Homme écrivant une lettre

Le tableau représente un jeune homme assis devant une fenêtre ouverte, écrivant une lettre à la plume d'oie. Le thème est la pratique populaire de l'écriture épistolaire, déjà courante dans les Pays-Bas du XVII^e siècle ; les lettres étaient écrites par toutes les classes sociales et les deux sexes.

L'homme porte un costume de soie noire et une chemise de lin blanc. Il n'est pas confortablement assis et semble prêt à repartir, son chapeau est simplement posé sur la chaise, ceci montre qu'il ne peut pas s'attarder trop longtemps à cette tâche. Le tapis persan et l'encrier en argent posé sur la table témoignent de la prospérité du rédacteur. Le globe terrestre dans un coin, témoigne de ses intérêts, marchands, scientifiques ou mondains.

Accroché au mur, un paysage pastoral de Jacob van der Does dans un cadre doré est couronné d'une colombe sculptée. La nature changeante est suggérée par les chèvres et la colombe.

Les carreaux de Faïence de Delft de la plinthe représentent des oiseaux symbolisants peut-être le mouvement.

La luminosité est naturelle et provient de la fenêtre; la lumière chaude et vive sur le mur, suggère qu'il écrit l'après-midi, tandis que la femme du pendant, lit dans la lumière plus fraîche d'une matinée.

Homme écrivant une lettre est le pendant de Femme lisant une lettre dans laquelle elle a reçu la lettre et la lit attentivement. Les archives indiquent que les tableaux ont toujours été possédés par paire. Metsu a probablement eu l'idée de ces deux tableaux thématiques de Gerard ter Borch, qui avait peint une paire thématique similaire, Officier écrivant une lettre et Femme scellant une lettre, mais l'influence de Johannes Vermeer est manifeste dans le tableau, notamment dans la lumière venant de gauche et le sol en marbre.

Le souci du détail et l'expression sereine du jeune homme, témoignant du talent de l'artiste à capturer le quotidien avec un grand réalisme.

La composition soigneusement équilibrée et l'éclairage tamisé confèrent à la scène une impression d'intimité et de tranquillité. Le choix de couleurs chaudes contribue à l'atmosphère chaleureuse et familière qui se dégage de l'œuvre.

La maîtrise technique du peintre transparaît dans la minutie avec laquelle il a représenté chaque détail, du pli du papier à la texture du tissu en passant par le bois des meubles. Cela crée une impression d'authenticité et de vie, transportant le spectateur dans le lieu représenté.

Le tableau illustre le réalisme hollandais du XVII^e siècle. Ce style se caractérise par son souci du détail, la représentation fidèle de la vie quotidienne, la véracité des scènes avec un éclairage approprié.

L'œuvre de Metsu s'inscrit dans ce mouvement artistique et se distingue par sa capacité à saisir l'humanité et la chaleur de ses portraits, ainsi que par sa maîtrise technique du rendu des objets et des textures^[2].

Les deux tableaux appartenaient à Hendrick Sorgh, un courtier d'Amsterdam. Après sa mort, ils furent vendus pour 560 florins le 28 mars 1720 à George Bruyn. Après sa mort à son tour, ils furent vendus le 16 mars 1724 pour 785 florins à Johannes Coop, un riche imprimeur et teinturier de coton. Entre 1744 et 1750 environ, pour 500 florins, ils entrèrent en possession de Gerrit Braamcamp, un collectionneur qui possédait pas moins de dix œuvres de Metsu ; ses héritiers bénéficièrent de la popularité de l'artiste. Le 31 juillet 1771, les deux tableaux furent achetés pour 5 205 florins par Jan Hope. Elles passèrent à Lord Francis Pelham Clinton Hope, qui les vendit en 1898 dans le cadre d'une collection de peintures hollandaises et flamandes acquise par les marchands d'art A. Wertheimer et P. & D. Colnaghi. Sir Alfred Beit, de Londres et de Blessington, hérita des deux tableaux. Tous deux figuraient parmi les œuvres d'art volées à la Russborough House en 1974, puis en 1986^[3], mais furent finalement retrouvés. En 1987, les deux tableaux furent donnés à la National Gallery of Ireland, mais ils restèrent introuvables jusqu'en 1993^[3].

Ces œuvres jumelées sont généralement considérées comme les plus belles de Metsu. Dans une critique d'une exposition de Metsu en 2011 pour The New York Times, Karen Rosenberg les a qualifiées de « magnifiques »^[4], et Susan Stamberg, de NPR, les a qualifiées de « peintes de main de maître, avec une habileté exceptionnelle et des détails méticuleusement rendus ».