ジャズ・ポエトリー
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ジャズ・ポエトリー（ジャズ詩、Jazz poetry）は、「ジャズのようなリズムや即興の感触を示す」詩と定義され[1]、また、ジャズの音楽、ミュージシャン、またはジャズ環境を主題として取り、演奏されるように設計された詩として定義されている[2]。一部の批評家はそれを明確なジャンルとみなしているが、他の批評家は、この用語を単に説明的なものであると考えている。ジャズ・ポエトリーは、1920年代にアフリカ系アメリカ人によって考案され、1950年代にビート・ジェネレーションのようなカウンターカルチャーの詩人によって維持され、現代ではヒップホップ・ミュージックやポエトリー・スラムとして知られるライブ詩のイベントに適応されており、主流のどこかに存在する「アウトサイダー」の芸術形式のようなものとなった。
詩人でサックス奏者のジョン・ソボルは、自身の著書『Digitopia Blues – Race, Technology and the American Voice』の中で、ジャズはアフリカ系アメリカ人の自己啓発のための変革的な手段であり、その主な特徴と目的は、歴史的に奴隷化され、力ある言葉へのアクセスを禁じられた口承民族が、力ある言語の習得を模索することにあったと主張している。ソボルは、識字の伝統の覇権に制約を感じた詩人たちが、巧みな口承の力の領域としてのジャズとの本質的な親近感をつかみ、彼らの詩の中でジャズの様式を模倣または再現しようと努めたため、「ジャズ・ポエトリー」という表現を得たのだと信じている。[要出典]
ハーレム・ルネサンス
初期のジャズ・ポエトリーは、ジャズの音と即興の精神を模倣してはいなかった。むしろ、ジャズという音楽形式を強く意識し、急成長するジャズ・シーンの鍵となるミュージシャン、楽器、場所をほのめかしていた。ヴェイチェル・リンゼイ（実際にはジャズ音楽の「原始的な」サウンドを嫌っていた）やミナ・ロイなどの詩人は、この流れで詩を書いた。ハーレム・ルネサンスの到来とともに、ジャズ・ポエトリーは今日のような形へと発展した。[要出典]
ラングストン・ヒューズなどの詩人は、ブルースやジャズ音楽のシンコペーションのリズムと繰り返しのフレーズを自分たちの作品に取り入れた。多くのハーレム・ルネサンスの作家は、人種の誇りと純粋にアフリカ系アメリカ人の詩の創造に深く関心を持っていた。当時、ジャズ音楽はアフリカ系アメリカ人の文化の重要な部分を占めていたため、ヒューズや彼のような人々は、音楽のジャンルを応用し、白人の詩人による作品と簡単に区別できる独自のアフリカ系アメリカ人ならではの独自の詩をつくり出した。「The Weary Blues」など、ヒューズの詩の多くは、当時人気のジャズやブルースの曲とほぼ同じように聞こえ、その逆も同様である。彼の作品はまた、霊歌を強く想起させる。[要出典]
