La redención de Cam
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| Ham's Redemption | ||
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| Autor | Modesto Brocos Gómez | |
| Creación | 1895 | |
| Ubicación | Museu Nacional de Belas Artes (Brasil) | |
| Material | Óleo y Lienzo | |
| Dimensiones | 199 centímetros × 166 centímetros | |
La redención de Cam es una pintura al óleo sobre lienzo creada por el artista español Modesto Brocos (Santiago de Compostela, 9 de febrero de 1852 – Río de Janeiro, 28 de noviembre de 1936) en 1895. La obra aborda las controvertidas teorías raciales de finales del siglo XIX y el fenómeno de la búsqueda del "blanqueamiento" gradual de las generaciones dentro de la misma familia a través del mestizaje.[1] La obra fue pintada mientras Brocos impartía clases en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro.[2]
Actualmente, la pintura forma parte de la colección del Museo Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro, presente en la exposición “De las galerías a las galerías: representaciones y protagonismos de la población negra en la colección del MNBA”, que busca ofrecer una mirada a las representaciones y protagonismos de la población negra en 80 obras presentes en la colección del museo.[3]
La pintura es producto de un momento posterior a la emancipación de los esclavos,[4] marcado por la persistencia del racismo en la esfera pública y la "necesidad" de acciones respecto al destino de la población negra y mestiza en el orden libre y republicano.[5] La obra alude al primer libro de la Biblia, Génesis, capítulo 9. En el episodio, Cam expone la desnudez y la embriaguez de su padre, Noé, a sus hermanos Sem y Jafet y, por lo tanto, es condenado por su padre a ser esclavo junto con su hijo Canaán, [4] quien es maldecido como "siervo de siervos".[6] Noé profetizó que él, Cam, sería "el más bajo de los esclavos de sus hermanos". Cam es señalado como el supuesto ancestro de las razas africanas. [6] En vista de esto, en los siglos XVI, XVII y XVIII, los cristianos utilizaron el pasaje bíblico para justificar la esclavitud de los negros en las economías coloniales.[7]
La pintura muestra una especie de camino para revertir la "maldición" (ser de ascendencia africana), blanqueando a los personajes.[1] El naturalismo [1] presente en la obra es notable, lo que genera gradaciones de color entre las tres generaciones representadas frente a su humilde casa. El bebé es el más blanco, seguido por el padre, sentado junto a la madre, quien sostiene al niño en su regazo. A la izquierda, la de piel más oscura es la abuela, de pie con las manos alzadas al cielo en señal de gratitud.[8] Debido a que nació blanco, su nieto cuarterón fue liberado de la "maldición" de ser negro, ya que su hija, que es mulata, se casó con un hombre blanco.[8]
Sentados están la madre del pequeño, que lleva en su regazo, y un hombre con las piernas cruzadas, el marido blanco responsable del «blanqueamiento» del descendiente. Podemos observar que esta gradación de color se produce de izquierda a derecha, mostrando el mestizaje en su proceso completo. Aquí, no se trata solo de una cuestión de eliminación cultural y racial, sino también de la necesidad de progreso que, a ojos de Brocos, solo se lograría mediante el blanqueamiento de la población de color y la aproximación a la cultura europea, eliminando e ignorando otras etnias y costumbres.[9]
Esta negación de la cultura africana se hace evidente al observar la vestimenta de los personajes femeninos, ya que ambas visten ropa de tipo europeo y no atuendos que hagan referencia a sus orígenes.[1] [1] Aquí, hay una idea de adaptar a las mujeres negras a la moral cristiana y a un ideal de reproducción blanqueadora.[1] Además, es notable que los dos personajes que no tienen piel blanca son mujeres: la madre y la abuela, estableciendo una oposición de color en relación con el bebé y el padre. [9] Hay un refuerzo de la visión progresista de la piel blanca cuando nos damos cuenta de que el escalón del zaguán sobre el que está el hombre es de piedra, mostrando una evolución en relación con donde están paradas las mujeres, que es el suelo de tierra.[9] La abuela, descalza sobre tierra, se encuentra cerca de una planta, simbolizando que las personas negras eran vistas como salvajes y subdesarrolladas. El padre, en cambio, está frente a una casa, calzado con zapatos sobre una entrada empedrada, lo que muestra cómo las personas blancas eran consideradas más civilizadas y avanzadas. El europeo de piel blanca es representado como superior, y esto es explícito incluso en la pose en la que el hombre, de espaldas, mira el resto de la escena.[9] La posición de las manos y las miradas entre los personajes aportan coherencia al mensaje que Modesto Brocos quiso transmitir. La obra le valió la medalla de oro en el Salón Nacional de Bellas Artes de 1895 y muestra la dirección del arte brasileño a finales del siglo XIX.[6]
Existe una teoría que sostiene que la madre (sentada en el centro de la composición en una banqueta de madera) es una representación de la Virgen María y el niño, el Niño Jesús.[4] Esto se debe al color azul de la toquilla con la que está envuelta, ya que aludiría al manto que usaba la Virgen María.[4]
