Yabu Pushelberg

George Yabu est un designer d'intérieur canadien et représente la moitié du couple fondateur de la firme Yabu Pushelberg.

Il décrit avoir été profondément influencé par son environnement familial et ses premières expériences artistiques. Yabu, né en 1953 à Toronto grandit au près d'une paire de parents japonais artisans : son père étant constructeur de bateaux et sa mère couturière, ils lui ont transmi une sensibilité au travail manuel et aux matériaux dès son enfance^[16]. Dans une interview, il raconte que son père fut choisi comme artisan pour construire le sanctuaire de Meiji, à Tokyo, pendant l'entre-deux guerres^[17]. Il décrit également avoir grandi dans une culture bouddhiste dans la reserve japonaise, et dit avoir subit beaucoup de racisme suite au contexte d'immigration massive des japonais au Canada à cet époque^[14].

Dans une interview avec Frame Magazine, il décrit l’importance de l’Expo 67 à Montréal, qu’il a visitée à l’âge de 12 ans, comme un moment marquant pour sa perception du design et de l’architecture, exposé à des structures expérimentales et futuristes comme le stade de Munich de Frei Otto. Ses études à l’Université Ryerson dans les années 1970 ont renforcé cette approche expérimentale : il choisit de se concentrer sur la photographie et le cinéma afin de comprendre la lumière et son impact sur l’espace, ce qui deviendra un élément central de sa pratique. Yabu explique : « Le plus grand atout du cours était qu’il éliminait toute idée préconçue que l’on pouvait avoir sur le design et nous exposait à de nombreux médias. J’ai choisi de me concentrer sur la photographie et le cinéma, qui étaient entièrement axés sur la lumière. C’était ma première expérience pour apprendre son impact dans un environnement. » Ces expériences ont façonné sa sensibilité à l’émotion et à l’atmosphère dans les espaces qu’il conçoit^[16].

Tout comme son partenaire, Glenn Pushelberg a traversé les rangs du programme de Design d'intérieur de l'Université Métropolitaine de Toronto (autrefois Université Ryerson), graduant en 1976. Il évoque avoir rencontré brièvement George Yabu lors de leurs études universitaires, mais explique que la paire s'est concrétisée plus tard, alors qu'ils recherchaient tous les deux un studio et ont abouti dans le même espace afin de réduire les coûts^[18].

Également dans l'interview avec Frame Magazine, Glenn Pushelberg dit avoir été influencé par son héritage familial et son désir de créativité dès sa jeunesse. Issu d’une famille où l’artisanat était présent — son grand-père travaillait le cuir et sa grand-mère tissait des tapis à partir de vieux vêtements — il a développé un intérêt pour les textures, les matériaux et la dimension tactile du design. Cette sensibilité à l’artisanat et aux détails personnels a guidé sa vision professionnelle. Pushelberg précise : « Il y a une histoire de savoir-faire du côté de ma mère. Mon grand-père était ouvrier en maroquinerie et ma grand-mère était tisserande. Je me souviens qu’elle avait de vieilles boîtes de vêtements qu’elle déchirait pour fabriquer de magnifiques tapis en chiffons colorés. » Cette expérience l’a sensibilisé très tôt à l’importance de la matérialité et du soin apporté aux objets, ce qui se retrouve dans la philosophie de Yabu Pushelberg, qui privilégie la création d’espaces émotionnels, narratifs et immersifs. Pour Pushelberg, « notre studio va au-delà d’une simple esthétique pour façonner des espaces qui influencent l’expérience », reflétant sa volonté de transformer chaque projet en un environnement où l’utilisateur ressent une dimension émotionnelle et personnelle^[16].

Le studio torontois de Yabu Pushelberg occupe un ancien centre de distribution alimentaire au 55, rue Booth, dans l'est de Toronto. Le bâtiment voisin, le 59, rue Booth, abritait auparavant la salle d'exposition Avenue Road, fruit d'un partenariat commercial entre George Yabu, Glenn Pushelberg et Stephan Weishaupt. Lors du déménagement d'Avenue Road, Yabu Pushelberg a acquis la propriété, réunissant les deux bâtiments pour créer un espace de 13 000 pieds carrés. Yabu Pushelberg a rénové les deux propriétés pour en faire un studio ouvert, comprenant désormais un espace de réception, une galerie, des salles de réunion, une commune, des bureaux de comptabilité, une bibliothèque d'échantillons, des casiers pour le personnel, des toilettes, une salle de massage et une terrasse extérieure. La propriété du 59 Booth a été transformée en une galerie de 925 pieds carrés qui présente des œuvres d'art permanentes de la collection d'art privée de George Yabu et Glenn Pushelberg, y compris une citrouille Yayoi Kusama spécialement commandée et des œuvres d' Anish Kapoor, Wolfgang Tillmans, Yutaka Sone, General Idea et Ooloosie Saila^[19].

Le studio new-yorkais de Yabu Pushelberg est fondé en 2001 et abrite les équipes de la firme en matière de stratégie de marque, d'éclairage, de gestion de projet, de durabilité, ainsi que les équipes légales, et trois équipes de design d'intérieur. Après dix ans à Soho, le studio a déménagé dans un immeuble historique de trois niveaux sur White Street, à Tribeca. Yabu Pushelberg a rénové chaque niveau de son espace, qui comprend la galerie, l'accueil du studio, une bibliothèque, un étage spécialisé, le studio de design d'intérieur et des salles de réunion. Le studio a également collaboré avec Molteni&C pour concevoir une cuisine en béton sur mesure, propice aux réunions informelles et aux échanges. Parmi les œuvres remarquables exposées dans la galerie du studio new-yorkais figurent des œuvres de Marcel Dzama, Hiroshi Senju, Hiroshi Sigimuto et Philip-Lorca diCorcia^[20].

La philosophie de design de l'agence repose principalement sur le storytelling et la narration, ainsi que des principes japonais et occidentaux comme le quiet luxury et le wabi-sabi, à travers l'union entre design et architecture, précisement en "créeant des environnements immersifs" qui "racontent des histoires"^[21]. Magasins, hôtels sont transformés avec avant tout une réflexion conceptuelle sur l'esthétique du lieu, en mettant l’accent sur l’interaction entre l’espace, la lumière et la matière, ainsi que sur l’intégration fluide de l’architecture et du design intérieur. Chaque projet est abordé comme un ensemble cohérent, où les éléments contribuent à une expérience narrative commune^[21], en s'appuyant sur "la recherche, l’expérimentation et la collaboration avec divers acteurs — clients, artisans et concepteurs"^[21], selon un article de la revue de design d'intérieur Specialty Hardware & Plumbing.

George Yabu décrit le processus créatif du studio comme une mise en scène : « Nous utilisons des personnages et un scénario imaginaire construit autour d’eux », ajoutant qu’« une mer de beaux meubles ne suffit plus à émouvoir ». Le duo cherche à susciter l’émotion plutôt qu’à suivre les tendances ; Yabu souligne que « dans le commerce de détail aujourd’hui, il est à la mode de créer des “moments Instagram”, ce que nous évitons », estimant que « la véritable vedette de l’environnement doit toujours être l’architecture »^[22].

Le studio possède avant tout un style extrêmement contemporain, voir avant-gardiste pour les domaines qu'ils abordent. Leur style est très ancré dans la tendance du "quiet luxury"^[17], un mouvement venu des élites américaines et européennes, qui consiste à avoir une apparence modeste et minimaliste, quasiment banale, mais avec une élégance luxueuse et un accent sur la qualité des matériaux, l'exclusivité et la qualité de l'artisanat. Le style Yabu Pushelberg est donc très influencé par ce principe de minimalisme, de discrétion et d'élegance subtile, avec un style aux couleurs mutées, un accent sur les formes et les volumes, comme les boules ou les cubes^[2]. Le style est souvent sobre, épuré, calme. Dans leurs influences principales, le duo cite avant tout l'esthétique japonaise, surtout grâce aux origines de Georges Yabu, étant japano-canadien. Ils intègrent souvent dans leurs designs la philosophie typiquement japonaise du wabi-sabi, principe bouddhiste zen, qui consiste à mettre en avant le côté typiquement modeste, inachevé, naturel, ou encore irrégulier, opposée à la perfection rigide^[23].

Leur design du JW Marriot de Tokyo, inauguré en octobre 2025 est par exemple qualifié de « paradis du wabi-sabi » par la revue de design COOL HUNTING^[23]

Lors d'une entrevue avec le magazine Frame^[22], l'agence Yabu Pushelberg sont interrogés par rapport à leur philosophie de design^[16]. Durant l'interview, Glenn Pushelberg affirme que « les espaces les plus réussis sont ceux qui provoquent une expérience émotionnelle », précisant que « les proportions, la lumière, la couleur, l’histoire et le mobilier doivent fonctionner en harmonie pour créer un espace sensuel ».

Leur approche met enfin l’accent sur l’expérience humaine : Pushelberg déclare que « notre studio va au-delà d’une simple esthétique pour façonner des espaces qui influencent l’expérience », tandis que Yabu insiste sur la « réflexion et l’intuition » nécessaires pour concevoir des lieux où « les gens veulent ressentir la part de romance qui se cache derrière chaque chose »^[16].

En 1984, Yabu Pushelberg conçoit son premier grand projet de design intérieur, une boutique Club Monaco à Toronto. En 1998, Yabu Pushelberg remporte le prix James Beard pour le restaurant Monsoon de Toronto, qui a suscité une attention internationale, notamment auprès de Barry Sternlicht de Starwood Capital Group^[24]. Peu après, Yabu Pushelberg a été sélectionné pour concevoir simultanément deux hôtels uniques aux budgets identiques : le fleuron W Hotels de New York (500 chambres)^[25] et le Four Seasons Marunouchi de Tokyo (57 chambres)^[26].

Yabu Pushelberg a travaillé pour des marques d'hôtellerie telles que Aman, American Express, EDITION Hotels ^[27] à Honolulu, Miami Beach^[28], à Londres^[29] et Times Square^[30], Four Seasons Kuwait Burj Alshaya^[31], à New York Downtown, Toronto^[32], à Tokyo, Park Hyatt Bangkok^[33], à New York, Shenzhen^[34], Park Lane Hotel^[35], à Rosewood Guangzhou^[36], à Viceroy Maldives Resort^[37], à Ritz Carlton et à Las Alcobas, à Mexico.

Parmi ses projets de vente au détail figurent le grand magasin LVMH La Samaritaine^[38], à goop MRKT à Toronto^[39] à Bergdorf Goodman, à Barneys à New York^[37], à Louis Vuitton, à Hong Kong ;^[32] à Lane Crawford Home, à Hong Kong ; au Printemps Paris ;^[40] et à Tiffany & Co. Ltd, à Wall Street, à New York^[41]

Au début des années 2000, le duo est sélectionné pour concevoir deux projets majeurs au budget identique : en 2001, le W New York (500 chambres), caractérisé par un langage urbain et sensuel, et le Four Seasons Marunouchi à Tokyo (57 chambres), salué pour son intimité et sa sobriété. Ces deux hôtels installent définitivement le studio comme l’un des acteurs les plus influents du design hôtelier contemporain^[42].

Dans les années 2010, Yabu Pushelberg signe plusieurs projets emblématiques, notamment le Four Seasons Toronto (2012), souvent décrit comme une réinterprétation moderne du luxe canadien^[43],[44], ainsi que le Four Seasons New York Downtown (2016), où le duo associe matériaux nobles, volumes calmes et une palette apaisée, montrant leur style « quiet luxury»^[45].

La fin de la décennie est marquée par deux projets largement relayés dans la presse spécialisée : le Park Hyatt Shenzhen^[46] (2019), inspiré de l’évolution culturelle de la ville, et The Times Square EDITION (2019), un hôtel conçu comme un refuge minimaliste au cœur du quartier le plus animé de New York^[9].

Plus récemment, le studio poursuit son travail dans l’ultra-luxe avec les Aman Residences Tokyo (2023), où il développe une esthétique méditative influencée par les matières naturelles et l’artisanat japonais, consolidant sa position dans le design résidentiel haut de gamme^[47].

Yabu Pushelberg est considérée comme une des agences les plus prolifiques dans le monde de l'hôtellerie, ayant réalisés selon l'agence elle-même plus de "66 hôtels" en 2023^[42].

L'agence concoit aussi plusieurs projets résidentiels privés, tels que leur propre "beach house'' (maison à la plage) à Amagansett^[48], dans l'état de New York, un apartement new-yorkais dans West Village^[49] ainsi que l'éclairage d'une maison sur Bennington Heights à Toronto^[50].

En 2024, le studio Yabu Pushelberg aménage un lounge en collaboration avec l’artiste Bruno Mars au Bellagio Casino à Las Vegas. The Pinky Ring est un bar de 5 000 pieds carrés soit 465 mètres carrés qui est nommé en référence aux tuiles roses et rougeâtres installés dans la salle de bain du lieu^[51].

La conception du lounge est inspirée de la demande de Bruno Mars, voulant un espace qualifié de « retro chic » inspiré des années 70. L’une des stratégies instaurées par Yabu Pushelberg pour appliquer cette thématique fut, entre autres, d’installer un conversation pit de 36 places^[52]. L’aménagement réalisé par le studio propose un style contemporain luxueux, tout en incluant des éléments de l’Art déco^[53]. L’espace est caractérisé par une grande présence de courbes ainsi que d'éléments de nature circulaire, en clin d'œil aux nominations et prix remportés par Bruno Mars, selon le studio Yabu Pushelberg^[52].

La Samaritaine est un grand magasin historique situé dans le 1ᵉʳ arrondissement de Paris. Fondé en 1870, il s’est développé au début du XX^e siècle avec la construction de bâtiments Art nouveau (1910, par Frantz Jourdain) puis Art déco (1928, architecte Henri Sauvage).

En 2005, l’ensemble ferma pour des raisons de sécurité, et après un long processus de rénovation — acquise en 2001 par le groupe LVMH — l’institution a rouvert en 2021 sous la dénomination « Samaritaine Paris Pont-Neuf ^[54]».

Le projet de rénovation — piloté par l’agence japonaise SANAA pour l’architecture^[55] et par Yabu Pushelberg pour l’aménagement intérieur — conserve les éléments patrimoniaux (toit vitré Eiffel-style, escalier monumental, fresques, ferronneries, céramiques Art nouveau/déco) tout en intégrant des interventions contemporaines majeures^[56].

Yabu Pushelberg a pris en charge la refonte intérieure de la partie historique (bâtiment « Pont-Neuf »). Le studio a choisi des matériaux nobles et contemporains : notamment un sol en terrazzo, évoquant les pavés parisiens, et une palette de couleurs douce, combinant bois clairs, métaux bronzés et la teinte grise-bleue d’origine des ferronneries. Dans une interview, Glenn Pushelberg explique que l’équipe a « eu la chance de travailler à partir d’un cadre historique magnifique », ce qui a permis d’imaginer un intérieur contemporain sans dénaturer le bâtiment. Le studio souhaitait créer un environnement retail « explorable, avec des hauts et des bas » afin de maintenir l’attention du visiteur dans un grand magasin réparti sur cinq étages, conçu comme un « matrix » où l’expérience doit rester fluide et sans fatigue^[2].

Le magasin rénové offre un espace lumineux, avec l’immense verrière restaurée, une cage d’escalier majestueuse au centre, et des balcons en fer forgé redonnant vie à l’esprit Art nouveau^[57].

Aman Residence est composé de 91 appartements étendus sur 11 étages situés dans la tour Azabudai Hill Mori JP. Cette tour est la plus grande tour résidentielle au Japon et a ouvert ses portes en novembre 2023^[58].

Le studio Yabu Pushelberg était chargé du design intérieur des résidences et a opté pour un aménagement de style asiatique aux influences européennes. Les espaces aménagés s'inspirent de la culture japonaise et du style western. L'inspiration principale de l'aménagement d'Aman Residence est la relation entre la terre, l'océan et le ciel. En effet, les teintes de couleurs ainsi que les textures de plusieurs pièces imitent l’apparence de la terre^[59]. L’entrée est caractérisée par une sculpture flottant au-dessus d'un bassin afin que dès leur arrivée, les usagers soient incités à renouer avec la nature qui les entoure^[58].

Yabu Pushelberg a conçu des collections de produits^[60] pour des marques internationales^[61] dont Avenue Road Furniture^[62], B&B Italia, Collection Particulière^[63] De Padova, Eggersmann, Fantini, Glas Italia, Henge^[64], Lasvit, Ligne Roset^[65], Linteloo, Marset, Man of Parts, Molteni&C^[66], Neinkamper, Pampaloni, Salvatori^[67], Tai Ping, Tribu, Van Rossum, Warp and Weft.

Leur travail dans le design de produit consiste principalement de meubles haut de gamme, notamment des collections de mobilier de maison, comme "Nodu", "Elio", et "Amanu"^[68], réalisées en 2022 avec la marque de mobilier belge Tribú^[69], ou encore la collection "pukka", marquée par des couleurs vives et des formes douces, en collaboration avec la marque Ligne Roset. Le studio produit aussi des meubles en petite quantité avec des marques plus luxueuses, notamment la table "Nacre"^[70] avec le verrier/fabricant italien Glas Italia, ou le "Gentle Sofa", avec le fabricant Henge.

La marque designe également, en collaboration, un grand nombre d'équipements de robinetterie, et de salle de bain, pour des fabricants comme Eggersman, Fantini ou CEA, ainsi que de nombreux autres produits de maison, allant de décorations, étagères, verres, aux luminaires, mobilier extérieur et miroirs.