ouvert la voie à la fois à l'ornement rococo et moderniste[11] ». Il a été fait par la technique du repoussé à partir d'une seule feuille d'argent, et le repoussé était la principale technique utilisée dans l'argent auriculaire[9].
Le plateau de Diane et Actéon (en) de 1613 de Paul van Vianen (Rijksmuseum) montre des scènes du mythe de Diane et Actéon, avec une bordure de style auriculaire[12].
Le Bassin des dauphins, qui avait probablement autrefois une aiguière assortie, est une forme asymétrique aux motifs aqueux de Christian van Vianen (1635), maintenant au Victoria and Albert Museum de Londres[13].
