Kumi Sugaï

Famille, formation, débuts

Issu d'une famille de musiciens traditionnels^[2], à l'âge de 9 ans (1928), Kumi Sugaï expérimente déjà la peinture à l'huile. À 14 ans, il entre à l'école des beaux-arts d'Osaka où, élève de Yoshihara Haruyoshi (1905-1972)^[3], il apprend à la fois les techniques de l'art occidental et celles de la calligraphie japonaise qui tiendront dans son œuvre une part importante^[4]. Il y reste jusqu'en 1933.

Obligé de quitter ses études pour des raisons financières, il travaille pour le service publicitaire de l'entreprise ferroviaire Hankyu Corporation de 1937 à 1945. Pendant les années 1940, il fait des recherches dans les journaux d'art sur les artistes européens ainsi que les artistes américains.

Première période à Paris

Lorsqu'il arrive à Paris en 1952, Sugaï Kumi a déjà une solide connaissance de la peinture contemporaine. Il admire en particulier Joan Miró et Alexander Calder^[4]. Il suit les cours d'Edouard Goerg à l'académie de la Grande-Chaumière^[5] et il présente ses œuvres à la galerie Craven à Paris^[6] pour sa première exposition personnelle en 1954. Il expose quatre ans plus tard à l'Exposition universelle de Bruxelles, en 1958^[2].

« Sugaï est alors proche du milieu de l’art informel et bénéficie notamment du soutien des critiques Jean-Clarence Lambert et Roger van Gindertael. En dépit de sa vie éloignée de toute agitation mondaine, tout entière consacrée au travail, il est remarqué, dès sa première exposition au Salon d’automne 1952. »

— Extrait de la notice du Centre Pompidou^[7]

Dans ses premières peintures parisiennes, Kumi Sugaï utilise la technique des graffitis sur des fonds à peu près sans couleur, il dessine des évocations de paysages urbains et d'êtres vivants, hommes ou animaux, à la limite de l'abstraction, avec quelque chose de l'amenuisement des personnages de Giacometti. Dans une seconde période, autour de 1953, il évoque, plus colorés et tendant de plus en plus aux signes graphiques abstraits, des personnages-insectes, animaux emblématiques, et de nombreux petits diables cornus^[8].

Jusqu'en 1955, il suit le mouvement du nouveau réalisme, et de l'abstraction lyrique avec des œuvres comme Oka (Colline)^[9], se détachant de ses premières œuvres calligraphiques et monochromatiques pour rajouter à sa palette des violets, verts et jaunes, utilisant des structures formelles purement abstraites, avec encore des contours flous, qui gagnent en netteté à partir de 1962^[10].

En 1957, il réalise les œuvres qui décorent la villa sur la Côte d'Azur où est tourné Bonjour tristesse par Otto Preminger d'après le roman de Françoise Sagan^[11].

En 1959, il obtient le prix du musée d'art moderne de Zagreb pour l'exposition internationale de gravures de Ljubljana, en 1960 celui du musée national d'Art moderne de Tokyo, en 1961 le grand prix de la Triennale internationale de gravure de Grenchen^[8].

Kumi Sugaï se distingue des autres artistes de la seconde École de Paris, dont il fait partie, par « son attitude à l'égard du monde » selon Hans Jaffé^[12]. Son œuvre connaît deux périodes distinctes : la première, folklorique, avec des signes très évocateurs qui font son succès, la seconde géométrisée et colorisée^[13].

L'abstraction

La période qui commence en 1962 voit apparaître un changement radical dans le style de l'artiste qui abandonne la double signature dont il usait déjà au Japon vers 1950 et dès son arrivée à Paris en 1950 : son prénom était écrit en signes japonais, son nom de famille en lettres de l'alphabet latin. Il ne garde que le nom en alphabet latin.

Il travaille désormais par séries, se livrant à une abstraction intitulée en anglais hard edge painting, à la suite de Piet Mondrian, en réaction à l'expressionnisme abstrait d'Américains tel Robert Rauschenberg, mais aussi au nouveau réalisme^[12].

Sa nouvelle inspiration trouve son épanouissement dans de grandes compositions. Puis, à partir de 1960, il évolue brutalement. Il adopte les différentes possibilités de l'abstraction géométrique, jouant des différences de matières, du grumeleux à la transparence, par des agencements de formes tracées à la règle et colorées en aplats bariolés. Ces signes, rubans sinueux, évoquent sa passion pour l'automobile et la vitesse, révélée dans la série Autoroute.

À partir de 1962, il traduit certaines de ses formes en sculptures en bronze. Il réalise de très nombreuses lithographies, illustrant notamment deux recueils de poèmes de Jean-Clarence Lambert, et une fresque pour le hall d'entrée du musée d'art moderne de Tokyo^[14].

À partir de 1964, année où il peint Violet^[15],[16] achetée pour la collection Peter Stuyvesant, ses toiles prennent des proportions de plus en plus grandes. Peintes à un rythme simple et subtil, utilisant parfois des couleurs que Jaffé qualifie de « stridentes », l'artiste utilise de grandes surfaces ovales « comme les écus de guerriers du siècle passé »^[17]. La plupart des œuvres contiennent alors des bandes claires notamment Soleil bleu (1969)^[18], et la matière gagne en épaisseur.

« L’œuvre Sans titre, 1986, relève de l’ultime évolution de l’art de Sugaï, lorsque réapparaissent des motifs empruntés à la nature et des variations dans le travail de la matière. Les ondes concentriques, sur le panneau inférieur, et le soleil, sur le panneau triangulaire, sont présents dans des œuvres de la même époque, où ils se combinent de multiples manières avec d’autres motifs dont la série reste limitée. […] Leur efficacité tient à la charge énergétique que les motifs dégagent, due notamment à l’ouverture des rayons et à l’élargissement des ondes, au contraste entre l’expansion du rouge et le poids du noir. Ni éléments descriptifs ni signes formels, ces éléments, combinés par l’assemblage de châssis aux formes variables, invitent le spectateur à une contemplation d’ordre physique^[7]. »

Bien qu'il ait toujours exposé avec les artistes de son pays d'accueil, Kumi Sugaï n'a jamais cessé de figurer parmi les artistes japonais dans les expositions internationales. Installé au 91, rue de l'Amiral-Mouchez à Paris^[19], il était surtout lié avec une colonie d'artistes japonais vivant dans la capitale parmi lesquels figurent Key Sato, Toshimitsu Imaï, Hisao Dōmoto^[20], Yasse Tabuchi, Akira Kito^[21], Shu Tanaka, Ado Sato^[22].

Selon Michel Ragon, la sculpture abstraite de Sugaï reste assez rare, peu fournie en œuvres^[23]. On dispose de peu d'exemples sur sa sculpture. La maison de vente Doré et Giraud, à Paris, a mis aux enchères une Sculpture en U en 2015^[24].

Plusieurs estampes et lithographies de l'artiste sont conservées au cabinet des estampes de la Bibliothèque nationale de France (19 estampes^[25] et huit lithographies^[26]).

Décès et postérité

Kumi Sugaï meurt le 14 mai 1996^[3], treize ans après la très grande rétrospective de ses œuvres au Seibu Museum of Art^[27], groupement artistique^[28] de Tokyo (1983), alors qu'il était retourné visiter sa famille à Kobe.

« On ne définit pas d'un seul mot l'œuvre de Sugaï, qui s'étend sur près de 45 ans. Cette œuvre aura été assimilée tour à tour à l'abstraction lyrique ou au matiérisme de l'École de Paris, au hard edge, à l'op art, voire même au surréalisme et, tout récemment, au minimalisme. On verra que toutes ces étiquettes sont, dans son cas, à la fois vraies et fausses. Kumi Sugaï est un grand solitaire qui, comme quelques rares autres irréguliers du XX^e siècle, cultive sa différence en demeurant étranger aux stratégies esthétiques et marchandes de ses contemporains. S'il apporte une contribution de premier ordre à l'histoire de l'art, c'est en recommençant pour son propre compte l'odyssée plastique de son temps. L'ensemble de son œuvre contient en lui-même ses principes d'explication, et les recours à des causalités extérieures sont particulièrement périlleux pour ce qui le concerne. »

— Jean-Luc Chalumeau^[29]

Expositions personnelles

• 1954 :
  • Galerie Craven à Paris^[32]
  • Palais des Beaux-Arts de Bruxelles^[3]
• 1955 : Robert Kushner - Gouaches, St. George's Gallery, Londres^[3]
• 1956 : nouvelle exposition de gouaches à la galerie REMAC à Cannes^[8]
• 1957 :
  • Kumi Sugaï - Peintures, Galerie Legendre, rue Guénégaud, Paris^[33]
  • Kumi Sugaï - Gouaches, galerie La Roue, Paris^[33]
  • Bâle^[8]
• 1958 :
  • Palais des beaux-arts de Bruxelles^[32]
  • Exposition de gouaches à Zurich^[8]
  • Galerie Creuzevault, Paris, importante exposition qui marque le début de son succès et à partir de laquelle il expose très régulièrement à Paris^[8],[33] ; nouvelle exposition à la galerie Creuzevault en mars-avril 1963
• 1959, 1960, 1961, 1962, 1964 : Galerie Kootz, New York^[33]
• 1960 : Museum Morsbroich, Leverkusen Ljubljana
• 1961 : Hanovre, Düsseldorf, Brême Klagenfurt^[8]
• mai 1961 : Kootz Gallery, New York^[34]
• 1962 : Oslo, Francfort-sur-le-Main^[8]
• 1963 : première rétrospective à la Kestnergesellschaft de Hanovre^[33]
• Mars-avril 1967 : Kumi Sugaï - Recent paintings, Lefebvre Gallery; New York
• 1969 : Musée national d'art de Kyoto, 1969^[33]
• 1983 : grande rétrospective au Seibu Museum of Art de Tokyo^[35]
• 1984 : Ohara Musem of Art de Kurashiki^[33]
• Novembre-décembre 1991 : Nantenshi Gallery-SOKO, Tokyo
• Juin-juillet 1999 : Kumi Sugaï - Les plus grands tableaux de ses dernières années, Maison de la culture du Japon à Paris^[36]
• 2000 :
  • Galerie Denise René, Paris^[32]
  • Kumi Sugaï - A Retrospective, Musée d'Art contemporain de Tokyo
• Mai-juillet 2019 : Kumi Sugaï, the eternal challenger - Celebrating the 100th anniversary of his birth which features our collection of about hundred prints by Sugaï, Umi-Mori Art Museum, Hatsukaichi, mai-juillet 2019^[37]
• Décembre 2015 - janvier 2016 : Kuni Sugaï - Paintings and multiples from the 1950s, Taka Ishii Gallery, New York^[38]

Expositions collectives

• Salon d'Automne, Paris, 1953^[32]
• Salon des réalités nouvelles, Paris, à partir de 1956^[8]
• Salon de mai, Paris, à partir de 1957^[33]
• Biennale internationale de la gravure de Ljubljana, 1959^[39], 1961, 1963^[40]
• Acquisitions récentes, Museum of Modern Art, New York, décembre 1959 - janvier 1960^[41]
• Biennale de Venise, juin-octobre 1962, 1968^[42]
• Painting and sculpture of the decade, Tate Gallery, Londres, 1964^[43]
• Biennale de São Paulo, 1965^[43]
• The new Japanese painting and sculpture, Musée d'Art moderne de San Francisco, avril-juin 1965 ; Musée d'Art de Denver, octobre-novembre 1965 ; Krannert Art Museum (en), Champaign, décembre 1965 - janvier 1966 ; Joslyn Art Museum, Omaha (Nebraska), février-mars 1966 ; Columbus Museum of Art, Columbus (Ohio), avril-juin 1966 ; Museum of Modern Art, New York, octobre-décembre 1966 ; Musée d'Art de Baltimore, janvier-mars 1967 ; Milwaukee Art Museum, Milwaukee, avril-mai 1967^[44]
• Promesses tenues - Olivier Debré, Pierre Fichet, Roger-Edgar Gillet, Robert Lapoujade, Jean Messagier, Mario Prassinos, Paul Rebeyrolle, Kumi Sugaï, Yasse Tabuchi, Robert Wogensky…, Musée Galliera, Paris, septembre-octobre 1965.
• Biennale internationale de la gravure de Cracovie, 1966^[39]
• First Japan Art Festival, Art Institute of Chicago, novembre-décembre 1966^[44]
• Exposition universelle de 1967 (pavillon français), Montréal^[43]
• Japanese contemporary painting, National Gallery of Modern Art, New Delhi, août 1985^[44]
• Reconstructions - Anant-garde art in Japan, 1945-1965, Modern Art Oxford, Oxford, décembre 1985 - février 1986 ; Fruitmarket Gallery (en), Edinburgh, février-avril 1986^[44]
• Contemporary Japanese Art, Taipei Fine Arts Museum (en), Taipei, mai-juin 1986^[44]
• Japon des avant-gardes, Centre national d'art et de culture Georges-Pompidou, décembre 1986 - mars 1987^[44]
• Musée national d'art, Osaka, juillet-septembre 1987 (Recent acquisitions, 1985-1986), novembre 2010 - février 2022 (Collection 3 - Japanese art), mai-août 2019 (National Museum of Art with Alberto Giacometti)^[45]
• De Bonnard à Baselitz - Dix ans d'enrichissements du cabinet des estampes, 1978-1988, Bibliothèque nationale de France, Paris, 1992^[19]
• Collection d'estampes et dessins du musée dart contemporain, Musée d'Art contemporain de Skopje, octobre-novembre 1996^[44]
• L'envolée lyrique - Paris, 1945-1956, Musée du Luxembourg, Paris, avril-août 2006.
• Art of anotherkind : International abstraction and the Guggenheim, 1949-1960^[46], musée Solomon R. Guggenheim, New York, juin-septembre 2012^[47]
• Print works : Kumi Sugaï, Takesada Matsutani, Ashiya City Museum of Art and History, Ashiya, mai-juin 2013^[48]
• Zao Wou-Ki collectionneur, musée de l'Hospice Saint-Roch, Issoudun, juin-décembre 2016^[49]
• Toriawase - A special installation of modern Japanese art and ceramics, Ackland Art Museum, Université de Caroline du Nord à Chapel Hill, janvier-juillet 2020^[50]
• Modernités cosmiques, Fondation Vasarely, Aix-en-Provence, juin-octobre 2022^[51]
• Abstraction - The genesis and evolutuon of abstract painting, musée Artizon, Tokyo, juin-août 2023^[52]
• Discontinuous lines : Julije Knifer, Kumi Sugaï, galerie Frank Elbaz, Tokyo, avril 2025^[53]

Dits de Kumi Sugaï

« Quand je peins, je pense toujours à la forme. Si l'on emploie beaucoup de couleurs, la forme est plus facile. Quand on veut montrer sa pensée, il est aisé de s'exprimer avec beaucoup de paroles. Mais il est difficile de parler par sentences. Je voudrais arriver à montrer tout ce que je pense, avec peu de moyens^[54]. »

« Il n'y a pas de mots pour définir ce que je fais. Mes toiles tiennent aussi du panneau de signalisation routière — modelé, à mes yeux, d'une communication étroite avec autrui. Sur l'autoroute, les panneaux donnent une indication claire, que tout conducteur saisit en une fraction de seconde, sans ambiguïté possible, quelles que soient sa nationalité ou sa culture. C'est un signe muet et vital. De même, je ne veux employer que les termes les plus directs, analogues aux éléments insécables de la physique moderne. D'où mon recours aux couleurs simples, fondamentales… C'est dans un univers complètement dépouillé et, à la limite, sans parole, où l'on ne communiquera plus qu'à l'aide de signaux, que l'art tel que je le conçois apparaîtra comme indispensable. Quand nous nous serons débarrassés de toute ce qui n'est pas nécessaire, l'art deviendra nécessaire : lui seul pourra soutenir un monde réduit à sa plus simple expression^[55]. »

Réception critique

« Sugaï est japonais, c'est-à-dire qu'il est d'abord poète… Son monde est celui des fleurs, des pétales, des corolles, des cailloux, mais aussi des démons, des masques, des poupées magiques. Il aurait manqué quelque chose à la jeune École de Paris si Sugaï n'était pas venu s'y joindre… »

— Jean-Clarence Lambert^[56]

« Voici un peintre qui pose à nouveau le problème de la peinture en n'utilisant que des formes géométriques élémentaires et une seule couleur sur le plan de la toile. Tout se passe comme si les conventions de la peinture moderniste avaient scrupuleusement été réunies : le projet de Sugaï semble donc appeler une approche à la fois formaliste et moderniste. L'histoire de la peinture reprendrait son cours, interrompu par deux ou trois décennies de dérives minimalistes diverses. »

— Jean-Luc Chalumeau^[29]

« Les œuvres les plus recherchées, des amateurs nippons entre autres, sont les toiles des années 1950-1960 qui placent Kumi Sugaï dans le peloton de tête des peintres abstraits de l'École de Paris d'après guerre. Sugaï se fixe en effet à Paris en 1952 et participe jusqu'à la fin des années 1960 à toutes les manifestations artistiques internationales d'avant-garde. Plusieurs étapes marquent son cheminement, depuis les premières compositions, gestuelles et en technique de graffiti, jusqu'aux abstractions géométriques des années 1970. »

— Gérald Schurr^[57]

« Dans ses premières peintures européennes, en technique de graffiti sur des fonds à peu près sans couleurs, il dessinait des évocations de paysages urbains et d'êtres vivants, hommes ou animaux, à la limite de l'abstraction, avec quelque chose de l'amenuisement des personnages d'Alberto Giacometti. Dans une seconde période, autour de 1953, il évoquait, plus colorés et tendant de plus en plus aux signes graphiques abstraits, des personnages-insectes, animaux emblématiques, et de nombreux petits diables cornus. Ce fut en 1958 qu'il aboutit logiquement à renoncer à toute évocation, pour la seule force plastique du signe occupant désormais à lui seul la surface de la toile, faisant comparer Sugaï à un Gérard Schneider japonais, la gestualité s'infléchissant selon un ésotérique vocabulaire de signes extrême-orientaux rappelant ceux qui s'affirment sur les poteries ou les lanternes de pierre que l'on voit dans les jardins du vieux Japon. Cette nouvelle écriture trouva son épanouissement dans ce qu'on a appelé les grandes compositions emblématiques. Puis, à partir de 1960 environ, Sugaï, en une évolution assez brutale, adopta une manière très proche des différents possibilités de l'abstraction géométrique, remplaçant des signes emblématiques d'un graphisme raffiné et sensible, jouant du jeu des différences de matières, du grumeleux à la transparence, par des agencements de formes tracées à la règle et colorées en aplats bariolés. Ces lignes, rubans sinueux, évoquent sa passion pour l'automobile et la vitesse, révélée dans la série Autoroute. À partir de 1962, il a traduit certaines de ses formes en sculptures en bronze. »

— Jacques Busse^[8]

France

Allemagne

• Berlin, Neue Nationalgalerie^[77]

Australie

• Canberra, Galerie nationale d'Australie, Sans titre, sérigraphie 71,4x54cm dans portfolio Hommage à Picasso, 1974^[78]
• Melbourne, Musée national du Victoria :

Brésil

• Rio de Janeiro, Musée d'art moderne

Canada

• Ontario, Glenhyrst Art Gallery, deux estampes^[43]

Danemark

• Copenhague, Musée national du Danemark, L'autoroute, huile sur toile 55x46cm, 1965^[92]

États-Unis

Irlande

• Dundalk Institute of Technology (en), Dundalk, tapisserie, 183x221cm^[113]

Japon

Macédoine du Nord

• Skopje, Musée d'art contemporain, Black Mass, lithographie 76x57cm, 1964^[135]

Norvège

• Oslo, musée national de l'Art, de l'Architecture et du Design, Jichin, huile sur toile 130x195cm^[136]

Pays-Bas

• La Haye, Bibliothèque royale, Accident de Jean-Clarence Lambert, 5 eaux-fortes de Kumi Sugaï, l'un des 135 exemplaires, éditions Robert et Lydie Dutrou, 1992^[137]
• Rotterdam, Musée Boijmans Van Beuningen^[5]

Royaume-Uni

Suède

• Göteborg, musée des Beaux-Arts