ダン・グレアム

ダン・グレアムは、イリノイ州アーバナに、化学者の父と教育心理学者の母のもとに生まれた。3歳のときにイリノイ州からニュージャージー州ウィンフィールド・タウンシップへ移り、その後、近郊のウェストフィールドに転居した。

彼は高校卒業後、正式な教育を受けることはなく、独学で学んだ。10代の頃には、マーガレット・ミード、クロード・レヴィ＝ストロース、文芸批評家のレスリー・フィードラー、そしてフランスのヌーヴォー・ロマンの作家たちを読んでいた。

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ダン・グレアムは、1964年、22歳のときにニューヨーク市でジョン・ダニエルズ・ギャラリーを設立し、美術家としてのキャリアを開始した。彼は1965年まで同ギャラリーで活動し、その後、自身のコンセプチュアルな作品の制作を始めた。在廊中には、カール・アンドレ、ソル・ルウィット（ルウィットにとって初の個展）、ドナルド・ジャッド、ロバート・スミッソン、ダン・フレイヴィンといったミニマル・アートの作家たちの作品を展示した。

1968年には、彼の作品が前衛的な雑誌『0 to 9』（ヴィト・アコンチとバーナデット・メイヤーが共同編集、1967年から1969年まで刊行）に掲載された。この雑誌は言語や意味生成の実験で知られていた^[1]。

自身の制作においてグレアムは、ミニマリズムとコンセプチュアル・アートの交差点で活動する、幅広い領域にまたがるポスト・コンセプチュアル・アーティストであることを示した。彼の作品は、パフォーマンス・アート、インスタレーション、映像、彫刻、写真など多岐にわたる。委嘱作品には、《Rooftop Urban Park Project》のために制作された《Two-Way Mirror Cylinder Inside Cube and Video Salon》（1981–1991）がある。そのほかアメリカ国内では、マサチューセッツ工科大学の《Yin/Yang》、ミネアポリス彫刻庭園の迷路、ミドルベリー大学、そしてマディソン・スクエア・パークでのプロジェクトなどがある。

グレアムの作品は常に、コンセプチュアル・アートあるいはポスト・コンセプチュアル・アートの実践に強く根ざしていた。初期の作品には、《Figurative》（1965）や《Schema》（1966）といった、写真や数的配列（数列）を用いた作品があり、しばしば雑誌に掲載された。とりわけ後者では、掲載される雑誌の物理的構造そのものを作品内容に取り込んでいる。そのため同一の作品であっても、それが置かれる物理的／構造的な位置によって変化することになる。初期の重要作としては、テキストを伴う雑誌形式の写真シリーズ《Homes for America》（1966–67）があり、1960年代の住宅開発がもたらす単調さや疎外感と、その「望ましさ」との対比、さらには印刷物としての幾何学的構造を提示している。その他の作品には《Side Effects/Common Drugs》（1966）や《Detumescence》（1966）などがある。

ダン・グレアムはその後、彫刻、パフォーマンス、映画、映像へとコンセプチュアルな実践を拡張し、《Rock My Religion》（1984）や《Performer/Audience/Mirror》（1975）といった代表作を生み出した。

《Public Space/Two Audiences》（1976）や《Yesterday/Today》（1975）といったインスタレーションは、屋内外に設置されるパヴィリオン作品の制作へとつながっていく契機となった。彼の数多くのコンセプチュアルなパヴィリオン、たとえば《Two Way Mirror with Hedge Labyrinth》（1989）や《Two Way Mirror and Open Wood Screen Triangular Pavilion》（1990）は、作家としての評価をさらに高めた。

グレアムにとって最初の建築的な彫刻プロジェクトは、ベルリンのクンスト＝ヴェルケ現代美術研究所における《Café Bravo》であった。ベルリン芸術大学での講演の後、同機関の創設者であるクラウス・ビーゼンバッハがグレアムにパヴィリオンの構想を依頼し、その実現を支援した。

2009年のサラ・レラー＝グライヴァーの出版物『Pep Talk』において、グレアムは「自分に影響を与えた芸術家と建築家」（アルファベット順）として、以下の名前を挙げている：

マイケル・アッシャー、ラリー・ベル、ダン・フレイヴィン、長谷川逸子、ソル・ルウィット、ロイ・リキテンスタイン、ロバート・マンゴールド、ブルース・ナウマン、クレス・オルデンバーグ、篠原一男、マイケル・スノウ、ミース・ファン・デル・ローエ、ロバート・ヴェンチューリ

批評家のブライアン・ウォリスは、グレアムの作品について、「現在という概念への深い信頼を示しており、想像力に富んだ新しい分析的探究の形式、事実記録的な報告、そして空間／時間関係の準科学的なマッピングを通じて、戦後アメリカ文化を理解しようとした」と述べている。

グレアムの作品はまた、公民権運動、ベトナム戦争、女性解放運動など、さまざまな社会的・文化的変化から影響を受けている。これらの歴史的出来事や変化は、コンセプチュアル・アートやミニマリズムの展開にも影響を与えた。

ダン・グレアムは、初期の写真や版画作品において、主としてミニマリズム的な美学を示していた。数列、言葉、グラフ、図像などを用いた版画作品には、そのミニマルな特質が強く反映されている。後年の作品はよりコンセプチュアルな性格を帯び、内的空間と外的空間の関係、そして想定されていた境界が変化したときの観者の知覚を探究するものとなった。

ジョン・ダニエルズ・ギャラリーを離れて間もなく、グレアムは写真シリーズの制作を開始し、それは1960年代から21世紀初頭まで継続された。彼は雑誌作品について次のように述べている：

1960年代には、貨幣的価値を打ち負かそうとする考え方が広く存在していた。だから私は、作品を雑誌のページに掲載することで、それらが価値を持たない使い捨てのものになるようにしたかった。そしてそれはまたハイブリッドでもあった。というのも、その作品は美術批評とエッセイの組み合わせであり、雑誌のページそのものが作品となるものだったからだ。

 

これらの写真は、公共的な建築と私的な建築の関係、そしてそれぞれの空間がいかに人間の行動に影響を与えるかを問いかけている。彼の最初期のコンセプチュアルな作品のいくつかは、数列を用いた印刷物のさまざまな形式を扱っていた。1965年、ダン・グレアムは《Homes for America》のシリーズのためにカラー写真の撮影を開始した。そこに写されたのは、アメリカ郊外に建つ一戸建て住宅であった。この写真シリーズは、テキストの空間における最初期の作品の一つであり、『Arts Magazine』に見開き2ページの記事として掲載された。この「記事」は、写真を含む複数のテキストの組み合わせから成っている。写真はまた、フィンチ・カレッジ美術館で開催された展覧会「Projected Art」にも出品された。1969年には、観客の社会的ダイナミクスを探究し、彼らを作品の中に組み込むパフォーマンスや映画に関心を移し、全長約80フィートに及ぶ写真作品《Sunset to Sunrise》へとつながっていった。

1960年代後半から1970年代後半にかけて、グレアムは主としてパフォーマンスを基盤とする実践へと移行し、サイバネティクス、現象学、身体性に関する体系的な探究の中で、映画や新しいメディアであった映像を取り入れた。1969年には最初の映画《Sunset to Sunrise》を制作し、カメラが太陽の進行方向とは逆に移動することで、時間の進行を反転させる試みを行った。この作品は、1970年代初頭にかけて展開される彼の映像作品の象徴的なものであり、「主観的で時間に基づくプロセス」を、知覚的・運動的な実験を通して探究するものであった。ここではカメラは身体の延長として用いられ、観者の主観性もまた作品に巻き込まれている。

この時期の他の映像作品には、《Two Correlated Rotations》（1969）、《Roll》（1970）、《Body Press》（1970–72）があり、いずれも二台のカメラの相互作用、あるいは二つの映像の並置を特徴としている。《Roll》（1970）は、ブルース・ナウマンの初期作品に類似した現象学的パフォーマンスである。《Body Press》では、裸の男女が凹面鏡で内張りされた円筒の中で背中合わせに立ち、自分自身と歪んだ反射像を撮影する。この作品において、鏡像は重要な主題として導入され、以後グレアムはパフォーマンスや映像作品、さらには後年の建築的作品においても、このテーマを繰り返し探究していくことになる。

ダン・グレアムは、自身の作品について「表象という概念の限界――すなわち、芸術家と観客のあいだの状況を必然的に規定する慣習的な限界――を定義するためのモデル」であると述べており、1970年代のパフォーマンスはこの関係論的アプローチを前景化している。これらの作品においてグレアムは、特にジャック・ラカンの理論に代表される構造言語学の考え方を明確に参照している。

1972年のパフォーマンス作品《Two Consciousness Projections》は、関係性の現象学的側面への関心を際立たせるものであり、ビデオ・フィードバックの反射的機能を用いている。このパフォーマンスでは、女性がモニターの前に座り、モニターには背後にいる男性が持つビデオカメラからのライブ映像として彼女自身の姿が映し出される。女性は自らの意識の内容を語ろうとし、一方で男性はカメラ越しに彼女を観察しながらその様子を記述する。この作品は、自己知覚と表象の実験として提示されており、複数の“鏡像的装置”によって調整されている。すなわち、モニター上の自分の像、男性によって描写される「彼女の像」、さらに両パフォーマーが観客の存在を意識しているという状況である。

グレアムは自身のテキストにおいて、鏡に映る自分を見るときに生じる「内的意図」と「外的に見える行動」との分断を解体することへの関心を示し、そのための技術的かつ概念的手段としてビデオ・フィードバックを提案している。彼の多くのパフォーマンス作品は、思考と表現、内と外のあいだに生じる即興的な相互作用を提示・活用するものであり、この境界の解体は、演者と観客、私的領域と公共領域といった二項対立にも拡張されている。

この問題系を最も複雑に探究した作品が《Performer/Audience/Mirror》（1977）である。この作品でグレアムは、大きな鏡と観客のあいだに立ち、自身、観客、自身の鏡像、そして観客の鏡像について、連続的なコメントの段階を追いながら記述していく。《Two Consciousness Projections》の主題をさらに発展させたこの作品は、観客自身を自己知覚のフィードバック循環の中に巻き込むものである。

ダン・グレアムは、自身のパフォーマンス作品を記録した映像も数多く制作している。たとえば1972年の《Past Future Split Attention》では、二人の知人の会話が同時発話や割り込みによって錯綜し、騒音のような状態へと変化していく様子が示されている。もう一つの主要な記録作品として、《Performance/Audience/Mirror》（1975）がある。

またグレアムは、インスタレーションの中にも映像を取り入れ、映像技術によって観者自身の身体的経験が変容する環境を構築した。1974年には、《Time Delay Room》と呼ばれる一連の映像によるインスタレーションを制作し、時間遅延を伴うクローズド・サーキット・テレビカメラと映像投影を用いた。

さらに彼は、《Rock My Religion》（1983–84）や《Minor Threat》（1983）といった映像ドキュメンタリーも制作している。《Rock My Religion》（1984）は、ロック音楽を一つの芸術形式として捉え、アメリカにおけるシェーカー教の発展と対比させる作品である。彼は18世紀以降のシェーカー教における信仰や迷信の変化を観察し、それをロック文化の発展と関連づけた。この作品は広く配給され、ヨーロッパおよびアメリカの美術館やオルタナティブな文化拠点で上映されている。

《Minor Threat》は、同名のバンド（マイナー・スレット）を取り巻く若者文化を記録したものであり、このサブカルチャーの社会的含意を分析している。グレアムはそれを「部族的儀礼であり、主に男性のティーンエイジャーからなる観客の暴力性や欲求不満を触発する触媒」として捉えている。

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グラハムの作品のいくつかは、彫刻と建築の境界を曖昧にするものだといわれている。1980年代以降、彼は「パヴィリオン」と呼ばれる自立型の彫刻作品の連作に取り組んだ。来場者が中に入ることのできるパヴィリオンの制作を始めて以降、グラハムの人気は高まり、世界各地から委嘱を受けるようになった。

彼のパヴィリオンは、鋼とガラスによって構成された彫刻であり、鑑賞者を日常の環境や空間認識から切り離し、異なる空間体験を生み出す。作品は、巨大なガラスや鏡のパネル、あるいは反射性と透過性を併せ持つハーフミラーガラスによって構成されることが多い。木製の格子や鋼も、彼の作品でよく用いられる素材である。

MIT List Visual Arts Centerは、グラハムのパヴィリオンを「厳密にコンセプチュアルで、独自の美しさを持ち、公共性を強く志向したもの」と評している。これらのパヴィリオンは、鑑賞者に特有の体験を生み出すものであり、公共的な体験のために制作されている。また、建築と美術を融合させた存在でもある。

ダン・グラハムのパヴィリオン作品は、西沢立衛および妹島和世が手がけた金沢21世紀美術館の設計と比較されてきた。この建築のガラス壁は、グラハムの彫刻作品と同様に光を反射し、歪める。また、その層状でありながら簡潔な性質もグラハムに非常に似ているとされる。両者は空間と光の探究において共通点を持つ構造である。

1981年、グラハムはニューヨークで10年にわたるプロジェクトに着手した。《トゥー・ウェイ・ミラー・シリンダー・インサイド・キューブ・アンド・ビデオ・サロン》は、「ルーフトップ・アーバン・パーク・プロジェクト」の一環として制作された作品である。彼は建築家モジュデ・バラトルーおよびクリフトン・バルチと協働してこの作品に取り組んだ。この透明かつ反射的なパヴィリオンは、西22丁目548番地の屋上を屋上公園へと変貌させた。周囲の風景や光の変化を取り込み、空とともに強烈な視覚効果を生み出すこの作品は、彼のキャリアの中でも最もよく知られた作品の一つとなっている。

ヨーロッパで数多くの委嘱を受けたのち、《チルドレンズ・パヴィリオン》（1988–93）は、グラハムがアメリカで初めて依頼を受けて制作した作品となった。これはジェフ・ウォールとの協働によるもので、国家の子どもたちに関わるコンセプチュアルな作品である。建物は円形の部屋で、上部には透明でありながら反射性も持つオクルス（天窓）が設けられており、外部の鑑賞者が内部を覗き見ることもできる。室内の壁面には、さまざまな国籍や民族的背景を持つ子どもたちを写したウォールの円形フレームの写真9点が配置されている。それぞれの子どもは半身像として、空を背景に下方から見上げる視点で描かれており、各写真ごとに異なる空が選ばれている。

1991年には、ヴィッテ・デ・ウィット現代美術センターがロッテルダムのオモールト地区でこのパヴィリオンの実現を試みたが、この計画は最終的に1994年に中止された。関連作品としては、《チルドレンズ・パヴィリオン（シャンブル・ダミ）》(1986)、《スケートボード・パヴィリオン》(1989)、および《サン＝ジャンスレインの子どもたちのためのファンハウス》(1997–99)などがある。

2014年、グラハムはスイスのランドスケープ・アーキテクトであるギュンター・フォークトとの協働により、《ヘッジ・トゥー・ウェイ・ミラー・ウォークアバウト》（2014）という一時的インスタレーションを、メトロポリタン美術館の屋上に制作した。このパヴィリオンは、わずかに反射性を持つガラスによるS字型の曲線と、その両端に配置された平行なツタの生け垣によって構成されている。その後グラハムは、イギリスのファッションデザイナーであるフィービー・ファイロと協働し、彼女の2017年春夏コレクションを発表するための、S字型のスチールとガラスによるパヴィリオンを制作した。

グラハムによるその他の実現されたパヴィリオンには、以下のものがある：

• 《クレイジー・スフェロイド ― 二つの入口》（2011）— もともとニューヨーク植物園のために設計され、現在はマサチューセッツ州リンカーンのデコルドヴァ美術館・彫刻公園に設置
• 《ノルウェーの木製格子、曲面の二方向ミラーによる分割》（2010）— ノルウェー、レモンショーエン湖畔
• 《カレイドスコープ／ダブルド》（2010）— フランス、ラ・ロシェル
• 《半円筒／穿孔スチール三角囲い》— ベルギー、コルトレイク
• 《二つのV字と二つの半円筒（非整列）》— ベルギー、ブリュッセル
• 《一本の直線を一本の曲線が横切る》（2009）— スイス、バーゼルのノバルティス本社
• 《ダッカ・パヴィリオン》（2008）— マドリードのソフィア王妃芸術センター
• 《二つの半円筒》（2008）— バンクーバー、レンニー・コレクション
• 《ハーフ・スクエア／ハーフ・クレイジー》— イタリア、コモのカサ・デル・ファッショ
• 《マニエリスムからロココへ》（2007）
• 《ヴィラノヴァ・アルチガスへのオマージュ》（2006）— サンパウロ・ビエンナーレ
• 《分割された三角形、内部曲線》（2002）— ブルマジーニョのインホチン
• 《内側曲線をもつ分割三角形》（2002）— ニューヨーク、マディソン・スクエア・パーク
• 《ウォータールー・サンセット》（2002–2003）— ロンドンのヘイワード・ギャラリー
• 《陰／陽パヴィリオン》（1997／2002）— マサチューセッツ州ケンブリッジ、MIT（スティーヴン・ホール設計の学生寮内）
• 《トゥー・ウェイ・ミラー／ヘッジ ― ほぼ完全な円》（2001）— ドイツ、デュッセルドルフのK21シュテンデハウス
• 《ザンクト・ガレンのためのSカーブ》（2001）— ハウザー＆ワース・コレクション
• 《リヴォリ門パヴィリオン》（2000）— トリノのリヴォリ城
• 《有孔スチールとカーブしたハーフミラーの三角形》（2000）— 東京都現代美術館
• 《異なる二つのアナモルフォーシス面》（2000）— スウェーデン、ワノース城
• 《ヒポ銀行のための通路》（1999）— ドイツ、ミュンヘン
• 《ダビデの星パヴィリオン》（1999）— テルアビブ美術館
• 《楕円形パヴィリオン》（1995／1999）— ベルリン
• 《カフェ・ブラーヴォ》（1998）— ベルリンのクンスト＝ヴェルケ現代美術研究所
• 《曲面と直線の二方向ミラーおよび開放障子スクリーン三角形》（1998）— ケルンのルートヴィヒ美術館
• 《アルゴンヌ・パヴィリオンII》（1998）— 個人蔵
• 《円形挿入をもつ三角形ソリッド》（1997）— 千葉市美術館
• 《二つの二方向ミラー平行四辺形と片側バランス螺旋溶接メッシュ》（1996）— スコットランド国立美術館
• 《二方向ミラー曲面ヘッジ・ジグザグ迷路》（1996）— ミドルベリー大学
• 《一辺が曲面の二方向ミラー三角形》（1996）— ノルウェー、ヴォーガン
• 《二方向ミラーと穿孔アルミニウム三角形》（1996）— 元はコペンハーゲンの王立射撃クラブ庭園、現在はアルケン近代美術館
• 《放物線的三角形パヴィリオンI》（1996）— ノルトホルン
• 《二方向ミラー穿孔スチール・ヘッジ迷路》（1994–1996）— ミネアポリスのウォーカー・アート・センター
• 《ブッフベルク城のためのダビデの星パヴィリオン》（1991–1996）— ガルス・アム・カンプ
• 《ダブル・エクスポージャー》（1995／2003）— ポルトのセラルヴェス財団
• 《平面によって分割された円筒》（1995）— 直島のベネッセハウス・ミュージアム
• 《ダブル・シリンダー（キス）》（1994）— サンフランシスコ近代美術館
• 《ナントのための新しい迷路》（1992–1994）— ナント
• 《水上の三角橋》（1990）— セントルイスのラウメイヤー彫刻公園
• 《ハンブルクのためのダビデの星パヴィリオン／三角屋根を45度回転させた三角形パヴィリオン》（1989／99）
• 《円形挿入をもつ三角形ソリッド、ヴァリエーションD》（1989）— ピッツバーグのカーネギー美術館
• 《円形挿入をもつ三角形ソリッド》（1989）— ヴェネツィアのペギー・グッゲンハイム・コレクション
• 《円形開口部をもつ三角形パヴィリオン》（1989–2000）— 各地
• 《スケートボード・パヴィリオン》（1989）— 各地
• 《ミュンスターのための八角形》（1987）— ドイツ、ミュンスター
• 《二方向ミラー・パーゴラ橋 I》— フランス、クリッソン
• 《パヴィリオン彫刻 II》（1984）— ストックホルム近代美術館
• 《ルーフトップ・アーバン・パーク・プロジェクト》（1981／91–2004）— ニューヨーク
• 《隣接する二つのパヴィリオン》（1981）— オランダ、クレラー＝ミュラー美術館
• 《アルゴンヌのためのパヴィリオン／彫刻》（1978–81）— イリノイ州アルゴンヌ国立研究所

• 《希望の門》（1993）— ドイツ、シュトゥットガルトのライプフリート庭園

ダン・グラハムは、注目すべき量のテキスト作品も残している。彼は美術批評家としても活動し、同時代のアーティストや美術、建築、映像、さらにはロック音楽について洞察に富んだ論考を執筆した。彼の著作と作品は、『Dan Graham Beyond』（MIT Press、2011年）、『Rock My Religion: Writings and Projects 1965–1990』（ブライアン・ウォリス編）、および『Two Way Mirror Power: Selected Writings by Dan Graham on His Art』といった複数のカタログや書籍に収録されている。

2007年のPerformaにおいて、グラハムはニューヨークを拠点とするバンドJapantherのパフォーマンスのために舞台装置をデザインした。彼はそれ以前にもJapantherと協働しており、ロック・パペット・オペラ《Don't Trust Anyone Over Thirty: Entertainment》を、トニー・アウスラーほかの協力者とともに2004年に制作している。

ダン・グラハムは、2022年2月19日、ニューヨークにて79歳で死去した。

• Homes for America, 1967, John Gibson
• Piece, 1969, Cindy Hinant, New York.^[2]
• Opposing Mirrors and Video Monitors on Time Delay, 1974, San Francisco Museum of Modern Art.
• Yesterday/Today, 1975, Stedelijk Van Abbe Museum, Eindhoven, the Netherlands.
• Back-Yard New Housing Project, 1978, Lisson Gallery, London.
• Two Way Mirror with Hedge Labyrinth, 1989, Lisson Gallery.
• Pavilion Influenced by Moon Windows, 1989.
• Untitled sculpture, 1996, installed in Vågan, North Norway.^[3]
• Triangular Pavilion with Circular Cut-Out Variation C, 1989–2000, Lisson Gallery Swimming Pool/Fish Pond, 1997, Patrick Painter Editions.
• Two Way Mirror with Lattice with Vines Labyrinth, 1998, Lisson Gallery.
• Girls Make-Up Room, 1998–2000, Hauser & Wirth Zürich London.
• Greek Meander Pavilion, Open, 2001, Lisson Gallery.
• Bisected Triangle, Interior Curve, 2002, Madison Square Park.
• Waterloo Sunset at the Hayward Gallery, London, 2002–03.^[4]
• Terminal 5 In 2004, the dormant Saarinen-designed TWA Flight Center (now Jetblue Terminal 5) at JFK Airport) briefly hosted an art exhibition called Terminal Five,^[5] curated by Rachel K. Ward^[6] and featuring the work of 18 artists^[7] including Dan Graham. The show featured work, lectures and temporary installations drawing inspiration from the terminal's architecture^[7] — and was to run from October 1, 2004, to January 31, 2005^[7] — though it closed abruptly after the building itself was vandalized during its opening gala.^[6][8]
• Sculpture or Pavillion?, 2015, Museum De Pont

グラハムの最初の個展は、1969年にニューヨークのジョン・ダニエルズ・ギャラリーで開催された。1991年には、ロンドンのリッソン・ギャラリーにおいて、彼のパヴィリオンと写真作品の展覧会が開かれた。さらに重要な展覧会として、「パブリック／プライベート」があり、この展覧会は4つの会場を巡回した。パヴィリオン、建築写真や模型、パフォーマンス、ビデオ・インスタレーションを含むこの展覧会は、1994年にムーア芸術デザイン大学で開幕した。

2001年には、35年にわたるキャリアを総覧する回顧展が開催された。この展覧会は、パリ市立近代美術館、オランダ・オッテルローのクレラー＝ミュラー美術館、そしてフィンランド・ヘルシンキのキアズマ現代美術館などで開催された。

2009年には、アメリカでも大規模な回顧展が企画され、ロサンゼルスのロサンゼルス現代美術館、ニューヨークのホイットニー美術館、ミネアポリスのウォーカー・アート・センターで展示された。

また、グラハムの作品は、ヴェネツィア・ビエンナーレ（1976年、2003年、2004年、2005年）、ドクメンタV、VI、VII、IX、X（1972年、1977年、1982年、1992年、1997年）、さらに「ミュンスター彫刻プロジェクト」1987年および1997年にも出品されている。