ルイーズ・ネヴェルソン

1899年〜1920年代：幼年期から青年期

ルイーズ・ネヴェルソン（本名リア・バーリアフスキー、1899年生）は、ロシア帝国ポルタヴァ県ペレヤスラウに、建築業者で材木商のアイザック・バーリアフスキー^[1]と、妻ミナ^[1][2] （サディ^[3]）との間に生まれた^[3]。家族は比較的裕福に暮らしていたが、1880年代から一族の多くは次々とアメリカへ移住していた。

アイザックは末子で両親の世話をしなければならなかったため、一家はロシアに留まらざるを得なかった。ヨーロッパ在住中に、長男ネイサン（1898年生）と長女アニタ（1902年生）^[4]が誕生している。母の死を機に^[4] Isaac moved to the United States in 1902.^[3]、1902年にアイザックは単身アメリカへ渡った。その後、ミナと子どもたちはキーウ近郊に移り住んだが、幼いルイーズは父の不在を嘆き、半年間言葉を失ったと伝えられている^[4]。

1905年、ミナと子どもたちはアメリカへ移住し、メイン州ロックランドでアイザックと合流した^[1]。アイザックは当初、生活基盤を築くのに苦労し、うつ症状に悩まされながらも、木こりとして働き、その後は廃品置き場を経営した^[4]。材木に触れる生活は家庭の中に常にあり、のちにネヴェルソン作品の主要素材として大きな影響を与えることになる^[5]。やがて彼は製材所と不動産業で成功を収めた^[3]。1906年には末娘リリアンが誕生した^[4]。ネヴェルソンは母ミナと深い絆で結ばれていたが、母もまた移住やユダヤ人としての少数派的境遇により、うつに苦しんでいたとみられる。その反動から、母は自らや子どもたちを「旧国」で流行とされた洗練された服装で飾り立てた^[4]。派手な衣装に濃い化粧を施した姿は、ネヴェルソンにとって「芸術」であり「誇り」であり「仕事」であったと記されている。彼女は母を「宮殿に住むべき人」と形容している^[2]。

芸術との最初の出会いは9歳のとき、ロックランド公共図書館で見たジャンヌ・ダルクの石膏像であった^[6] 。その後すぐに美術を志すようになり、高校では美術の授業を受けるとともにバスケットボール部の主将も務めた^[1][2]。室内の水彩画を描き、家具を分子のような構造で表現するなど、後年の作風を思わせる作品をすでに生み出していた。女性像もしばしば登場した。家庭ではイディッシュ語を話していたため、学校では英語の習得にも励んだ^[2][4]。家の経済状況や言語の壁、地域社会での宗教差別、学校への不満などから、彼女はニューヨークで学ぶことを望むようになった^[7]。

1918年に高校を卒業後、地元の法律事務所で速記係として勤務するなかで、航運業「ネヴェルソン・ブラザーズ・カンパニー」を営むバーナード・ネヴェルソンと知り合った。彼の紹介で兄チャールズと出会い、1920年6月、ボストンのコープリー・プラザ・ホテルでユダヤ式の結婚式を挙げた。裕福な家系に嫁ぐという両親の願いを果たした彼女は、新夫とともにニューヨークへ移り住み、絵画・素描・歌唱・演劇・舞踊を学び始めた^[7]。1922年には息子マイロン（のちにマイクと呼ばれる）を出産し、彼もまた彫刻家となった^[2][3]。義家族の反対を受けながらも美術の学びを続け、「夫の家族は極めて洗練されていた。その世界ではベートーヴェンを知ることは許されても、自分がベートーヴェンであることは決して許されなかった」と述懐している^[7]。

1924年、家族はニューヨーク州ウェストチェスター郡のマウント・バーノンへ転居したが、ネヴェルソンは都市の生活や芸術的環境から切り離されることを嘆いた^[7]。1932年から33年の冬、夫が望んだ社交界の妻となることを拒み、チャールズと別居^[3]。以後、彼からの経済的支援を受けることもなく、1941年に正式に離婚した^[1]。

1930年代：学びと実験

1929年から、ネヴェルソンはニューヨークのアート・スチューデンツ・リーグで本格的に美術を学び始めた[4]。彼女はメトロポリタン美術館で開催された能装束（能の着物）展を、美術研究をさらに深める契機となった出来事として挙げている^[2]。1931年には、息子マイクを親族のもとに預け、元夫からマイク誕生の際に贈られたダイヤモンドのブレスレットを売却して渡欧資金にあてた^[2]。ミュンヘンではハンス・ホフマン^[3]に師事し、その後イタリアやフランスを訪れた。1932年にニューヨークへ戻ると再びアート・スチューデンツ・リーグで学び、1933年にはディエゴ・リベラと出会い、ロックフェラー・プラザにおける壁画《十字路に立つ人間》の制作助手を務めた。二人は恋愛関係にあり、そのことはリベラの妻であり、ネヴェルソンが大いに敬愛していた画家フリーダ・カーロとの間に亀裂を生むこととなった^[2]。まもなくネヴェルソンはエデュケーショナル・アライアンスで彫刻を学び始めた。

ネヴェルソンはリトグラフやエッチングなど他の技法にも挑戦したが、最終的に彫刻を中心に据える決断を下した。初期の作品は石膏、粘土、タルク石などで制作されている。1930年代にはグループ展への出品を始め、1935年にはニューヨーク市ブルックリンのマディソン・スクエア・ボーイズ＆ガールズ・クラブで、ニューディール政策の一環である公共事業促進局（WPA）で壁画制作を指導した。1939年まで、イーゼル画部門や彫刻部門でWPAに従事している^[1]。1936年にはニューヨークのA.C.Aギャラリーズで初の彫刻コンクールに入選した^[8]。当時、困窮していたネヴェルソンは息子とともに街を歩き、暖炉の燃料となる木材を拾い集めていたが、その薪が後に彼女を有名にする作品制作の出発点となった^[2]。1930年代の活動は彫刻、絵画、素描と幅広く、インクや鉛筆によるドローイング、半抽象的なテラコッタの動物像、油彩画なども手がけている^[9]。

1940年代：初期の展覧会

1941年、ネヴェルソンはニーレンドルフ・ギャラリーで初の個展を開催し、1947年まで同ギャラリーに所属した。その在籍中、彼女は地元の靴磨きから靴磨き用の箱を譲り受け、これをニューヨーク近代美術館に展示したことによって初めて大きくメディアの注目を集めた。1943年11月には『アート・ダイジェスト』誌に彼女を紹介する記事が掲載されている^[10]。同年、ネヴェルソンはペギー・グッゲンハイム主催の「31人の女性による展覧会」（ニューヨーク、アート・オブ・ディス・センチュリー・ギャラリー）に出品した^[11]。

1940年代に入ると、ネヴェルソンは石、ブロンズ、テラコッタ、木材などを素材としたキュビスム的な人物習作を制作するようになった。1943年にはノーリスト・ギャラリーで「The Clown as the Center of his World（世界の中心としての道化）」と題する展覧会を開催し、拾得物を用いてサーカスを主題とする彫刻を発表した。しかし評価は芳しくなく、その後1950年代半ばまで拾得物の使用を控えることになる^[1]。こうした不評にもかかわらず、この時期の作品はキュビスムに触発された具象的抽象や^[9]、シュルレアリスム的な実験性を探求するものであった。1940年代は、後の1950年代に確立される彼女独自のモダニズム的様式を形作るうえで、素材、芸術運動、そして自らの実験を蓄積する時期となったのである^[12]。

1950年代〜1960年代：中期の活動

1950年代に入ると、ネヴェルソンは可能な限り多くの展覧会に出品し続けた。しかし、賞の受賞や批評家からの評価の高まりにもかかわらず、経済的には困窮を続けた。この頃、ニューヨーク州グレート・ネックの公立学校で成人教育プログラムの一環として彫刻を教えるようにもなった^[1]。彼女の作品は次第に人間のスケールを超え、モニュメンタルな大作へと発展していく。さらに中南米を訪れ、マヤ文明の遺跡やグアテマラの石碑からも影響を受けた^[12]。1954年には居住していたキップス・ベイの通りが再開発のため取り壊されることになり、近隣住民が退去後に残していった廃材を素材として活用するようになる^[13]。1955年にはコレット・ロバーツ主宰のグランド・セントラル・モダン・ギャラリーに所属し、数多くの個展を開いた。

この時期には代表的な中期作品《黒い月の花嫁》や《最初の人影》、そして初めての壁面作品《天空の大聖堂》を含む展覧会「Moon Garden + One」（1958年）が発表されている。1957年から58年にはニューヨーク美術家協会支部長を務め、フィラデルフィア支部の元会長ノーマン・カートンと親交を深めた^[14]。1958年にはカートンの紹介でマーサ・ジャクソン・ギャラリーに加わり、経済的に安定を得るとともに、同年『ライフ』誌の表紙を飾り、初の同ギャラリーでの個展も開催された^[15]。

1960年にはパリのダニエル・コルディエ画廊でヨーロッパ初の個展を開催。同年、ニューヨーク近代美術館での企画展「Sixteen Americans」に《夜明けの婚礼》が出品された。1962年にはホイットニー美術館が黒一色の壁面作品《ヤング・シャドウズ》を購入し、彼女にとって初の美術館収蔵作品となった。同年には第31回ヴェネツィア・ビエンナーレにも選出され、1964年まで全米美術家協会の会長を務めた^[1]。

しかし1962年、マーサ・ジャクソンを離れシドニー・ジャニス・ギャラリーに移籍したものの、初の個展では作品が一つも売れず、前渡し金をめぐってギャラリー側と対立。裁判沙汰となり、経済的にも精神的にも追い詰められた^[16]。この時期、ロサンゼルスのタマリンド・リトグラフィ・ワークショップ（現タマリンド研究所）で6週間のフェローシップを得て渡米。「版画には当時さほど関心がなかったが、とにかくニューヨークを離れる必要があったし、全ての費用がまかなわれた」と後に語っている^[17]。

タマリンドでは計26点のリトグラフを制作し、当時までのフェローシップ参加者の中で最も多作な成果を挙げた。チーズクロスやレース、布地などを版石に用いる独自の手法で、多彩なテクスチュアを生み出した^[18]。創作意欲と資金を取り戻したネヴェルソンは1963年秋にニューヨークへ戻り、ペイス・ギャラリーと契約。以後晩年まで同ギャラリーで定期的に発表を続けた。1967年にはホイットニー美術館で初の大規模回顧展が開催され、1930年代のドローイングから最新作まで100点以上が展示された。また1964年にはホロコースト犠牲者を追悼する《600万人へのオマージュI》《同II》を制作している^[19]。この頃には助手としてダイアナ・マッカウンらを雇うようになり、経済的にも芸術的にも確固たる地位を築いていた^[1]。

1970年代〜晩年：後期の活動

ネヴェルソンは晩年においても木材を主素材とし続けたが、同時にアルミニウム、プラスチック、金属など新しい素材にも挑戦した。1969年制作の《ブラック・ザグX》（ホノルル美術館蔵）は、プラスチック素材フォーマイカを取り入れたオールブラックのアッサンブラージュ作品の一例である。 1969年秋にはプリンストン大学から初の野外彫刻制作を委嘱された^[20]。その後、初の屋外大作を完成させた彼女は「思い出してほしい、私がモニュメンタルな屋外彫刻に取り組んだのは70代に入ってからのこと……私は木の囲いを通り抜け、影を通り抜け、閉ざされた空間を超えて、ついに開放された場所へと出ていったのだ。」と述懐している。さらに彼女はプレキシグラスや耐候性鋼（コールテン鋼）のような新素材を「祝福のようなもの」と称賛している^[20]。

ネヴェルソンは、自らの作品が気候変動に耐えうること、そして作品規模の制約を超えて自由に制作できることを積極的に受け入れた。これらのパブリック・アート作品はリッピンコット鋳造所によって制作された。公共彫刻の委嘱は経済的に大きな成功を収めたが、美術史家ブルック・カミン・ラパポートは、大型の鋼鉄作品にはネヴェルソン特有の「直感的な身振り」が必ずしも表れていないと指摘している[25]。それにもかかわらず、1969年にはエドワード・マクダウェル・メダルを授与されている^[21][22][23]。

1972年から1973年にかけて、ネヴェルソンは《ドリーム・ハウス》シリーズを制作した。これは小さな木片を組み合わせて家の形を構成し、彼女の作風に特徴的に黒一色で彩色されたものである^[24]。これらの作品は、正面性をもつ壁面構成が中心であった従来の作風と異なり、完全な立体として成立している点に特徴がある。ただし、各ファサードには一目でネヴェルソン作品とわかる造形的要素が備わっている^[24]。

1973年、ウォーカー・アート・センターが大規模な回顧展を企画し、この展覧会は2年間にわたり巡回した。1975年には、マンハッタン中心部にある聖ペテロ・ルーテル教会の礼拝堂を設計した^[1]。ユダヤ人芸術家としてキリスト教をテーマにした作品を手がけることについて問われた際、ネヴェルソンは自身の抽象表現は宗教的な境界を超越するものであると語っているref name="R23"/>。同年には、フィラデルフィアのジェームズ・A・バーン連邦裁判所に大型木彫作品《ビセンテニアル・ドーン》を制作・設置した^[25][26]。

生涯の後半期、ネヴェルソンは「小柄でありながら華やか」^[27]と評される自己のスタイルを確立し、それによって名声と人格を強固なものにした。彼女はドラマチックなドレスやスカーフ、大きなつけまつげを身につけることで、その独自のイメージを築き上げた^[28]。画家アリス・ニールが「どうしてそんなに美しく装えるのか」と尋ねた際、ネヴェルソンは自身の性的に自由な生き方を示唆しつつ「セックスよ、親愛なる人、セックス」と答えたという。彼女の衣装の多くはデザイナーのアーノルド・スカーシが手がけている^[2]。

1988年4月17日に死去した^[1]。