Peinture de la Grèce antique

La peinture, sur panneaux et murale, était considérée, par les Grecs eux-mêmes, comme « l'essence même du beau et le fond de l'art »^{[N 2]}. La Pinacothèque, lorsque l'on arrivait sur l'Acropole d'Athènes, à gauche, après avoir franchi les Propylées, avait été érigée au milieu du V^e siècle pour en exposer plusieurs chefs-d'œuvre ^[1], plus précisément une galerie de tableaux, où les panneaux peints étaient accrochés au-dessus d'un lambris d'appui. Ils faisaient l'admiration de tous ceux qui se plaisaient à s'y attarder, tout au long de l'Antiquité, en particulier Pausanias, auteur latin d'un récit de voyage en Grèce resté célèbre par les descriptions détaillées de certains tableaux dont on a conservé le souvenir grâce à lui. Sur l'Agora, la Stoa Poikilè - aussi « Pœcile » dans la traduction de Pausanias - présentait plusieurs grands tableaux de peinture.

L'histoire a retenu plusieurs noms de peintres par les commentaires élogieux des grecs eux-mêmes ou des voyageurs dans l'antiquité. Les plus renommés de l'époque classique furent Polygnote (470-440), Apollodore (actif autour de 408), Zeuxis (464-398), Timanthe (fin V^e - début IV^e siècle), Protogène et Apelle (tous deux de la seconde moitié du IV^e siècle)^[2]. Les textes grecs et latins qui évoquent la peinture antique, en particulier celle des Grecs, ont été collectés, traduits et groupés par Paul Milliet (1844-1918) puis par Adolphe Reinach (1887-1914) et publiés en français en 1921, puis réédités en 1985^[3]. Les descriptions minutieuses permettent de se représenter non seulement l'action mais aussi jusqu'à l'expression des regards, jusqu'au drapé, comment il couvre ou découvre le corps en fonction du moment dans l'image^{[N 3]}. Mais les peintures, murales et sur panneaux, sont perdues. Cependant les découvertes qui se suivent depuis 1977 et actuellement, des tombes royales et de l'élite hellénistique en Macédoine, révèlent le talent d'artistes hors pair. Ces commandes d'exception n'ayant pu être confiées qu'aux meilleurs artistes, ce serait ceux dont les noms nous ont été transmis par les textes. Mais leur signature n'apparait pas encore, en 2017.

À cette liste il faut ajouter la liste bien plus importante des peintres sur céramique. Certains d'entre eux sont gravés sur les céramiques. Tous les autres étant identifiés par les chercheurs et on leur attribue un nom, de manière arbitraire, en rapport avec le potier, ou avec un vase remarquable la plupart du temps. Leur production pouvant être reconstruite sur des critères esthétiques^[4]. Peut-être parce que la Grèce disposait de nombreux gisements d'argile de qualité exceptionnelle, les ateliers de céramistes y ont prospéré tout au long de l'antiquité^[5]. Et en raison de sa relative pauvreté dans les autres domaines, le commerce des céramiques a été la source principale d'enrichissement pour Athènes à l'époque classique. La terre rouge de l'Attique et celle, chamois clair, de Corinthe étant particulièrement remarquables^[6]. Mais l'essentiel de la production n'était pas décorée : amphores commerciales, céramiques communes et culinaires de « consommation » quotidienne.

Les inscriptions sur les céramiques nous renseignent aussi sur le climat de franche rivalité qui régnait entre les ateliers de céramistes, et qui n'a pas d'équivalent dans le domaine, moins documenté, de la peinture murale ou sur panneau, comme en ce qui concerne la sculpture grecque antique^[7]. Par ailleurs, la langue grecque ne fait pas de distinction entre nos « artisans » et nos « artistes », il n'y a que des « tekhnitai » (« fabricants »)^[8].

Il faut noter aussi que la peinture a été, de tous temps employée sur les sculptures^{[N 4]}. Le professeur Vinzenz Brinkmann est spécialiste de cette polychromie^{[N 5]} ancienne à l'Université de Bochum et à la Archaeology Foundation de Munich qui a monté l'exposition à succès : « Dieux en couleurs (en) », tout comme dans le décor architectural. La peinture à l'encaustique était appliquée au moins au IV^e siècle sur les grandes sculptures de marbre, comme en témoignent un vase du Metropolitan Museum^[9] et le choix de Praxitèle. Au milieu du IV^e siècle, la sensualité de son « Aphrodite de Cnide » devait être accentuée par la peinture, réalisée par le peintre Nicias. Celui-ci utilisait, selon Pline l'Ancien^[10],« la technique de la circumlitio, où les effets d'ombre et de lumière étaient particulièrement travaillés »^[11].

Dans les peintures grecques comme en sculpture, le motif qui domine, et de très loin, tous les autres est la figure humaine^[12]. Le motif du corps « nu », celui de l'homme bien plus que celui de la femme, est un motif constant et récurrent tout au long de l'art grec antique. Le traitement, apparemment de plus en plus « naturaliste » du corps humain - sujet dominant des représentations figurées - se manifeste par de nombreuses séries de variations du nu dans la Grèce antique.

C'est dans le prolongement de ces variations sur le motif du corps plus ou moins nu que l'art grec fit école et influença profondément tout l'art occidental^[13]. On en trouve un exemple dans la tentative de recomposition de tableaux disparus d'après leur description antique : c'est le cas de « La Calomnie d'Apelle » de Botticelli, à la Renaissance, en Italie. C'est aussi le cas de peintures qui s'inspirent de copies romaines, comme « Rencontre d’Hercule et Télèphe en Arcadie », qui est une copie romaine d'après un original grec. Laquelle a servi de modèle à Ingres pour la pose de Madame Moitessier assise^[14]. Après son passage dans les musées et sur les sites archéologiques de Rome, Florence, Pompéi, Herculanum et Naples, au printemps 1917, Picasso renoue avec la diversité des peintures de la Renaissance ou de l'Antiquité (par ex. "Jeunes femmes jouant aux osselets", copie romaine d'après Alexandros d'Athènes^{[N 6]}).

Picasso s'est aussi plu à faire référence à la peinture grecque, dans un registre plus étendu, celle sur céramique et la représentation animalière. On peut prendre pour exemple les céramiques réalisées à Valauris^[15], où l'on trouve entre 1946 et 52 un motif indéfiniment sujet à variations par les peintres de céramique grecque : la chouette, attribut d'Athéna et symbole d'Athènes.

Beaucoup des peintures de grand format, sur panneaux ou murales, se trouvaient à l'intérieur des temples et des autres édifices publics, jusqu'à la fin du V^e siècle, puis de plus en plus dans des édifices privés. La Pinacothèque [littéralement : « dépôt de tableaux »] (milieu du V^e siècle avant l'ère commune), située à gauche des Propylées, l'entrée monumentale à l'Acropole d'Athènes^[1], servit à installer une galerie de tableaux, où des panneaux peints étaient accrochés au-dessus d'un lambris d'appui. Bien que Pausanias (au II^e siècle de notre ère), dans sa Description de la Grèce, y parle des images «que le temps n'avait pas effacées» il s'agit bien de tableaux^[16], dont deux tableaux de Polygnote. La Pinacothèque était aménagée afin de pouvoir accueillir des banquets publics de 17 lits. Par ailleurs Athènes possédait un autre espace qui présentait des peintures : sur l'Agora, la Stoa Poikilè, (aussi Pœcile dans la traduction de Pausanias) un portique qui présentait plusieurs tableaux de peinture^[17], dont une peinture réalisée par Polygnote et offerte par lui à la cité d'Athènes. D'autres collections, privées, ont vu le jour ensuite^[18].

Parmi les peintures documentées par Pausanias, celles peintes par Polygnote à la lesché des Cnidiens, à Delphes, ont fait l'objet de nombreuses études en fonction des connaissances dont disposaient les chercheurs. Une étude récente, en 2000, par Catherine Cousin, revient sur ces peintures sous l'intitulé « Composition, espace et paysage dans les peintures de Polygnote à la lesché de Delphes »^[19]. Selon Pausanias, les tableaux, [très probablement sur bois], se trouvaient, en symétrie, l'un à gauche, l'autre à droite en entrant.

• Les vases. Aux origines de la peinture sur vase en Grèce, la richesse des ornements et des scènes peintes sur céramique, devait être extrêmement attrayante, surtout aux yeux des non Grecs. Ces vases peints pouvaient être exposés, utilisés lors des fêtes, à des occasions exceptionnelles, ou offerts^[20]. Les scènes, sur les coupes ou sur les autres vases, étaient commentées, permettant à chacun de se distinguer par ce qu'il en disait au cours des banquets. Certains très grands formats, à l'époque classique, comme les coupes du Peintre de Penthésilée de 40 à 70 cm, « étaient à l'évidence surtout destinées à être exhibées »^[21]. Il est certain que des « ensembles » de vases, des « services de table », des « services de mariage » ont été commercialisés, parfois pour l'exportation, et préservés en parfait état jusqu'à être déposés dans les tombes. Ce qui montre leur très grande valeur dans le monde antique. Les répliques sont exceptionnelles. Il n'existait pas de  livre de modèle, c'était chaque fois une création^[22].

À Athènes ces artisans, les technitaï, constituent un milieu^[23]. Ils sont beaucoup plus isolés ailleurs. Autour d'un maître-potier, quelques salariés constituent un atelier. Il existe parfois des quartiers de potiers, comme à Athènes et à Métaponte, mais l'étude de ces implantations reste à faire^[24].

L'art grec s'est transmis par le savoir-faire (le métier, parfois sur plusieurs générations) et par les styles : les ateliers des quelques cités productrices^[23]. Ce qui assure une grande continuité et un enchaînement des phases créatrices. Il n'y a pas de rupture, d'avant-garde. Mais l'esprit de compétition entre les artisans et entre les cités assure cet enchaînement de phases créatrices, son dynamisme.

Une étude globale^[25], historique, des productions artisanales (peintures sur vase, figurines de terre cuite, de bronze ou d'ivoire, reliefs architecturaux, stèles funéraires, statues, profils monétaires) offre l'occasion de constater, à un moment donné, des parallélismes entre les formes (peintures /statues, etc.). Par exemple celui que l'on peut constater, à l'époque archaïque, entre l'Éphèbe blond et tel profil par le Peintre de Berlin. Ce phénomène peut être constaté en divers moments de l'art grec. Il faut donc envisager le fonctionnement concret de ces communautés décloisonnées d'artisans, eux-mêmes en partie polyvalents ; il existe des sculpteurs peintres de leurs sculptures, mais d'autres qui confient leurs marbres à des peintres renommés. Leur clientèle les rapproche. Entre eux, ils échangent informations et commentaires autant qu'ils rivalisent. Ces communautés d'artisans semblent apparaître, dans le domaine de la peinture hellénistique, en raison de pratiques identiques de la couleur^[26] : les savoirs techniques sont partagés entre peintres de grande peinture et peintres sur céramique, ou sur marbre.

Le Submycénien s'étend de 1200 à 1050 av. J.-C. environ. Il s'agit de la première phase des âges obscurs, la première des quatre périodes de la Grèce antique. À cette époque, la céramique est identique à celle de la civilisation mycénienne. Le vase aux Guerriers, retrouvé sur l'acropole de Mycènes et datant des environs de 1150-1120 av. J.-C. en est un bon exemple. La céramique mycénienne perdure donc au début de l'époque historique, avant de disparaître au milieu du XI^e siècle av. J.-C.

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Le milieu du XI^e siècle av. J.-C. est une période de rupture. La céramique mycénienne disparaît pour de bon, et laisse place au style protogéométrique. Le tour est plus rapide et l'argile est mieux épuré. L’usage de demi-cercles et cercles concentriques dessinés au compas caractérise ce style nouveau.

Parmi les premiers supports, les amphores cinéraires offrent leurs belles courbes au décor à l'engobe noir. Ce sont de grands vases qui ont été enterrés, et qui contenaient les cendres de personnalités suffisamment riches pour être ainsi traitées après leur mort. L'amphore était entourée de nombreux vases brisés sur le bûcher^[27].

Le décor peint de style géométrique IX^e – VIII^e siècle, inventé par Athènes^[28], est d'abord constitué de lignes et d'ondes régulières ainsi que de cercles concentriques tracés au compas. Un décor géométrique envahit progressivement toutes les surfaces disponibles. Puis les figures humaines s'inscrivent, surtout dans le cadre d'objets liés aux célébrations funéraires, en silhouettes juxtaposées dans un décor dense composé en registres superposés, figuratifs en haut et plus géométriques en bas.

Le style orientalisant se manifeste dès vers 720 à Corinthe avec le style protocorinthien, qui invente la technique de la céramique à figures noires vers 690 et se spécialise dans les formes ornementales, détaillées et surtout commercialisables (650-630). Ensuite Athènes se distingue avec le style protoattique (710-600), plus narratif. Tandis que dans la Grèce de l'Est l'art encore géométrique laisse, à la fin du VII^e siècle une grande place aux frises animales, dont les célèbres « chèvres sauvages ». Ainsi se déploie un style plus souple qui invente à profusion formes et scènes nouvelles sur des prototypes orientaux qui servent de moteurs à l'inventivité grecque^[29].

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  Amphore cinéraire^[30] attique. Géométrique ancien, 900-850. H. 75 cm. Musée de l'Agora
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  Vase monumental signalant la tombe d'un homme. Lamentation de femmes, procession de chars et fantassins.
  H. 108 cm. Met.
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  Cratère funéraire attique : l'exposition du corps^[31]. Fin du style géométrique, v. 750-735. Met.
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  Ulysse et le cyclope. Col d'une amphore funéraire attique, style noir et blanc, v. 660. MArch Éleusis
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  Aryballe protocorinthien en forme de chouette, vers 640. Louvre

Plusieurs caractéristiques pour cette période : les vases à figures noires avec détails gravés, et la rivalité entre les deux grands centres de production de céramique : Corinthe et Athènes. La convention, qui durera longtemps, des femmes en blanc et celle des hommes en rouge ou noir reflétait une réalité, les femmes étant maintenues à la maison et les hommes ayant la liberté d'aller à l'extérieur, la couleur de leur peau s'en ressentait. Un bon exemple pour cette période c'est un petit tableau qui orne la panse d'un vase corinthien : on y voit un groupe de femmes, aux corps blancs, les cheveux dénoués et qui entourent le lit funèbre d'Achille, au visage noir^[32]. Des inscriptions permettent d'identifier les acteurs de la scène. Le bouclier à la Gorgone repose au sol. Face aux productions corinthiennes, les vases athéniens s'imposent vers 575-550. Cette période voit se développer la pratique de vastes scènes plutôt que de registres superposés, où les frises d'animaux et géométriques avaient recouvert auparavant la quasi-totalité des surfaces. Le vase François est l'exemple ultime et exceptionnel de scènes superposées sur cinq registres. Avec les vases à figures noires dont l'âge d'or se situe vers 550-530^[33], l'usage d'une scène sur chaque face, entre les anses, se généralise et chacun des deux panneaux se détache en clair et mat sur fond noir, brillant. Exékias, peintre et potier, opère cette rupture radicalement et avec une qualité dans la composition des figures et des scènes qui est tout à fait exceptionnelle^[34].

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  Pixide corinthienne^{[N 7]}, frises d'oiseaux, v. 625-600. H. env. 10 cm. Musée national de céramique, Sèvres
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  Scène de banquet, symposion. Eurytios et Héraclès. Cratère à colonnettes corinthien, v. 600, figures noires et rouge foncé sur argile claire. Louvre^[35]
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  Déploration d'Achille par Thétis et les Néréides. Hydrie corinthienne à figures noires, 560-550. Louvre
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  Vase François, cratère à volutes attique, à figures noires, 570-560. Florence MNArch.
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  Vase François, anse. Ajax transportant le corps d'Achille. 570-560. Florence MNArch.

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  Plaque votive^[36] en bois provenant de la grotte de Pitsa (sanctuaire de Pan et des Nymphes^[37]) H. 15 cm, région de Corinthe, v. 540-530. Athènes MNArch.
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  Achille et Ajax jouent aux dés. Amphore d'Exékias. 540-530. Vatican
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  Suicide d'Ajax. Amphore d'Exékias à figures noires. Athènes, vers 530. Boulogne-sur-Mer.

Cette période voit l'invention des vases à figures rouges et les premières recherches dans l'expression de la troisième dimension. Les détails anatomiques sont précisément retranscrits dans la couleur noire, qui est employée pour le fond mais plus ou moins diluée pour les traits, jusqu'à prendre une légère couleur dorée. Enfin ce sont aussi des céramiques à fond blanc, mais à décor monochrome, noir.

Vers 530, avec l'invention du vase à figures rouges c'est le fond qui est noir, la figure conserve la couleur de la terre cuite, rouge-orangée en Attique. Les détails, autrefois incisés dans le noir, sont tracés au pinceau et à l'engobe noir plus ou moins dilué^[38]. La précision des détails convient à un décor délicat, celui que l'on rencontre aussi sur les stèles funéraires et les statues peintes de cette époque à Athènes d'avant la guerre et enfouies après le sac d’Athènes de 480^[39]. Rapidement les peintres se confrontent aux premiers essais de représentation du corps de l'homme nu, à l'anatomie détaillée, comme celui du héros Sarpédon, dont Euphronios restitue le corps pantelant avec une minutie étonnante^[40] et le bascule en avant, dans la troisième dimension.

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  Le transport du corps de Sarpédon. Cratère d'Euphronios (peintre), v. 515. Metropolitan Museum, N.Y.
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  Femme nue à l'autel. Coupe du peintre de l'Agora, v 510-500. Musée de l'Agora antique d'Athènes
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  Achille et Patrocle. Coupe du Peintre de Sosias, v. 500. Altes Museum, Berlin
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  Femme à la toilette. Peintre : Douris, v. 500. Coupe attique à figures rouges, D. 26,9 cm. Met.
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  Peltaste combattant une panthère ; inscription: kalos. Face A d'une tasse attique à fond blanc, déb. V^e. Louvre
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  Rython en forme de tête de mule. Peintre de Brygos, v. 480. Musée de l'Ermitage.

Les héritiers des peintres sur céramique de la fin du VI^e siècle abandonnent les décors fastueux. Pour le Peintre de Berlin la figure seule, même parfois sans ligne du sol, occupe tout une face avec force, sans omettre le réalisme minutieux des détails.

Dans le visage de profil, l'œil est de profil aussi. L'ébauche est parfois à la limite du visible, sous forme d'un trait légèrement gravé dans le support, avant qu'il ne soit totalement sec. Le trait définitif ne coïncide presque jamais avec cette ébauche, qui sert seulement à tester une mise en place du sujet. Les peintres maîtrisent toutes les positions et la torsion des corps avec des compositions vigoureuses. L'adoption de la troisième dimension, dans la grande coupe du Peintre de Penthésilée, met au premier plan la mise à mort de la reine des Amazones. Elle ne montre pas sa douleur, telle une véritable héroïne qui croise le regard de celui qui lui donne la mort. Derrière eux, un soldat à gauche, et à droite une Amazone au costume étrange, morte à leurs pieds : vue de face. Comme si la vue de face, exceptionnelle, ne pouvait s'appliquer qu'aux étrangers, aux morts, mais aussi au satyre, à la ménade, à la femme et au banqueteur, enfin, à la Gorgone^[41] ; une tradition qui remonte au moins aux premières figures de Gorgone et qui existe aussi dans l'art égyptien.

Dans la Tombe du Plongeur, le fait qu'il s'agisse d'une tombe à ciste (à coffre) a permis d'en décorer les parois internes. Mais ce n'est pas une habitude des Grecs^[42]. Dans ce contexte la scène de banquet à nombreux personnages, dont un jeune échanson et une petite flutiste, est l'occasion de faire vivre pour l'éternité de joyeux convives, qui boivent et chantent, jouent au cottabe et échangent des gestes de tendresse. « Symbolise-t-elle une belle vie préparant à l'au-delà ? Et serait-ce ce passage que signifie, sur le couvercle, la silhouette pure du plongeur qui, au milieu d'une nature à demi chuchotée par deux arbres, va s'engloutir dans l'onde ? »^[43].

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  Hoplite armé. Inscriptions (des noms et kalos) en partie effacées^{[N 8]}. Terre cuite: fond blanc, figure rouge, H. 65,5 cm. 525-475. Acropole
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  Ganymède du Peintre de Berlin, cratère attique à figures rouges, v. 480. Louvre.
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  Couvercle de la « Tombe du Plongeur ». 480-470. Peinture a tempera sur sinopia (ébauche).
  Paestum, musée d'Archéologie
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  Idem, intérieur de la tombe, mur Nord. Banquet : jeune homme imberbe (éphèbe) et homme adulte, barbu, qui attire le plus jeune à lui.
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  Sportifs au repos et leurs javelots. Peintre de Pistoxénos, médaillon d'un kylix attique à figures rouges, 480-460. Altes Museum, Berlin.
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  « Achille et Penthésilée », (Grecs et Amazones). Peintre de Penthésilée.
  470-460. Coupe, D. 43 cm. Munich.