古典的ハリウッド映画

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何千年もの間、物語の語り方における唯一の視覚的な基準は劇場であった。1890年代半ばから後半にかけての最初の物語映画以来、映画製作者たちは生きた劇場の力を映画スクリーンに捉えようと努めてきた。これらの映画製作者のほとんどは、19世紀後半の舞台の監督としてキャリアをスタートさせ、同様に、ほとんどの映画俳優はボードビル（例：マルクス兄弟^[5]）やメロドラマにルーツを持っていた。視覚的には、初期の物語映画は舞台からほとんど適応しておらず、その物語もボードビルやメロドラマからほとんど適応していなかった。「クラシック・コンティニュイティ」として知られるようになる視覚スタイル以前は、シーンはフルショットで撮影され、プロットやキャラクターの関係性を描くために注意深く振付された演出が用いられていた。編集技術は極めて限られており、主に物体の上の文字の読みやすさを目的としたクローズアップで構成されていた。

舞台に内在する現実感を欠いていたものの、映画は（舞台とは異なり）見かけ上の時間と空間を操作する自由を提供し、それによってリアリズムの幻想、つまり時間的な連続性と空間的な連続性を生み出すことができた。1910年代初頭までに、映画製作はその芸術的な可能性を発揮し始めていた。スウェーデンとデンマークでは、この時代は後に映画の「黄金時代」として知られるようになる。米国では、この芸術的変化は、D・W・グリフィスのような映画製作者が、製造独占を敷いていたエジソン・トラストの支配を最終的に打ち破り、独立して映画を制作するようになったことに起因する。世界中の映画が、クラシック・ハリウッド映画に見られるようになる視覚的・物語的要素を顕著に取り入れ始めた。1913年は、映画という物語の形式に新たな基準を打ち立てる作品が、いくつかの国の先駆的な監督によって生み出された、特に実りの多い年であった。それらの作品には、『The Mothering Heart』（D・W・グリフィス）、『Ingeborg Holm』（ヴィクトル・シェストレム）、『L'enfant de Paris』（レオンセ・ペレ）などがある。この年はまた、エフゲニー・バウアー（ジョルジュ・サドゥールによると、真の最初の映画芸術家^[6]）が短くも多作なキャリアをスタートさせた年でもあった^[7]。

世界全体、そして特に米国において、映画製作に対するグリフィスの影響は比類のないものであった。同様に影響力があったのは、新しいメディアに合わせて演技を適応させた彼の俳優たちであった。短編映画『The Mothering Heart』のスター、リリアン・ギッシュは、スクリーン上の演技技術への影響で特に知られている。同じくギッシュが主演したグリフィスの1915年の叙事詩『國民の創生』は、物語の手段としての映画にとって画期的なものであった。それは、多数の革新的な視覚技術を用いた文学的な物語の傑作であった^[8]。この映画は、米国映画にあまりにも多くの進歩をもたらしたため、わずか数年で時代遅れとなった^[9]。1913年が映画製作の世界的な転換点であったのに対し、1917年は主に米国の転換点であった。「クラシック・ハリウッド映画」の時代は、1917年までにアメリカの映画というメディアを支配し始めた物語的・視覚的なスタイルによって特徴づけられる^[10]。

クラシック・ハリウッドの物語的・視覚的スタイルは、サウンド映画制作への移行後にさらに発展した。アメリカ映画製作の主な変化は、映画産業自体から、スタジオ・システムの最盛期と共に訪れた。この制作様式は、いくつかの主要なスタジオによって推進された支配的なスター・システムと共に^[11]、サウンドの数年前から存在していた。1920年代半ばまでに、1910年代初頭から独立して活動していた著名なアメリカ人監督や俳優のほとんどは、仕事を続けるために新しいスタジオ・システムの一部にならなければならなかった。

サウンド時代の始まり自体は曖昧に定義されている。ある人々にとっては、サウンドが長編映画に導入され、興行収入が増加した1927年の『ジャズ・シンガー』で始まったとされる^[12]。他の人々にとっては、サイレント時代が決定的に終わった1929年に始まったとされる^{[13][より良い情報源が必要]}。1920年代後半から1960年代にかけてのほとんどのハリウッド映画は、西部劇、スラップスティック・コメディ、ミュージカル、アニメーション、伝記映画といったジャンルに厳密に従っており、同じクリエイティブ・チームが同じスタジオが制作する映画に携わることが多かった。たとえば、セドリック・ギボンズとハーバート・ストザートは常にMGM映画に携わり、アルフレッド・ニューマンは20世紀フォックスで20年間働き、セシル・B・デミルの映画はほとんどがパラマウント・ピクチャーズで制作された^[14]。ヘンリー・キング監督の映画もほとんどが20世紀フォックス向けに作られた。同様に、俳優もほとんどが契約俳優であった。映画史家は、映画がサウンドに適応し、サイレント映画の芸術的水準に戻るまでに約10年かかり、それが1930年代後半に実現したと指摘している^[要出典]。

この時代に生まれた映画の偉大な作品の多くは、非常に厳格な映画製作によるものであった。これが可能だった理由の一つは、非常に多くの映画が作られていたため、すべての映画が大ヒット作である必要がなかったことだ。スタジオは、優れた脚本と比較的無名の俳優を使った中予算の作品に賭けることができた。これは、オーソン・ウェルズが監督し、史上最高の映画の一つと見なされている『市民ケーン』（1941年）の場合もそうであった。ハワード・ホークス、アルフレッド・ヒッチコック、フランク・キャプラのような強い意志を持つ監督たちは、自らの芸術的ビジョンを達成するためにスタジオと闘った。スタジオ・システムの頂点は1939年であったかもしれない。この年には、『オズの魔法使』、『風と共に去りぬ』、『ノートルダムのせむし男』、『駅馬車』、『スミス都へ行く』、『砂塵』、『若き日のリンカン』、『嵐が丘』、『天使は大地に墜ちた』、『ニノチカ』、『ボー・ジェスト』、『青春一座』、『ガンガ・ディン』、『女たち』、『チップス先生さようなら』、『彼奴は顔役だ!』といった古典的名作が公開された^[15]。

デイヴィッド・ボードウェルによって詳しく述べられた^[16]、クラシック・ハリウッド映画の視覚的・物語的スタイルは、ルネサンスとその中心に人間を据えるという復活の思想から強く影響を受けている。このスタイルは、大きく3つのレベルで区別される。デバイス、システム、およびシステムの関連性である。

クラシック・ハリウッド映画に最も固有のデバイスは、コンティニュイティ編集のそれである。これには、コンティニュイティ編集の主要な視覚・空間的要素の一つである180度ルールが含まれる。180度ルールは、視聴者と撮影シーンの間に仮想の180度軸を設定することで、「撮影された芝居」スタイルを維持し、視聴者がシーン内のアクションの位置や方向を明確に把握できるようにする。30度ルールによると、シーンを見る角度のカットは、視聴者が視点の変更の目的を理解できるほど十分に大きくなくてはならない。30度ルールに従わないカットは、ジャンプカットとして知られ、ショット間の時間的連続性の幻想を妨げる。1902年のフランスの先駆的な映画『月世界旅行』に見られるように、180度ルールと30度ルールは、クラシック時代が正式に始まる10年以上前から存在した映画製作の初歩的な指針である。クラシックのコンティニュイティ編集におけるカットの技術は、異なる場所でのアクションの同時性を確立するクロス・カットのように、連続性を確立または維持するのに役立つ。ジャンプカットは、撮影角度を全く変えないが、被写体からの距離を近づけたり遠ざけたりする明確な目的を持つ軸線上のカットの形で許容され、したがって時間的連続性を妨げない^[17]。

クラシック・ナラティブは常に心理的な動機、つまり人間のキャラクターの意志と、明確な目標に向かって障害と闘うことによって進行する。この物語的要素は、通常、主要な物語（例：恋愛）と、それに絡み合う二次的な物語で構成される。この物語は、明確な始まり、中間、結末で構成され、一般的には明確な解決がある。俳優、出来事、因果関係、主要な点、二次的な点を活用することが、このタイプの物語の基本的な特徴である。クラシック・ハリウッド映画のキャラクターは、明確に定義された特徴を持ち、活動的で、非常に目標志向である。彼らは、社会的な懸念よりも心理的な動機によって動かされる因果関係の担い手である^[3]。物語は、因果関係の担い手による因果関係の連鎖であり、クラシック・スタイルでは、出来事は偶然には起こらない。

クラシック・ハリウッドにおける時間は、連続的、線形的、かつ均一である。これは、非線形性がメディアの幻想的な働きに注意を向けてしまうためである。この形式で許容される唯一の時間操作は、フラッシュバックである。これは主に、キャラクターの記憶のシーケンスを導入するために使用される。例えば、『カサブランカ』がそうだ^[18]。

空間に関するクラシック・コンティニュイティの最大のルールは、対象の永続性である。映画のリアリズムを維持するためには、視聴者は、シーンが映画のフレームの外にも存在すると信じなければならない。クラシック・ハリウッドにおける空間の扱いは、映画の二次元性（「見えないスタイル」）を克服または隠蔽しようと努めており、人間の身体に強く焦点を当てている。クラシック映画のショットの大部分は、身振りや顔の表情（ミディアムロングショットやミディアム・ショット）に焦点を当てている。アンドレ・バザンはかつて、クラシック映画を「撮影された芝居」に例えた。それは、出来事が客観的に存在するように見え、カメラは単に芝居全体を最もよく見せるアングルを提供するに過ぎない、という点においてである^[19]。

この空間の扱いは、中心性、バランス、正面性、奥行きの4つの主要な側面で構成されている。重要な人物や物体は、ほとんどの場合、画面のフレームの中央部分にあり、焦点がぼけることはない。バランスとは視覚的な構成を指し、つまり、キャラクターはフレーム全体に均等に配置される。アクションは観客の方に微妙に向けられ（正面性）、セット、照明（主に三点照明、特にハイキー照明）、衣装は、前景と背景を分離するように設計されている（奥行き）。

1960年代から1980年代にかけてのアメリカン・ニューシネマ時代は、クラシック時代のロマンチシズムの影響を受けており、映画製作者たちは、権威に対する一般的な不信感の中で、自らの特定の関心を追求するため、より大きなリスクを冒そうとした^[2]。ヌーヴェルヴァーグもまた、この影響を受けており、特にアンドレ・バザンらが抱いていた、映画は監督による個人的なプロジェクトとして、それぞれの作品が監督個人のビジョンを表現すべきであるという道徳的信念において顕著であった^[20]。

以下は、アメリカン・フィルム・インスティチュートの、アメリカ映画史における最も偉大な男性スター25人、女性スター25人を順位付けしたリストに名を連ねた人物である^[21]。

ソフィア・ローレンは唯一存命中のスターである。