The Beatles

The Quarrymen y cambio de nombres

En noviembre de 1956, John Lennon, de dieciséis años, formó un grupo de skiffle con varios amigos de la escuela secundaria Quarry Bank en Liverpool. Se llamaban The Quarrymen, en referencia a la canción de su escuela: «Los hombres de la cantera eran viejos antes de nuestro nacimiento».^[8] Paul McCartney, de quince años, conoció a Lennon el 6 de julio de 1957 y se unió como guitarrista rítmico poco después.^[9] En febrero de 1958, McCartney invitó a su amigo George Harrison, que entonces tenía quince años, a ver a la banda. Harrison audicionó para Lennon, impresionándolo con su forma de tocar, pero Lennon inicialmente pensó que Harrison era demasiado joven. Después de un mes de insistencia, durante un segundo encuentro —organizado por McCartney—, Harrison interpretó la parte de guitarra principal de la canción instrumental «Raunchy» en la planta superior de un autobús de Liverpool,^[10] y lo contrataron como guitarrista líder.^[11][12]

En enero de 1959, los amigos de Lennon de Quarry Bank abandonaron el grupo y él comenzó sus estudios en el Liverpool College of Art.^[13] Los tres guitarristas, que se hacen llamar Johnny and the Moondogs,^[14] tocaban rock and roll siempre que podían encontrar un baterista.^[15] También actuaron como The Rainbows. Paul McCartney le contó más tarde a New Musical Express que se llamaban así «porque todos teníamos camisas de diferentes colores y no podíamos permitirnos comprar otras».^[16]

Stuart Sutcliffe, amigo de Lennon de la escuela de arte, que acababa de vender uno de sus cuadros y fue persuadido para comprar un bajo con el dinero, se unió al grupo en enero de 1960. Sugirió cambiar el nombre de la banda a Beatals, como homenaje a Buddy Holly y a The Crickets.^[17][18] Utilizaron este nombre hasta mayo, cuando se convirtieron en los Silver Beetles, antes de emprender una breve gira por Escocia como grupo de acompañamiento del cantante pop y también oriundo de Liverpool, Johnny Gentle. A principios de julio, se reinventaron como los Silver Beatles y a mediados de agosto simplemente como The Beatles.^[19]

Residencias tempranas y popularidad en el Reino Unido

Allan Williams, el mánager no oficial de los Beatles, les consiguió una residencia en Hamburgo. A mediados de agosto de 1960, hicieron una audición y contrataron al baterista Pete Best. La banda, ahora un quinteto, partió de Liverpool hacia Hamburgo cuatro días después, con un contrato con el dueño del club, Bruno Koschmider, para una residencia de tres meses y medio.^[20] El historiador de los Beatles, Mark Lewisohn, escribe: «Llegaron a Hamburgo al anochecer del 17 de agosto, la hora en que el barrio rojo cobra vida... las luces de neón parpadeantes anunciaban a gritos los diversos espectáculos que se ofrecían, mientras mujeres con poca ropa se sentaban descaradamente en los escaparates esperando oportunidades de negocio».^[21]

Koschmider había convertido un par de clubes de striptease en el barrio rojo de Reeperbahn (St. Pauli) en salas de conciertos y, en un principio, colocó a los Beatles en el Indra Club. Después de cerrar el Indra debido a quejas por ruido, los trasladó al Kaiserkeller en octubre.^[22] Cuando se enteró de que habían estado actuando en el club rival Top Ten Club incumpliendo su contrato, les dio un preaviso de rescisión de un mes,^[23] y denunció al menor de edad Harrison, quien había obtenido permiso para permanecer en Hamburgo mintiendo a las autoridades alemanas sobre su edad.^[24] Las autoridades organizaron la deportación de Harrison a finales de noviembre.^[25] Una semana después, Koschmider hizo arrestar a McCartney y Best por incendio provocado después de que prendieran fuego a un condón en un pasillo de concreto; las autoridades los deportaron.^[26] Lennon regresó a Liverpool a principios de diciembre, mientras que Sutcliffe permaneció en Hamburgo hasta finales de febrero con su prometida alemana Astrid Kirchherr,^[27] quién tomó las primeras fotos semiprofesionales de los Beatles.^[28]

Durante los dos años siguientes, los Beatles residieron por temporadas en Hamburgo, donde utilizaron Preludin tanto para divertirse como para mantener su energía durante las actuaciones que duraban toda la noche.^[29]En 1961, durante su segundo concierto en Hamburgo, Kirchherr le cortó el pelo a Sutcliffe al estilo «existencialista», que más tarde adoptaron los demás Beatles.^[30][31] Sutcliffe decidió dejar la banda a principios de ese año y retomar sus estudios de arte en Alemania. McCartney ocupó el puesto de bajista.^[32] El productor Bert Kaempfert contrató al grupo, que por entonces estaba formado por cuatro miembros, hasta junio de 1962, y los utilizó como banda de acompañamiento de Tony Sheridan en una serie de grabaciones para Polydor Records.^[33][34] Como parte de las sesiones, los Beatles firmaron un contrato con Polydor por un año.^[35] Atribuido a «Tony Sheridan & the Beat Brothers», el sencillo «My Bonnie», grabado en junio de 1961 y publicado cuatro meses después, alcanzó el puesto número 32 en la lista de éxitos de Musikmarkt.^[36]

Después de que los Beatles terminaran su segunda residencia en Hamburgo, gozaron de una creciente popularidad en Liverpool con el floreciente movimiento Merseybeat. Sin embargo, estaban cansados ​​de la monotonía de numerosas presentaciones en los mismos clubes noche tras noche.^[37] En noviembre de 1961, durante una de las frecuentes actuaciones del grupo en el Cavern Club, conocieron a Brian Epstein, propietario de una tienda de discos local y columnista musical.^[38] Más tarde recordó: «Me gustó inmediatamente lo que escuché. Eran frescos, eran honestos y tenían lo que yo consideraba una especie de presencia... [una] cualidad de estrella».^[39]

Primeras grabaciones en EMI

Epstein cortejó a la banda durante los meses siguientes, y ellos lo nombraron su representante en enero de 1962.^[40] Durante la primera mitad de 1962, Epstein intentó liberar a los Beatles de sus obligaciones contractuales con Bert Kaempfert Productions. Finalmente, negoció un mes de liberación anticipada a cambio de una última sesión de grabación en Hamburgo.^[41] A su regreso a Alemania en abril, un consternado Kirchherr los recibió en el aeropuerto con la noticia de la muerte de Sutcliffe el día anterior a causa de una hemorragia cerebral.^[42] Epstein comenzó a negociar con sellos discográficos para un contrato de grabación. Para asegurar un contrato discográfico en el Reino Unido, Epstein negoció la finalización anticipada del contrato de la banda con Polydor, a cambio de más grabaciones acompañando a Tony Sheridan.^[43] Tras una audición el día de Año Nuevo, Decca Records rechazó al grupo, diciendo: «Los grupos de guitarra están pasando de moda, Sr. Epstein».^[44] Sin embargo, tres meses después, el productor George Martin fichó a los Beatles para el sello Parlophone de EMI.^[42]

La primera sesión de grabación de Martin con los Beatles tuvo lugar en los estudios de grabación EMI —más tarde Abbey Road Studios— en Londres el 6 de junio de 1962.^[45] Inmediatamente se quejó a Epstein sobre la forma en que Best tocaba la batería y sugirió que usaran a un baterista de sesión en su lugar.^[46] Ya en consideración del despido de Best,^[47] los Beatles lo reemplazaron a mediados de agosto con Ringo Starr, quien dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a ellos.^[45] Una sesión el 4 de septiembre en EMI dio como resultado una grabación de «Love Me Do» con Starr a la batería, pero un Martin insatisfecho contrató al baterista Andy White para la tercera sesión de la banda una semana después, que produjo grabaciones de «Love Me Do», «Please Please Me» y «P.S. I Love You».^[45]

Martin seleccionó inicialmente la versión de Starr de «Love Me Do» para el primer sencillo de la banda, aunque las reediciones posteriores incluyeron la versión de White, con Starr tocando la pandereta.^[45] Lanzado a principios de octubre, «Love Me Do» alcanzó el puesto número 17 en la lista de Record Retailer.^[48] Su debut televisivo tuvo lugar a finales de ese mismo mes con una actuación en directo en el programa de noticias regional People and Places.^[49] Después de que Martin sugiriera volver a grabar «Please Please Me» a un tempo más rápido,^[50] una sesión de estudio a finales de noviembre dio como resultado esa grabación,^[51] de lo cual Martin predijo con precisión: «Acabas de conseguir tu primer número 1».^[52]

En diciembre de 1962, los Beatles concluyeron su quinta y última residencia en Hamburgo en el Star-Club.^[53] Para 1963, habían acordado que los cuatro miembros de la banda contribuirían con voces a sus álbumes, incluyendo a Starr, a pesar de su limitado rango vocal, para validar su posición en el grupo.^[54] Lennon y McCartney habían establecido una sociedad de composición, y a medida que crecía el éxito de la banda, su colaboración dominante limitó las oportunidades de Harrison como vocalista principal.^[55] Epstein, para maximizar el potencial comercial de los Beatles, los animó a adoptar un enfoque profesional en sus actuaciones.^[56] Lennon recordó que le dijo: «Mira, si de verdad quieres tocar en sitios más grandes, vas a tener que cambiar: deja de comer en el escenario, deja de decir palabrotas, deja de fumar...».^{[44][nb 1]}

En mayo de 2024, Starr restó importancia a su papel con los Beatles y dijo que nunca ensayó con ellos con regularidad, diciéndole a Dan Rather: «Odio ensayar. Odio estar sentado ahí» y que, de hecho, a menudo buscaba inspiración en otros músicos.^[57]

Please Please Me y With the Beatles

El 11 de febrero de 1963, los Beatles grabaron diez canciones en una sola sesión de estudio para su álbum debut, Please Please Me. A este se le añadieron los cuatro temas ya publicados en sus dos primeros sencillos. Martin consideró grabar el álbum en directo en The Cavern Club, pero tras decidir que la acústica del local era inadecuada, optó por simular un álbum en directo con una producción mínima en una maratónica sesión en Abbey Road.^[59] Tras el éxito moderado de «Love Me Do», el sencillo «Please Please Me» se lanzó en enero de 1963, dos meses antes que el álbum. Alcanzó el número uno en todas las listas de éxitos del Reino Unido, excepto en la de Record Retailer, donde llegó al número dos.^[60]

Recordando cómo los Beatles «se apresuraron a lanzar su álbum debut, componiendo Please Please Me en un solo día», el crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, escribió: «Décadas después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente por sus intensos orígenes».^[61] Lennon dijo que en aquel entonces no le dedicaban mucha atención a la composición; él y McCartney simplemente «escribían canciones al estilo de los Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop sin pensar más en ellas que eso: crear un sonido. Y las letras eran casi irrelevantes».^[62]

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Fragmento de «She Loves You». El uso repetido de exclamaciones «yeah» en la canción se convirtió en una frase característica del grupo en ese momento[63][64]
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Publicado en marzo de 1963, Please Please Me fue el primero de once álbumes consecutivos de los Beatles lanzados en el Reino Unido en alcanzar el número uno.^[65] El tercer sencillo de la banda, «From Me to You», salió en abril y dio inicio a una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos número uno en el Reino Unido, incluyendo todos menos uno de los dieciocho que lanzaron durante los siguientes seis años.^[66] Publicado en agosto, su cuarto sencillo, «She Loves You», logró las ventas más rápidas de cualquier disco en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo tres cuartos de millón de copias en menos de cuatro semanas.^[67] Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias y siguió siendo el disco más vendido en el Reino Unido hasta 1978.^{[68][nb 2]}

El éxito les brindó una mayor exposición mediática, a la que los Beatles respondieron con una actitud irreverente y cómica que desafió las expectativas de los músicos pop de la época, inspirando aún más interés.^[69] La banda realizó tres giras por el Reino Unido en la primera mitad del año: una gira de cuatro semanas que comenzó en febrero, la primera de los Beatles a nivel nacional, precedió a las giras de tres semanas en marzo y entre mayo y junio.^[70] A medida que su popularidad se extendía, se desató una frenética adulación hacia el grupo. El 13 de octubre, los Beatles fueron la estrella de Sunday Night at the London Palladium, el espectáculo de variedades más importante del Reino Unido.^[71] Su actuación fue televisada en directo y vista por 15 millones de espectadores. Los titulares de un periódico nacional en los días siguientes acuñaron el término «Beatlemanía» para describir el entusiasmo desenfrenado de los fanáticos que gritaban al recibir a la banda, y el término se popularizó.^[71][72] Aunque no figuraban como cabezas de cartel de la gira, los Beatles eclipsaron a los artistas estadounidenses Tommy Roe y Chris Montez durante sus actuaciones de febrero y asumieron el primer puesto en los carteles «a petición del público», algo que ningún artista británico había logrado anteriormente mientras giraba con artistas de Estados Unidos.^[73] Una situación similar se produjo durante su gira de mayo-junio con Roy Orbison.^[74]

A finales de octubre, los Beatles iniciaron una gira de cinco días por Suecia, su primera vez en el extranjero desde su último concierto en Hamburgo en diciembre de 1962.^[76] A su regreso al Reino Unido el 31 de octubre, varios cientos de fanáticos eufóricos los recibieron bajo una intensa lluvia en el aeropuerto de Heathrow. Entre 50 y 100 periodistas y fotógrafos, así como representantes de la BBC, también se unieron a la recepción en el aeropuerto, la primera de más de 100 eventos similares.^[77] Al día siguiente, la banda comenzó su cuarta gira por Gran Bretaña en nueve meses, esta vez programada para seis semanas.^[78] A mediados de noviembre, a medida que la Beatlemanía se intensificaba, la policía recurrió al uso de mangueras de agua a alta presión para controlar a la multitud antes de un concierto en Plymouth.^[79] El 4 de noviembre, actuaron ante la Reina Madre y la Princesa Margarita durante la Gala Real de Variedades en el Teatro Príncipe de Gales.^[80]

Please Please Me mantuvo la primera posición en la lista de Record Retailer durante 30 semanas, solo para ser desplazado por su sucesor, With the Beatles,^[81] que EMI lanzó el 22 de noviembre y batió récords de pedidos anticipados con 270.000 copias. El LP superó el medio millón de álbumes vendidos en una semana.^[82] Grabado entre julio y octubre, With the Beatles hizo un mejor uso de las técnicas de producción de estudio que su predecesor.^[83] Se mantuvo en el primer puesto durante 21 semanas, con una permanencia en las listas de 40 semanas.^[84] Erlewine describió el LP como «una secuela de primer orden, que supera a la original».^[85]

En un giro inesperado respecto a la práctica habitual de la época, EMI lanzó el álbum antes del inminente sencillo «I Want to Hold Your Hand», excluyendo la canción para maximizar las ventas del sencillo.^[86] El álbum llamó la atención del crítico musical William Mann, de The Times, quien sugirió que Lennon y McCartney eran «los compositores ingleses más destacados de 1963».^[83] El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció análisis detallados de la música, otorgándole respetabilidad.^[87] With the Beatles se convirtió en el segundo álbum en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra que anteriormente solo había alcanzado la banda sonora de South Pacific de 1958.^[88] Al redactar las notas de la contraportada del álbum, el jefe de prensa de la banda, Tony Barrow, utilizó el superlativo «el fabuloso cuarteto», que los medios de comunicación adoptaron ampliamente como «los Fab Four».^[89]

Conquista de los Estados Unidos

Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a lanzar los sencillos «Please Please Me» y «From Me to You».^[90] Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado «moptop» de los integrantes plantearon nuevos obstáculos.^[91][92] Una vez que Capitol comenzó a editar el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes álbumes, y publicaron canciones en sencillos de su preferencia.^[93] El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público estadounidense, lo que llevó a Capitol a lanzar «I Want to Hold Your Hand» en diciembre de 1963.^[94] El primer viaje que realizaron a Estados Unidos estaba preparado para unas semanas después.

Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó.^[95] «I Want to Hold Your Hand» había vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero aún sentían cierta incertidumbre sobre el recibimiento que tendrían a su llegada.^[96] Al llegar al recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.^[97] Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país por entonces—.^[98][99] A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles «no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico»,^[100] pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el Washington Coliseum.^[101] De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una semana aparecieron en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.^[102] Durante la semana del 4 de abril habían logrado situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares.^[103] Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.^[104][105] El peinado del cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema cultural de la juventud floreciente.^[106]

En junio de 1964 realizaron una gira internacional durante la cual la banda actuó en treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo.^[107][108] Starr se encontró hospitalizado después de una amigdalectomía durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés ciudades.^[109] Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible.^[109] El sistema de amplificación en ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos posteriores, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los gritos de los fanáticos. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran escuchar los detalles de sus actuaciones, la banda comenzó a aburrirse cada vez más de la rutina de los conciertos y las giras.^[110]

Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis.^[111] El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fanáticos de los músicos eran «percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados»: el público general de Dylan eran «chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio» en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos «verdaderos 'adolescentes'—chicos de secundaria o primaria, cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas». Seis meses después de la reunión, «Lennon habría de hacer grabaciones en donde imitaría abiertamente el tono nasal de Dylan —de estilo frágil— y su personalidad vocal introspectiva». Al cabo de un año, Dylan «procedería —con la ayuda de un grupo de cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster— a sacudirse su fama de autor folk auténtico que permanentemente llevaba a sus espaldas»; «se habrán evaporado casi las diferencias entre el público del folk y el rock»; y la audiencia de The Beatles «mostraría signos de crecimiento intelectual».^[112]

A Hard Day's Night, Beatles for Sale, conciertos en España

La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida para la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos.^[113] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night los involucró durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película.^[114] El estreno de la película tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional.^[115] Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género.^[116] Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese como «una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras».^[117] Este «sonido de guitarra» fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.^[118]

Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad.^[119] Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP, este incluía únicamente composiciones originales de ellos.^[119] Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio.^[119] Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.^[119]

En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en sus cafés.^[120] Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión.^[121] McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar públicamente sobre ello.^[122] La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el primer ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.^[123] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.^[124]

El julio de 1965 The Beatles dieron sus dos únicos conciertos en España, en Madrid y Barcelona, como parte de una gira de diez conciertos por toda Europa. No era la primera vez que visitaban España: John y Brian Epstein habían estado de vacaciones en 1963 en Torremolinos., mientras que Paul, George y Ringo optaron por Tenerife. Son famosas las escenas emitidas en el No-Do en el Hotel Gran Meliá Fénix, donde las Bodegas Domecq organizaron una cata de vino de Jerez y los chicos pudieron firmar unos barriles. El concierto de Madrid se realizó en Las Ventas, el 2 de junio de 1965 a las 20:30. La presentación corrió a cargo del ya famoso Torrebruno. Los teloneros fueron un elenco de grupos y cantantes nacionales que llenaron la primera parte del concierto: Los Pekenikes, Beatchics, Freddie Davis, Juan Cano, Michel, The Modern 4, The Rustik y Trinidad Steel Band (con Phil Trim, que se renombraron luego a los exitosos The Pop Tops). Al día siguiente tocaron en La Monumental de Barcelona.^[125]

La madurez: Help! y Rubber Soul

La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como «una parodia de las películas de James Bond»,^[126] el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: «Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada».^[126] Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía material original con solo dos canciones versionadas. Lennon era el cantante y compositor dominante en ella, incluyendo los dos sencillos extraídos del álbum: «Help!» y «Ticket to Ride».^[127] En Help! se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada «Yesterday».^[128] Compuesta por McCartney, «Yesterday» posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.^[129] La pista de cierre del LP, «Dizzy Miss Lizzy», se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción del álbum Let It Be, que contenía la canción popular tradicional de Liverpool «Maggie Mae», todos sus discos posteriores incluyeron solo material original.^[130]

El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55 600 personas.^[131] Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.^[132] En la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales.^[133] En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como protagonistas. La serie se hacía eco del humor de la película A Hard Day's Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo durante dos años más, hasta 1969.^[134]

Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre de 1965, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.^[135] El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul, The Beatles «recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale».^[136] Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de un sitar en «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones.^[135] Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fanáticos comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que «Norwegian Wood» podría referirse al cannabis.^[137] En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de «los 500 mejores álbumes de todos los tiempos»,^[138] y el álbum es descrito por Allmusic como «uno de los discos clásicos en el género musical de folk rock».^[139] De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue «sólo un álbum más».^[140] El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que «el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente» y «en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien».^[141]

Incidentes que condujeron a la última gira

En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and Today, un álbum creado por Capitol Records para el mercado estadounidense. El disco causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular historia, aunque apócrifa, fue que la foto de la portada habría que entenderla como una respuesta satírica al modo que empleó Capitol en masacrar los álbumes originales del grupo.^[142] Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10 500 dólares en diciembre de 2005.^[143] Durante una gira por Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and Today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos.^[144] Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar este tipo de invitaciones oficiales.^[145] The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un «no» por respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.^[146]

Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,^[147] opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo.^[148][149] El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando la revista Datebook la publicó en Estados Unidos, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos.^[150] Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971.^[151] Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto.^[152] Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.^[152]

Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Rubber Soul había marcado un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, marcaría otro paso más para el grupo.^[153] Pitchfork lo identifica como «el sonido de una banda que estaba creciendo con suprema confianza en sí misma» y «la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular».^[154] En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.^[153] Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un «collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley».^[153] El álbum fue precedido por el sencillo «Paperback Writer», con «Rain» en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados como «auténticos primeros videos musicales de entre los que se rodaron en aquella época»,^[155] y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.^[156][157]

Uno de los temas más experimentales de Revolver fue «Tomorrow Never Knows», cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta.^[158] «Eleanor Rigby», de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como «un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción».^[159] Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como «el tercer mejor álbum de todos los tiempos».^[138] En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.^[160] The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.^[161] Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1400 apariciones en conciertos a nivel internacional.^[162]

En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: «The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés».^[163] Algunas partes de «A Day in the Life» requirieron una orquesta de cuarenta personas.^[163] Cerca de 700 horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo independiente de doble lado A «Strawberry Fields Forever»/«Penny Lane» en febrero de 1967; el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando solo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles.^[164] Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, el oír «Strawberry Fields» fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles.^[165][166] El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos,^[138] y es ampliamente considerado como una obra maestra.^[167] Jonathan Gould lo describe como

... una obra rica, continua y desbordante de genialidad colaborativa, cuya audaz ambición y sorprendente originalidad hacen que se amplíe notablemente sus posibilidades, aumentando así las expectativas de lo que puede ser la experiencia de escuchar la música popular en una grabación. Sobre la base de esta percepción, el Sgt. Pepper devino en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por parte de las masas para con el formato de álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética como la economía de la industria discográfica que sobrepasaría las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis en 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía en 1963.^[167]

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular.^[168] Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda.^[169] Esas letras fueron objeto de intenso análisis; los fanáticos especularon, por ejemplo, que el «célebre Señor K.» en «Being for the Benefit of Mr. Kite!» de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka.^[170] El crítico literario estadounidense y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban «escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, sólo podía envidiarles».^[170] Poirier ha identificado lo que él llamó las «alusiones mixtas» del material musical: «Siempre es poco prudente asumir que solo están haciendo una sola cosa o que se están expresando en un único estilo [...] un solo tipo de sentimiento acerca de un tema no es suficiente [...] tiene que existir a menudo cualquier sentimiento inducido dentro del contexto de las alternativas aparentemente contradictorias».^[170] McCartney dijo en ese momento: «Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] Tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones».^[170] La muy elaborada portada del Sgt. Pepper's ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella.^[171] Los bigotes que en esta época llevaban los miembros del grupo se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie.^[172] El historiador cultural Jonathan Harris describió «el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares» usados por The Beatles en el disco como una visualización cómplice en contra de la autoridad y el sistema.^[173]

El 25 de junio interpretaron su nuevo sencillo, «All You Need is Love», para los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo.^[174] Su aparición en medio del Verano del Amor hizo que lo adoptasen como himno del flower power.^[175][176] Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor (Gales) para retirarse a la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto.^[177] El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental de anfetaminas, pero también se rumoreó de que se había descubierto una nota de suicidio entre sus posesiones.^[178] Epstein se había encontrado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles.^[179] Le preocupaba que no fueran a renovar su contrato de gestión con él, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos.^[178] La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: «No tuve ningún concepto erróneo acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que no fuera tocar música, y tenía miedo».^[180] Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: «Sabía que estábamos en apuros [...] Entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento».^[181]

Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine

Magical Mystery Tour, la banda sonora de una próxima película de The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967.^[182] En los Estados Unidos las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: «El sonido psicodélico de este disco está muy a la par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de 'I Am the Walrus')», y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos que publicaron en 1967 como «enormes, gloriosas e innovadoras».^[183] El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.^[184] Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despectivos hacia su filme. Fue llamada «una indudable basura» por el Daily Express, que la describió como «una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él».^[185] Sin embargo, el Daily Mail la calificó como «un proyecto vanidoso», mientras que The Guardian la calificó como «una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia».^[185] Le fue tan rotundamente mal que fue cancelada en ese momento en Estados Unidos.^[186] En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película.

Entretanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como el White Album —Álbum Blanco— debido a su funda totalmente blanca. En contraposición a las anteriores fundas o cubiertas, el Álbum Blanco —publicado con el plus del diseño minimalista de Richard Hamilton— contrastaba con anteriores diseños de las cubiertas de estilo pop-art como los que realizaba Peter Blake.^[187] La inspiración creativa para este álbum llegó desde una nueva dirección, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, la banda se volvió hacia el Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú.^[188] En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un «curso-guía» de tres meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum.^[189] Starr se marchó después de diez días de estancia allí, comparando aquel lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después.^[190] Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles.^[188] Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo.^[190] En su ira, Lennon escribió una canción llamada «Maharishi», pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción «Sexy Sadie».^[188] McCartney dijo: «Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había».^[188]

Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas.^[191] El romance de Lennon con la artista vanguardista Yoko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.^[192] Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison.^[193] También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como «autor de música para abuelitas», calificando la canción «Ob-La-Di, Ob-La-Da» como «música-basura para abuelitas».^[194] Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo: «Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos».^[195] McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: «Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos», lo cual siempre había sido «la mejor cosa de The Beatles».^[196] Publicado en noviembre, el White Album fue el primer álbum de The Beatles editado por Apple Records. El sello discográfico era una de las divisiones de la empresa Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar.^[197] El álbum tuvo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses.^[198] A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould,

La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita del rock, el White Album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...] claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó de exceso de ironía soterrada.^[198]

La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos.^[138] Pitchfork describe el álbum como «grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes».^[199] Allmusic señala: «Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo»; a pesar de todo «Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes», es visible que Harrison se ha convertido en «un compositor que merecía una demostración más amplia» y la composición de Starr «es un placer».^[200]

Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon «Revolution» se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: «libera tu mente» y «no cuentes conmigo» para cualquier conversación sobre la destrucción como medio para alcanzar un fin.^[201] En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.^[202] Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, «Revolution 1», añadía una palabra extra: «count me out... in» (traducible por: «no cuentes conmigo..., cuenta conmigo»), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes, pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.^[203]

El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía solo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción editada en sencillo en 1967; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin e interpretadas con su orquestada. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum «no fuese esencial», salvo por el tema «It's All Too Much» de Harrison, «la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante».^[204]

El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación

Aunque Let It Be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.^[205] En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, «no fue en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo».^[205] Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo «Get Back», el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, a los miembros de la banda se les agotaron todas las ideas, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.^[205]

El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get Back, mientras que ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el 12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono).^[206] No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.^[206]

Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido —según el productor— «una experiencia desagradable» y que había «pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como para las demás personas.»^[207] Las sesiones de grabación de Abbey Road se iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de «una obra musical continua», y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.^[207] El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney.^[207] El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: «Give Peace a Chance» de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de «I Want You (She's So Heavy)», de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969, pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales aún pendientes.

Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas.^[208] Su segunda pista, la balada «Something», se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles.^[209] Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general.^[210] Allmusic considera que es «un oportuno canto de cisne para el grupo» con «algunas de las mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock».^[211] MacDonald lo resaltó como «errático y, a menudo hueco»: «Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es».^[212] Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes de The Beatles; Lennon dijo que era «competente», pero «no tenía vida en él», llamando a «Maxwell's Silver Hammer» «más de la música de abuela de Paul».^[213][214] El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.^[215]

El 11 de septiembre de 2019, el periódico The Guardian reveló que la banda no planeaba que Abbey Road fuera su último disco. De hecho, la fuente informa que Lennon envió una grabación a Ringo Starr, que se encontraba hospitalizado, para informarle de que estaban planeando nuevo material.^[216] Entre los planes del cuarteto estaba que cada uno de los músicos aportara un tema como mínimo, y hasta se pensaba lanzar un sencillo para Navidad.^[217] Las declaraciones fueron hechas por Mark Lewisohn.

El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, «I Me Mine», de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.^[218] Para completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido recientemente el sencillo en solitario de Lennon «Instant Karma!». Además de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido como grabaciones «en vivo». McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en «The Long and Winding Road», que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector.^[219] Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y sus esperanzas cara al futuro.^[220]

El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, con producción final de Spector. El sencillo extraído de él, «The Long and Winding Road», fue su última publicación en los Estados Unidos, ya que en Gran Bretaña no se había publicado como tal. La película documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Premios Óscar del siguiente año ganaría el Óscar a la mejor banda sonora.^[221] The Sunday Telegraph la calificó como «una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros».^[222] Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.^[222] Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como «en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo gospel «Let It Be», que contiene alguna de sus mejores letras; 'Get Back', uno de sus temas más roqueros; y la melódica 'The Long and Winding Road', arruinada por la sobreproducción de Spector».^[223] Paul McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.^[224] Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.^[225][226]

1970-1979

Poco antes y después de su separación oficial, cada uno de ellos publicó álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el Concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro del sitar Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de un inédito jam session de 1974 (aparecido después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.^[227]

En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de The Beatles compilados por Allen Klein, The Beatles/1962-1966 y The Beatles/1967-1970.^[228] Comúnmente conocidos como el Álbum Rojo y Álbum Azul, respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un disco multiplatino en los Estados Unidos y una certificación de platino en el Reino Unido.^[229][230] Entre 1976 y 1982, se lanzaron, por parte de EMI/Capitol, una oleada de álbumes recopilatorios de The Beatles sin participación alguna de los miembros del grupo. El único álbum de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles durante sus giras de 1964 y 1965 en los Estados Unidos. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial de EMI —incluyendo The Beatles at the Hollywood Bowl— al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.^[231]

La fama y música de The Beatles fueron explotadas comercialmente de diferentes maneras, fuera del control creativo de sus cuatro miembros. En 1977, se inauguró un musical en Broadway llamado Beatlemanía. Era una revista nostálgica interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles y que gozó de una gran popularidad, de manera que se sonsacó de ella cinco producciones por separado para sus correspondientes giras mundiales.^[232][233] En 1977, The Beatles trataron infructuosamente de evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962.

Esta edición independiente contenía grabaciones que realizaron durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico de grabación y un solo micrófono.^[234] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada, entre otros, por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y artístico.^[235] En 1979, los cuatro músicos demandaron a los productores del musical Beatlemania, llegando a pedir varios millones de dólares de indemnización. «La gente creía que la música de The Beatles era del dominio público», dijo Harrison. «No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles».^[233]

1980-1989

John Lennon sería asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, de cinco disparos hechos por Mark David Chapman a la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la ciudad de Nueva York.^[236] Como tributo personal, George Harrison reescribió la letra de su canción «All Those Years Ago», un tema que versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción fue publicada como sencillo en mayo de 1981.^[237] En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo personal a Lennon en la canción «Here Today».

En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,^[238] a la que asistieron Harrison y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yoko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa diciendo: «Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas diferencias de negocios que yo hubiera deseado que ya hubieran sido resueltas para este momento. Desafortunadamente, no lo han sido, por lo que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con ellos en una falsa reunión».^[239][240] El año siguiente, EMI/Capitol puso fin a una demanda de diez años de duración que tenía con The Beatles referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar comercialmente material inédito.^[98][241]

1990-1999

Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 1960 por Neil Aspinall.^[242] Primero road manager y después asistente personal de The Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después de haber llegado a director de Apple Corps en 1968.^[242] The Long and Winding Road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que, como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 1990, estuvo en condiciones de completar su trabajo.^[242] Documentando la historia de The Beatles relatada por los propios miembros, el proyecto vio surgir algunas de sus grabaciones inéditas; McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas por Lennon a finales de la década de 1970.^[243] Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes con dos CD cada uno. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por sus exmiembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, «Free as a Bird» y «Real Love», fueron lanzadas cada una como sencillo.^[242] El diseño artístico de la portada tríptica de los tres álbumes antológicos fue obra de Klaus Voormann, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una audiencia estimada de 400 millones de personas en todo el mundo.^[242]

2000-2009

El 13 de noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que contenía todos los números uno británicos y estadounidenses de The Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los tiempos, con 3,6 millones de unidades vendidas en su primera semana y más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número uno en las listas de al menos 28 países, incluyendo el Reino Unido y los Estados Unidos.^[244] Hasta abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en los Estados Unidos.^[245][246]

Harrison moriría de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001.^[247][248] McCartney y Starr fueron dos de los músicos que aparecieron en el Concert for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una celebración de la música tradicional hindú, que tanto había influido a The Beatles a través de Harrison.^[249] En 2003 se lanzó Let It Be... Naked, una versión remodelada del álbum original Let It Be con la producción supervisada de McCartney, y que recibió reseñas diversas por parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos.

Como banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil en Las Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear «una manera de revivir toda la vida musical de The Beatles en un periodo muy condensado de tiempo».^[250] El espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum Love en noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yoko Ono y Olivia Harrison.^[251] Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que McCartney esperaba completar «Now and Then», una tercera maqueta de Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería acreditada como «una composición de Lennon/McCartney» con la adición de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la guitarra.^[252]

En marzo de 2008 los abogados representantes de Apple Corps tramitaron una demanda para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas durante la primera aparición de Starr con The Beatles en el Star-Club de Hamburgo en 1962.^[253] En noviembre, McCartney habló de su esperanza de que «Carnival of Light», una grabación experimental de 14 minutos de The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967, recibiera una versión oficial.^[254] El 4 de abril de 2009, McCartney encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás invitados.^[255]

El 9 de septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock Band, un videojuego dentro de la serie Rock Band, y que estaba basado en las canciones de The Beatles.^[256] Ese mismo día salieron a la venta las versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del grupo, más Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters.^[257]

2010-2019

El 12 de abril de 2010 el periódico oficial del Vaticano L'Osservatore Romano dedicó dos artículos y una caricatura con el objetivo de elogiar a The Beatles a 40 años de su separación, en los cuales la Santa Sede elogiaba la música de la banda al catalogarla como «hermosa» además de destacar la importancia que tuvieron para la música pop.^[258]

Durante los Juegos Olímpicos de Londres 2012 el ex beatle Paul McCartney se sumó a las estrellas invitadas a la ceremonia de inauguración interpretando la canción Hey Jude al final de esta^[259] mientras que en la ceremonia de clausura John Lennon recibió un homenaje cuando un grupo de niños interpretó Imagine a la vez que la cara del músico se representaba con piezas de hule espuma.^[260]

El 9 de febrero de 2014 la cadena de televisión estadounidense CBS transmitió un programa titulado The Night That Change America: A Grammy Salute to The Beatles, un homenaje en el marco del 50 aniversario de la presentación de la banda en el show de Ed Sullivan. Este programa consistió en un concierto grabado el 27 de enero de ese año al cual asistieron los dos miembros vivos de la banda (McCartney y Starr) y en el que participaron e interpretando varias canciones de la banda por separado y al final del mismo interpretaron juntos With a Little Help from My Friends y Hey Jude. El programa también incluyó algunas escenas de la presentación de la banda en el show de Ed Sullivan y una entrevista a los dos ex beatles realizada por David Letterman.

El 16 de septiembre de 2016 se estrenó en los cines de todo el mundo la película documental Eight Days a Week que abarca los años de gira de la banda y que estuvo dirigida por Ron Howard. Contó con la participación de Paul McCartney y Ringo Starr como únicos miembros vivos del grupo, así como diversas celebridades del mundo de la música y el cine. Consiguió ganar un premio Grammy y estar nominada a los premios BAFTA, NME, Satellite, Empire y Critic's Choice.

A partir de 2017 se han lanzado versiones remezcladas por Giles Martin, hijo de George Martin, de los álbumes posteriores a 1967 en el marco de sus 50 años (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; The Beatles; Abbey Road y Let It Be), las cuales han incluido material extra de las sesiones de grabación.

El 11 de septiembre de 2019 el periódico The Guardian dio a conocer detalles de una grabación de una reunión en la cual The Beatles hacían planes para grabar un nuevo álbum después de Abbey Road, dichas grabaciones serían para poner al tanto a Ringo Starr quien en ese entonces se encontraba enfermo y por ende no había podido asistir a dicha reunión;^[261] cerca de un mes después el propio Starr confirmó la información. En medio de esto se lanzó la edición de aniversario precisamente de Abbey Road por cumplirse el quincuagésimo aniversario de su lanzamiento y pocos días después se reportó que el álbum había vuelto a alcanzar el puesto número uno en las listas británicas.^[262] El 25 de octubre del mismo año Starr lanzó su nuevo álbum What's My Name? que contiene su propia versión de la canción de Lennon Grow Old With Me la cual contó con la participación de McCartney en el bajo y la inclusión de cuerdas de George Harrison provenientes de la canción Here Comes the Sun, con lo cual buscó (según sus propias palabras) que los cuatro estuvieran en la canción.^[263]

2020-actualidad

A principios de 2020 se dio a conocer que el álbum Abbey Road se convirtió en el vinilo más vendido en la década pasada vendiendo 558,000 unidades vendidas de las cuales la mitad se realizó el año anterior.^[264] Por las mismas fechas se publicó la noticia de la producción de un nuevo documental sobre la banda realizado por Peter Jackson a partir de 55 horas de material inédito grabado durante las sesiones del álbum Let It Be en enero de 1969, marcando como fecha de estreno el otoño del mismo año para salir casi al mismo tiempo que un libro titulado The Beatles Get Back el cual tiene programado salir a la venta el 15 de octubre de 2020.^[265] Finalmente el documental fue lanzado a fines de 2021 a través de Disney+, dividido en tres episodios y ofreciendo una imagen completamente diferente del grupo a lo que siempre se mostró en la película Let It Be. El mismo ha recibido la aclamación de la crítica y los aficionados.^[266]

En 2022, siguiendo la repercusión generada por el documental, se publicó en las plataformas de música el audio completo del concierto en la azotea. Ese mismo año, luego de varios rumores, se confirmó que Revolver será el próximo álbum en recibir un remix por parte de Giles Martin.^[267][268]

En junio de 2023, McCartney anunció planes para lanzar "el tema final de The Beatles" más adelante ese mismo año, utilizando la tecnología de desmezcla de Jackson para extraer la voz de Lennon de una antigua demostración de una canción que había escrito como solista. En octubre de 2023, se reveló que la canción era "Now and Then", cuya fecha de lanzamiento física y digital fue el 2 de noviembre de 2023.

Semanas después de publicar el nuevo sencillo de The Beatles. El 10 de noviembre de 2023 se relanzaron los álbumes recopilatorio, The Beatles 1962/1966 (álbum rojo) y The Beatles 1967/1970 (álbum azúl) pero en su versión ampliada de lujo, ya incluyendo con la canción inédita «Now and Then».^[269][270]