The Beatles
banda de rock británica
From Wikipedia, the free encyclopedia
The Beatles, conocida en el mundo hispano como Los Beatles, fue una banda de rock británica formada en Liverpool en 1960. La agrupación original estaba compuesta por John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr. Son ampliamente considerados como la banda más influyente de la música popular y fueron fundamentales para el desarrollo de la contracultura de los años 60 y el reconocimiento de la música popular como una forma de arte.[1][2] Con raíces en el skiffle, el beat y el rock 'n' roll de los años 50, su sonido incorporó elementos de la música clásica y el pop tradicional de maneras innovadoras. La banda también exploró estilos musicales que iban desde el folk y la música india hasta la psicodelia y el hard rock. Como pioneros en la grabación, composición y presentación artística, los Beatles revolucionaron muchos aspectos de la industria musical y a menudo fueron presentados como líderes de los movimientos juveniles y socioculturales de la época.[3]
| The Beatles | ||
|---|---|---|
|
The Beatles en 1963 De izquierda a derecha: Paul McCartney, Ringo Starr, George Harrison y John Lennon. | ||
| Datos generales | ||
| Origen | Liverpool (Reino Unido) | |
| Estado | Disuelto | |
| Información artística | ||
| Género(s) | ||
| Período de actividad | 1960-1970 | |
| Discográfica(s) | ||
| Artistas relacionados | The Quarrymen | |
| Web | ||
| Sitio web | thebeatles.com | |
| Exmiembros | ||
|
John Lennon Paul McCartney George Harrison Ringo Starr (véase sección de miembros para otros) | ||
Liderados por los principales compositores Lennon-McCartney, los Beatles evolucionaron a partir del grupo anterior de Lennon, The Quarrymen, y forjaron su reputación tocando en clubes de Liverpool y Hamburgo (Alemania), a partir de 1960. El trío principal formado por Lennon, McCartney y Harrison, juntos desde 1958, tuvo varios bateristas antes de invitar a Starr a unirse a ellos en 1962. El mánager Brian Epstein los convirtió en un grupo profesional, y el productor George Martin desarrolló sus grabaciones, y expandieron enormemente su éxito en el Reino Unido tras firmar con EMI y lograron su primer éxito, «Love Me Do», a finales de 1962. A medida que su popularidad crecía hasta convertirse en el intenso frenesí de los fanáticos conocido como «Beatlemanía», la banda adquirió el apodo de «los Fab Four». A principios de 1964, los Beatles eran estrellas internacionales y habían alcanzado niveles sin precedentes de éxito de crítica y comercial. Se convirtieron en una fuerza líder del resurgimiento cultural británico, dando paso a la invasión británica del mercado pop estadounidense. Pronto debutaron en el cine con A Hard Day's Night (1964).
Un creciente deseo de perfeccionar su trabajo en el estudio, sumado a la exigencia de sus giras de conciertos, llevó a la banda a retirarse de las presentaciones en vivo en 1966. Durante este tiempo, produjeron álbumes de mayor sofisticación, como Rubber Soul (1965), Revolver (1966) y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). Disfrutaron de un mayor éxito comercial con The Beatles —también conocido como «el Álbum Blanco», 1968— y Abbey Road (1969). El éxito de estos discos marcó el comienzo de la era del álbum, aumentó el interés del público por las drogas psicodélicas y la espiritualidad oriental, e impulsó los avances en la música electrónica, el diseño de portadas y los videoclips. En 1968, fundaron Apple Corps, una corporación multimedia con múltiples divisiones que continúa supervisando proyectos relacionados con el legado de la banda. Tras la disolución del grupo en 1970, todos los exmiembros principales cosecharon éxitos como solistas. Si bien se produjeron algunas reuniones parciales durante la década siguiente, los cuatro miembros nunca se reunieron por completo. Lennon fue asesinado en 1980 y Harrison falleció de cáncer de pulmón en 2001; McCartney y Starr siguen activos musicalmente.
Los Beatles son el grupo musical más vendido de todos los tiempos, con ventas estimadas de más de 600 millones de unidades en todo el mundo.[4][5] Son la banda más exitosa en la historia de las listas de Billboard de Estados Unidos,[6] con la mayor cantidad de sencillos número uno en la lista Billboard Hot 100 —20—. Ostentan el récord de mayor cantidad de sencillos vendidos en el Reino Unido —21,9 millones— y mantuvieron el récord de mayor cantidad de álbumes número uno en la lista de álbumes del Reino Unido —15— hasta que Robbie Williams los superó en 2026.[7] El grupo recibió numerosos galardones, incluyendo ocho premios Grammy, cuatro premios Brit, un premio Óscar —a Mejor Banda Sonora Original por el documental de 1970 Let It Be— y quince premios Ivor Novello. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en su primer año de elegibilidad, 1988, y cada miembro principal fue incorporado individualmente entre 1994 y 2015. En 2004 y 2011, el grupo encabezó las listas de Rolling Stone de los mejores artistas de la historia. La revista Time los incluyó entre las 100 personas más importantes del siglo XX.
Historia
1956-1963: formación
The Quarrymen y cambio de nombres
En noviembre de 1956, John Lennon, de dieciséis años, formó un grupo de skiffle con varios amigos de la escuela secundaria Quarry Bank en Liverpool. Se llamaban The Quarrymen, en referencia a la canción de su escuela: «Los hombres de la cantera eran viejos antes de nuestro nacimiento».[8] Paul McCartney, de quince años, conoció a Lennon el 6 de julio de 1957 y se unió como guitarrista rítmico poco después.[9] En febrero de 1958, McCartney invitó a su amigo George Harrison, que entonces tenía quince años, a ver a la banda. Harrison audicionó para Lennon, impresionándolo con su forma de tocar, pero Lennon inicialmente pensó que Harrison era demasiado joven. Después de un mes de insistencia, durante un segundo encuentro —organizado por McCartney—, Harrison interpretó la parte de guitarra principal de la canción instrumental «Raunchy» en la planta superior de un autobús de Liverpool,[10] y lo contrataron como guitarrista líder.[11][12]
En enero de 1959, los amigos de Lennon de Quarry Bank abandonaron el grupo y él comenzó sus estudios en el Liverpool College of Art.[13] Los tres guitarristas, que se hacen llamar Johnny and the Moondogs,[14] tocaban rock and roll siempre que podían encontrar un baterista.[15] También actuaron como The Rainbows. Paul McCartney le contó más tarde a New Musical Express que se llamaban así «porque todos teníamos camisas de diferentes colores y no podíamos permitirnos comprar otras».[16]
Stuart Sutcliffe, amigo de Lennon de la escuela de arte, que acababa de vender uno de sus cuadros y fue persuadido para comprar un bajo con el dinero, se unió al grupo en enero de 1960. Sugirió cambiar el nombre de la banda a Beatles, como homenaje a Buddy Holly y a The Crickets.[17][18] Utilizaron este nombre hasta mayo, cuando se convirtieron en los Silver Beetles, antes de emprender una breve gira por Escocia como grupo de acompañamiento del cantante pop y también oriundo de Liverpool, Johnny Gentle. A principios de julio, se reinventaron como los Silver Beatles y a mediados de agosto simplemente como The Beatles.[19]
Residencias tempranas y popularidad en el Reino Unido
Allan Williams, el mánager no oficial de los Beatles, les consiguió una residencia en Hamburgo. A mediados de agosto de 1960, hicieron una audición y contrataron al baterista Pete Best. La banda, ahora un quinteto, partió de Liverpool hacia Hamburgo cuatro días después, con un contrato con el dueño del club, Bruno Koschmider, para una residencia de tres meses y medio.[20] El historiador de los Beatles, Mark Lewisohn, escribe: «Llegaron a Hamburgo al anochecer del 17 de agosto, la hora en que el barrio rojo cobra vida... las luces de neón parpadeantes anunciaban a gritos los diversos espectáculos que se ofrecían, mientras mujeres con poca ropa se sentaban descaradamente en los escaparates esperando oportunidades de negocio».[21]
Koschmider había convertido un par de clubes de striptease en el barrio rojo de Reeperbahn (St. Pauli) en salas de conciertos y, en un principio, colocó a los Beatles en el Indra Club. Después de cerrar el Indra debido a quejas por ruido, los trasladó al Kaiserkeller en octubre.[22] Cuando se enteró de que habían estado actuando en el club rival Top Ten Club incumpliendo su contrato, les dio un preaviso de rescisión de un mes,[23] y denunció al menor de edad Harrison, quien había obtenido permiso para permanecer en Hamburgo mintiendo a las autoridades alemanas sobre su edad.[24] Las autoridades organizaron la deportación de Harrison a finales de noviembre.[25] Una semana después, Koschmider hizo arrestar a McCartney y Best por incendio provocado después de que prendieran fuego a un condón en un pasillo de concreto; las autoridades los deportaron.[26] Lennon regresó a Liverpool a principios de diciembre, mientras que Sutcliffe permaneció en Hamburgo hasta finales de febrero con su prometida alemana Astrid Kirchherr,[27] quién tomó las primeras fotos semiprofesionales de los Beatles.[28]
Durante los dos años siguientes, los Beatles residieron por temporadas en Hamburgo, donde utilizaron Preludin tanto para divertirse como para mantener su energía durante las actuaciones que duraban toda la noche.[29]En 1961, durante su segundo concierto en Hamburgo, Kirchherr le cortó el pelo a Sutcliffe al estilo «existencialista», que más tarde adoptaron los demás Beatles.[30][31] Sutcliffe decidió dejar la banda a principios de ese año y retomar sus estudios de arte en Alemania. McCartney ocupó el puesto de bajista.[32] El productor Bert Kaempfert contrató al grupo, que por entonces estaba formado por cuatro miembros, hasta junio de 1962, y los utilizó como banda de acompañamiento de Tony Sheridan en una serie de grabaciones para Polydor Records.[18][33] Como parte de las sesiones, los Beatles firmaron un contrato con Polydor por un año.[34] Atribuido a «Tony Sheridan & the Beat Brothers», el sencillo «My Bonnie», grabado en junio de 1961 y publicado cuatro meses después, alcanzó el puesto número 32 en la lista de éxitos de Musikmarkt.[35]
Después de que los Beatles terminaran su segunda residencia en Hamburgo, gozaron de una creciente popularidad en Liverpool con el floreciente movimiento Merseybeat. Sin embargo, estaban cansados de la monotonía de numerosas presentaciones en los mismos clubes noche tras noche.[36] En noviembre de 1961, durante una de las frecuentes actuaciones del grupo en el Cavern Club, conocieron a Brian Epstein, propietario de una tienda de discos local y columnista musical.[37] Más tarde recordó: «Me gustó inmediatamente lo que escuché. Eran frescos, eran honestos y tenían lo que yo consideraba una especie de presencia... [una] cualidad de estrella».[38]
Primeras grabaciones en EMI
Epstein cortejó a la banda durante los meses siguientes, y ellos lo nombraron su representante en enero de 1962.[39] Durante la primera mitad de 1962, Epstein intentó liberar a los Beatles de sus obligaciones contractuales con Bert Kaempfert Productions. Finalmente, negoció un mes de liberación anticipada a cambio de una última sesión de grabación en Hamburgo.[40] A su regreso a Alemania en abril, un consternado Kirchherr los recibió en el aeropuerto con la noticia de la muerte de Sutcliffe el día anterior a causa de una hemorragia cerebral.[41] Epstein comenzó a negociar con sellos discográficos para un contrato de grabación. Para asegurar un contrato discográfico en el Reino Unido, Epstein negoció la finalización anticipada del contrato de la banda con Polydor, a cambio de más grabaciones acompañando a Tony Sheridan.[42] Tras una audición el día de Año Nuevo, Decca Records rechazó al grupo, diciendo: «Los grupos de guitarra están pasando de moda, Sr. Epstein».[43] Sin embargo, tres meses después, el productor George Martin fichó a los Beatles para el sello Parlophone de EMI.[41]
La primera sesión de grabación de Martin con los Beatles tuvo lugar en los estudios de grabación EMI —más tarde Abbey Road Studios— en Londres el 6 de junio de 1962.[44] Inmediatamente se quejó a Epstein sobre la forma en que Best tocaba la batería y sugirió que usaran a un baterista de sesión en su lugar.[45] Ya en consideración del despido de Best,[46] los Beatles lo reemplazaron a mediados de agosto con Ringo Starr, quien dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a ellos.[44] Una sesión el 4 de septiembre en EMI dio como resultado una grabación de «Love Me Do» con Starr a la batería, pero un Martin insatisfecho contrató al baterista Andy White para la tercera sesión de la banda una semana después, que produjo grabaciones de «Love Me Do», «Please Please Me» y «P.S. I Love You».[44]
Martin seleccionó inicialmente la versión de Starr de «Love Me Do» para el primer sencillo de la banda, aunque las reediciones posteriores incluyeron la versión de White, con Starr tocando la pandereta.[44] Lanzado a principios de octubre, «Love Me Do» alcanzó el puesto número 17 en la lista de Record Retailer.[47] Su debut televisivo tuvo lugar a finales de ese mismo mes con una actuación en directo en el programa de noticias regional People and Places.[48] Después de que Martin sugiriera volver a grabar «Please Please Me» a un tempo más rápido,[49] una sesión de estudio a finales de noviembre dio como resultado esa grabación,[50] de lo cual Martin predijo con precisión: «Acabas de conseguir tu primer número 1».[51]
En diciembre de 1962, los Beatles concluyeron su quinta y última residencia en Hamburgo en el Star-Club.[52] Para 1963, habían acordado que los cuatro miembros de la banda contribuirían con voces a sus álbumes, incluyendo a Starr, a pesar de su limitado rango vocal, para validar su posición en el grupo.[53] Lennon y McCartney habían establecido una sociedad de composición, y a medida que crecía el éxito de la banda, su colaboración dominante limitó las oportunidades de Harrison como vocalista principal.[54] Epstein, para maximizar el potencial comercial de los Beatles, los animó a adoptar un enfoque profesional en sus actuaciones.[55] Lennon recordó que le dijo: «Mira, si de verdad quieres tocar en sitios más grandes, vas a tener que cambiar: deja de comer en el escenario, deja de decir palabrotas, deja de fumar...».[43][nb 1]
1963-1966: Beatlemanía y años de gira
Please Please Me y With the Beatles
El 11 de febrero de 1963, los Beatles grabaron diez canciones en una sola sesión de estudio para su álbum debut, Please Please Me. A este se le añadieron los cuatro temas ya publicados en sus dos primeros sencillos. Martin consideró grabar el álbum en directo en The Cavern Club, pero tras decidir que la acústica del local era inadecuada, optó por simular un álbum en directo con una producción mínima en una maratónica sesión en Abbey Road.[57] Tras el éxito moderado de «Love Me Do», el sencillo «Please Please Me» se lanzó en enero de 1963, dos meses antes que el álbum. Alcanzó el número uno en todas las listas de éxitos del Reino Unido, excepto en la de Record Retailer, donde llegó al número dos.[58]
Recordando cómo los Beatles «se apresuraron a lanzar su álbum debut, componiendo Please Please Me en un solo día», el crítico de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine, escribió: «Décadas después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente por sus intensos orígenes».[59] Lennon dijo que en aquel entonces no le dedicaban mucha atención a la composición; él y McCartney simplemente «escribían canciones al estilo de los Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop sin pensar más en ellas que eso: crear un sonido. Y las letras eran casi irrelevantes».[60]
| Grabación externa | ||
|---|---|---|
 Fragmento de «She Loves You». El uso repetido de exclamaciones «yeah» en la canción se convirtió en una frase característica del grupo en ese momento[61][62] | ||
Atención: este archivo está alojado en un sitio externo, fuera del control de la Fundación Wikimedia. |
Publicado en marzo de 1963, Please Please Me fue el primero de once álbumes consecutivos de los Beatles lanzados en el Reino Unido en alcanzar el número uno.[63] El tercer sencillo de la banda, «From Me to You», salió en abril y dio inicio a una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos número uno en el Reino Unido, incluyendo todos menos uno de los dieciocho que lanzaron durante los siguientes seis años.[64] Publicado en agosto, su cuarto sencillo, «She Loves You», logró las ventas más rápidas de cualquier disco en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo tres cuartos de millón de copias en menos de cuatro semanas.[65] Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias y siguió siendo el disco más vendido en el Reino Unido hasta 1978.[66][nb 2]
El éxito les brindó una mayor exposición mediática, a la que los Beatles respondieron con una actitud irreverente y cómica que desafió las expectativas de los músicos pop de la época, inspirando aún más interés.[67] La banda realizó tres giras por el Reino Unido en la primera mitad del año: una gira de cuatro semanas que comenzó en febrero, la primera de los Beatles a nivel nacional, precedió a las giras de tres semanas en marzo y entre mayo y junio.[68] A medida que su popularidad se extendía, se desató una frenética adulación hacia el grupo. El 13 de octubre, los Beatles fueron la estrella de Sunday Night at the London Palladium, el espectáculo de variedades más importante del Reino Unido.[69] Su actuación fue televisada en directo y vista por 15 millones de espectadores. Los titulares de un periódico nacional en los días siguientes acuñaron el término «Beatlemanía» para describir el entusiasmo desenfrenado de los fanáticos que gritaban al recibir a la banda, y el término se popularizó.[69][70] Aunque no figuraban como cabezas de cartel de la gira, los Beatles eclipsaron a los artistas estadounidenses Tommy Roe y Chris Montez durante sus actuaciones de febrero y asumieron el primer puesto en los carteles «a petición del público», algo que ningún artista británico había logrado anteriormente mientras giraba con artistas de Estados Unidos.[71] Una situación similar se produjo durante su gira de mayo-junio con Roy Orbison.[72]
A finales de octubre, los Beatles iniciaron una gira de cinco días por Suecia, su primera vez en el extranjero desde su último concierto en Hamburgo en diciembre de 1962.[74] A su regreso al Reino Unido el 31 de octubre, varios cientos de fanáticos eufóricos los recibieron bajo una intensa lluvia en el aeropuerto de Heathrow. Entre 50 y 100 periodistas y fotógrafos, así como representantes de la BBC, también se unieron a la recepción en el aeropuerto, la primera de más de 100 eventos similares.[75] Al día siguiente, la banda comenzó su cuarta gira por Gran Bretaña en nueve meses, esta vez programada para seis semanas.[76] A mediados de noviembre, a medida que la Beatlemanía se intensificaba, la policía recurrió al uso de mangueras de agua a alta presión para controlar a la multitud antes de un concierto en Plymouth.[77] El 4 de noviembre, actuaron ante la Reina Madre y la Princesa Margarita durante la Gala Real de Variedades en el Teatro Príncipe de Gales.[78]
Please Please Me mantuvo la primera posición en la lista de Record Retailer durante 30 semanas, solo para ser desplazado por su sucesor, With the Beatles,[79] que EMI lanzó el 22 de noviembre y batió récords de pedidos anticipados con 270.000 copias. El LP superó el medio millón de álbumes vendidos en una semana.[80] Grabado entre julio y octubre, With the Beatles hizo un mejor uso de las técnicas de producción de estudio que su predecesor.[81] Se mantuvo en el primer puesto durante 21 semanas, con una permanencia en las listas de 40 semanas.[82] Erlewine describió el LP como «una secuela de primer orden, que supera a la original».[83]
En un giro inesperado respecto a la práctica habitual de la época, EMI lanzó el álbum antes del inminente sencillo «I Want to Hold Your Hand», excluyendo la canción para maximizar las ventas del sencillo.[84] El álbum llamó la atención del crítico musical William Mann, de The Times, quien sugirió que Lennon y McCartney eran «los compositores ingleses más destacados de 1963».[81] El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció análisis detallados de la música, otorgándole respetabilidad.[85] With the Beatles se convirtió en el segundo álbum en la historia de las listas de éxitos del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra que anteriormente solo había alcanzado la banda sonora de South Pacific de 1958.[86] Al redactar las notas de la contraportada del álbum, el jefe de prensa de la banda, Tony Barrow, utilizó el superlativo «el fabuloso cuarteto», que los medios de comunicación adoptaron ampliamente como «los Fab Four».[87]
Primera visita a los Estados Unidos y la invasión británica
La filial estadounidense de EMI, Capitol Records, obstaculizó los lanzamientos de los Beatles en Estados Unidos durante más de un año al negarse inicialmente a publicar su música, incluidos sus tres primeros sencillos. Las negociaciones simultáneas con el sello independiente estadounidense Vee-Jay propiciaron el lanzamiento de algunas, pero no todas, las canciones en 1963.[88] Vee-Jay finalizó la preparación del álbum Introducing... The Beatles, que incluía la mayoría de las canciones de Please Please Me de Parlophone, pero una reorganización de la dirección provocó que el álbum no se publicara.[nb 3] Tras descubrirse que el sello discográfico no declaraba los derechos de autor sobre sus ventas, la licencia que Vee-Jay había firmado con EMI quedó anulada.[90] Se otorgó una nueva licencia al sello Swan para el sencillo «She Loves You». El disco tuvo cierta difusión en la zona de Tidewater, Virginia, gracias a Gene Loving de la emisora de radio WGH y apareció en el segmento «Rate-a-Record» de American Bandstand, pero no logró tener éxito a nivel nacional.[91]
.jpg)
Epstein llevó una copia demo de «I Want to Hold Your Hand» a Brown Meggs de Capitol, quien contrató a la banda y organizó una campaña de marketing de 40 000 dólares estadounidenses. El éxito en las listas estadounidenses comenzó después de que el locutor Carroll James de la emisora de radio AM WWDC, en Washington D. C., obtuviera una copia del sencillo británico «I Want to Hold Your Hand» a mediados de diciembre de 1963 y comenzara a ponerlo al aire.[92] Las grabaciones de la canción pronto circularon entre otras emisoras de radio de todo Estados Unidos. Esto provocó un aumento de la demanda, lo que llevó a Capitol a adelantar el lanzamiento de «I Want to Hold Your Hand» tres semanas.[93] Publicado el 26 de diciembre, a tan solo unas semanas del debut de la banda en ese país, «I Want to Hold Your Hand» vendió un millón de copias y se convirtió en un éxito número uno en Estados Unidos a mediados de enero.[94] Tras ello, Vee-Jay lanzó Introducing... The Beatles[95] junto con el álbum debut de Capitol, Meet the Beatles!, mientras Swan reactivó la producción de «She Loves You».[96] El sello Odeon, una filial de EMI, prensó los LP de los Beatles para su envío y distribución en el extranjero.[97] Tras la gira de los Beatles por Estados Unidos, MGM Records lanzó el sencillo «My Bonnie» con «The Saints» como cara B en Estados Unidos el 27 de enero de 1964 como sencillo de los Beatles,[98] y Atco siguió publicando las grabaciones que los Beatles habían hecho en Alemania con Tony Sheridan en 1961 y 1962.[99]
.jpg)
El 7 de febrero de 1964, los Beatles partieron de Heathrow con aproximadamente 4000 fanáticos que saludaban y gritaban mientras el avión despegaba.[100] Al aterrizar en el aeropuerto John F. Kennedy de Nueva York, una multitud eufórica, estimada en 3000 personas, los recibió.[101] Dos días después, ofrecieron su primera actuación en directo en la televisión estadounidense en el programa The Ed Sullivan Show, que fue visto por aproximadamente 73 millones de espectadores en más de 23 millones de hogares,[102] o el 34 por ciento de la población estadounidense. El biógrafo Jonathan Gould escribe que, según el servicio de medición de audiencias Nielsen, fue «la mayor audiencia jamás registrada para un programa de televisión estadounidense».[103] A la mañana siguiente, los Beatles se despertaron con un consenso crítico mayoritariamente negativo en Estados Unidos,[104] pero un día después, en su primer concierto en Estados Unidos, la Beatlemanía estalló en el Washington Coliseum.[105] De regreso en Nueva York al día siguiente, los Beatles recibieron otra fuerte acogida durante dos conciertos en Carnegie Hall.[102] La banda voló a Florida, donde apareció en The Ed Sullivan Show por segunda vez, nuevamente ante 70 millones de espectadores, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.[106]
La primera visita de los Beatles a Estados Unidos tuvo lugar cuando la nación aún estaba de luto por el asesinato del presidente John F. Kennedy el noviembre anterior.[107] Los comentaristas suelen sugerir que, para muchos, especialmente para los jóvenes, las actuaciones de los Beatles reavivaron la sensación de entusiasmo y posibilidad que se había desvanecido momentáneamente tras el asesinato y ayudaron a allanar el camino para los cambios sociales revolucionarios que se producirían más adelante en la década.[108] Su peinado, inusualmente largo para la época y objeto de burlas por parte de muchos adultos,[18] se convirtió en un emblema de rebeldía para la floreciente cultura juvenil.[109]
La popularidad del grupo generó un interés sin precedentes en la música británica, y muchos otros artistas del Reino Unido posteriormente hicieron su debut en Estados Unidos, realizando giras exitosas durante los siguientes tres años en lo que se denominó la Invasión Británica.[110] El éxito de los Beatles en Estados Unidos abrió las puertas para que una sucesión de grupos de música beat y artistas pop británicos como Dave Clark Five, The Animals, Herman's Hermits, Petula Clark, The Kinks y The Rolling Stones alcanzaran el éxito en Estados Unidos.[111] Durante la semana del 4 de abril de 1964, los Beatles ocuparon doce posiciones en la lista Billboard Hot 100 de sencillos, incluyendo los cinco primeros puestos.[112][nb 4]
A Hard Day's Night
La falta de interés de Capitol Records a lo largo de 1963 no pasó desapercibida, y un competidor, United Artists Records, animó a su división cinematográfica a ofrecer a los Beatles un contrato para tres películas, principalmente por el potencial comercial de las bandas sonoras en Estados Unidos.[114] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night participó a la banda durante seis semanas entre marzo y abril de 1964 interpretándose a sí mismos en una comedia musical.[115] La película se estrenó en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional, y algunos críticos la compararon con las películas de los Hermanos Marx.[116]
United Artists lanzó un álbum con la banda sonora completa para el mercado norteamericano, que combinaba canciones de los Beatles con la partitura orquestal de Martin; en otros lugares, el tercer LP de estudio del grupo, A Hard Day's Night, contenía canciones de la película en la cara A y otras grabaciones nuevas en la cara B.[117] Según Erlewine, con este álbum «realmente alcanzaron su máximo potencial como banda. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se fusionaron en un sonido brillante, alegre y original, lleno de guitarras resonantes y melodías irresistibles».[118] Ese sonido de «guitarra resonante» fue principalmente producto de la Rickenbacker eléctrica de 12 cuerdas de Harrison, un prototipo que le regaló el fabricante y que debutó en el disco.[119][nb 5]
Gira mundial de 1964, encuentro con Bob Dylan y postura sobre los derechos civiles
En junio y julio, los Beatles realizaron una gira internacional con 37 conciertos en 27 días en Dinamarca, los Países Bajos, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda.[120][nb 6] En agosto y septiembre, regresaron a Estados Unidos con una gira de 30 conciertos en 23 ciudades.[122] Generando un gran interés una vez más, la gira de un mes de duración atrajo entre 10 000 y 20 000 personas a cada espectáculo de 30 minutos en ciudades desde Nueva York hasta San Francisco.[122]
En agosto, el periodista Al Aronowitz organizó un encuentro entre los Beatles y Bob Dylan.[123] Durante una visita a la banda en su suite de hotel en Nueva York, Dylan les presentó el cannabis.[124] Gould destaca la importancia musical y cultural de este encuentro, antes del cual las respectivas bases de fanáticos de los músicos eran percibidas como pertenecientes a dos subculturas distintas: el público de Dylan, compuesto por jóvenes universitarios con inclinaciones artísticas o intelectuales, un incipiente idealismo político y social y un estilo ligeramente bohemio, contrastaba con sus fanáticos, auténticos adolescentes: chicos de secundaria o primaria cuyas vidas estaban totalmente inmersas en la cultura popular comercializada de la televisión, la radio, los discos de pop, las revistas para fans y la moda juvenil. Para muchos de los seguidores de Dylan en la escena de la música folk, los Beatles eran vistos como idólatras, no como idealistas.[125]
Según Gould, a los seis meses de la reunión, «Lennon estaría grabando discos en los que imitaba abiertamente el tono nasal, el rasgueo frágil y la personalidad vocal introspectiva de Dylan»; y seis meses después, Dylan comenzó a actuar con una banda de acompañamiento e instrumentación eléctrica, y «se vestía a la última moda Mod».[126] Como resultado, continúa Gould, la división tradicional entre los aficionados al folk y al rock «casi se esfumó», a medida que los seguidores de los Beatles comenzaron a madurar en su perspectiva y el público de Dylan adoptó la nueva cultura pop impulsada por la juventud[126]
Durante la gira por Estados Unidos en 1964, el grupo se enfrentó a la segregación racial que existía en el país en aquel entonces.[127][128] Cuando se les informó que el lugar donde se celebraría su concierto el 11 de septiembre, el Gator Bowl en Jacksonville (Florida), estaba segregado, los Beatles dijeron que se negarían a actuar a menos que el público estuviera integrado.[129][127][128] Lennon declaró: «Nunca tocamos para públicos segregados y no vamos a empezar ahora... Prefiero perder el dinero que cobramos por nuestras actuaciones».[127] Los funcionarios de la ciudad cedieron y accedieron a permitir un espectáculo integrado.[127] El grupo también canceló sus reservas en el Hotel George Washington, exclusivo para blancos, en Jacksonville.[128] Para sus giras posteriores por Estados Unidos en 1965 y 1966, los Beatles incluyeron cláusulas en los contratos que estipulaban que los espectáculos debían ser integrados.[128][130]
Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul
Según Gould, el cuarto álbum de estudio de los Beatles, Beatles for Sale, puso de manifiesto un conflicto creciente entre las presiones comerciales derivadas de su éxito mundial y sus ambiciones creativas.[131] Habían concebido el álbum, grabado entre agosto y octubre de 1964,[132] para continuar con el formato establecido por A Hard Day's Night, que, a diferencia de sus dos primeros LP, contenía únicamente canciones originales.[131] Sin embargo, prácticamente habían agotado su repertorio de canciones acumuladas en el álbum anterior y, dados los desafíos que las constantes giras internacionales planteaban a su labor compositiva, Lennon admitió: «El material se está convirtiendo en un problema enorme».[133] Como resultado, se eligieron seis versiones de su extenso repertorio para completar el álbum. Lanzado a principios de diciembre, destacaron sus ocho composiciones originales, que demostraban la creciente madurez de la colaboración compositiva entre Lennon y McCartney.[131]
A principios de 1965, tras una cena con Lennon, Harrison y sus respectivas esposas, el dentista de Harrison, John Riley, añadió secretamente LSD al café de ellos.[134] Lennon describió la experiencia: «Fue simplemente aterrador, pero fantástico. Me quedé bastante atónito durante uno o dos meses».[135] Posteriormente, tanto él como Harrison se convirtieron en consumidores habituales de la droga, a quienes se unió Starr en al menos una ocasión. El consumo de drogas psicodélicas impulsó a Harrison a adentrarse en la meditación y el hinduismo. Él comentó: «Para mí, fue como un destello. La primera vez que tomé ácido, se abrió algo en mi mente que ya estaba dentro de mí, y me di cuenta de muchas cosas. No es que las aprendiera, porque ya las sabía, pero aquello resultó ser la llave que abrió la puerta para revelarlas. Desde el momento en que viví esa experiencia, quise sentirlo todo el tiempo: esos pensamientos sobre los yoguis, el Himalaya y la música de Ravi».[136][137] Al principio, McCartney se mostró reticente a probarlo, pero finalmente lo hizo a finales de 1966.[138] Se convirtió en el primer Beatle en hablar públicamente sobre el LSD, declarando en una entrevista para una revista que «me abrió los ojos» y «me hizo un miembro de la sociedad mejor, más honesto y más tolerante».[139]
La polémica estalló en junio de 1965 cuando la reina Isabel II nombró a los cuatro miembros de los Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE), después de que el primer ministro Harold Wilson los propusiera para la distinción.[140] En señal de protesta —por aquel entonces, tal honor se concedía principalmente a veteranos militares y líderes cívicos—, algunos conservadores galardonados con la MBE devolvieron sus insignias.[141]
En julio se estrenó la segunda película de los Beatles, Help!, dirigida de nuevo por Lester. Descrita como «principalmente una parodia implacable de Bond»,[142] suscitó reacciones encontradas tanto entre la crítica como en la propia banda. McCartney comentó: «Help! estuvo muy bien, pero no era nuestra película; éramos más bien estrellas invitadas. Fue divertido, pero, en el fondo, como idea para una película, no terminaba de encajar».[143] La banda sonora estuvo dominada por Lennon, quien compuso e interpretó la voz principal en la mayoría de sus canciones, incluidos los dos sencillos: «Help!» y «Ticket to Ride».[144]
El álbum Help!, el quinto LP de estudio del grupo, siguió el modelo de A Hard Day's Night al incluir canciones de la banda sonora en la primera cara y temas adicionales de las mismas sesiones en la segunda.[145] El LP contenía material totalmente original, a excepción de dos versiones: «Act Naturally» y «Dizzy Miss Lizzy»; fueron las últimas versiones que la banda incluiría en un álbum hasta la breve interpretación de la canción folclórica tradicional de Liverpool «Maggie Mae» en Let It Be.[146] La banda amplió el uso de sobregrabaciones vocales en Help! e incorporó instrumentos clásicos en algunos arreglos, incluido un cuarteto de cuerda en la balada pop «Yesterday».[147] Compuesta e interpretada por McCartney, –ninguno de los otros Beatles participa en la grabación–[148] «Yesterday» ha inspirado más versiones que ninguna otra canción jamás escrita.[149] Con Help!, los Beatles se convirtieron en el primer grupo de rock en ser nominado al premio Grammy al Álbum del Año.[150]
La tercera gira del grupo por Estados Unidos comenzó con una actuación ante una multitud récord mundial de 55 600 personas en el Shea Stadium de Nueva York el 15 de agosto: «quizás el más famoso de todos los conciertos de los Beatles», según la descripción de Lewisohn.[151] Posteriormente, se celebraron otros nueve conciertos exitosos en otras ciudades estadounidenses. En una actuación en Atlanta, los Beatles ofrecieron una de las primeras presentaciones en vivo de la historia que utilizó un sistema de monitores de escenario.[152] Hacia el final de la gira, se reunieron con Elvis Presley —una influencia musical fundamental para la banda—, quien los invitó a su casa de Beverly Hills.[153][154] Más tarde, Presley dijo que la banda era un ejemplo de una tendencia de antiamericanismo y abuso de drogas.[155][156]
En septiembre de 1965 se estrenó The Beatles, una serie de dibujos animados estadounidense emitida los sábados por la mañana que, a lo largo de sus dos años de emisión original, replicaba el estilo cómico y alocado de la película A Hard Day's Night.[157] La serie fue la primera serie de televisión semanal en presentar versiones animadas de personas reales y vivas.[158]
A mediados de octubre, los Beatles entraron en el estudio de grabación; por primera vez al realizar un álbum, contaban con un periodo prolongado sin otros compromisos importantes.[159] Hasta ese momento, según George Martin, «habíamos estado haciendo álbumes más bien como una colección de sencillos. Ahora empezábamos realmente a concebir los álbumes como una obra de arte en sí misma».[160] Lanzado en diciembre, Rubber Soul fue aclamado por la crítica como un importante paso adelante en la madurez y complejidad de la música de la banda.[161] Su alcance temático comenzaba a expandirse a medida que abordaban aspectos más profundos del romance y la filosofía, una evolución que Peter Brown, ejecutivo de NEMS, atribuyó al «uso ya habitual de marihuana» por parte de los miembros de la banda.[162] Lennon se refirió a Rubber Soul como «el álbum de la marihuana»[163] y Starr dijo: «Grass influyó mucho en muchos de nuestros cambios, especialmente en lo que respecta a los compositores. Y, como escribían material diferente, nosotros tocábamos de manera distinta».[163] Tras la incursión de Help! en la música clásica mediante el uso de flautas y cuerdas, la incorporación del sitar por parte de Harrison en «Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» marcó un nuevo avance más allá de los límites tradicionales de la música popular. A medida que las letras adquirían mayor complejidad artística, los seguidores comenzaron a analizarlas en busca de un significado más profundo[164]
| Grabación externa | ||
|---|---|---|
|
Fragmento de «Norwegian Wood», del álbum Rubber Soul (1965). El uso del sitar por parte de Harrison en esta canción ejemplifica la incorporación de instrumentación poco convencional a la música rock por parte de los Beatles.[161] | ||
Atención: este archivo está alojado en un sitio externo, fuera del control de la Fundación Wikimedia. |
Si bien algunas de las canciones de Rubber Soul fueron producto de la composición colaborativa de Lennon y McCartney,[165] el álbum también incluía composiciones distintivas de cada uno,[166] aunque siguieron compartiendo el crédito oficial. «In My Life» —tema cuya autoría principal ambos reclamaron posteriormente— se considera una de las obras más destacadas de todo el catálogo de Lennon y McCartney.[167] Harrison calificó a Rubber Soul como su «álbum favorito»,[163] y Starr se refirió a él como «el disco de la despedida».[168] McCartney ha dicho: «Habíamos pasado por nuestra etapa de chicos simpáticos y ahora era el momento de expandirnos».[169] Sin embargo, el ingeniero de sonido Norman Smith declaró más tarde que las sesiones de estudio revelaron indicios de un conflicto creciente en el seno del grupo: «el choque entre John y Paul se estaba haciendo evidente», escribió, y «a juicio de Paul, George no hacía nada bien».[170]
En una entrevista con Dan Rather emitida en AXS TV el 10 de mayo de 2024, Starr declaró: «No nos llevábamos bien; éramos cuatro tipos y teníamos discusiones», señalando que la relación se estaba volviendo más tensa incluso para cuando él ya tenía hijos.[171] Sin embargo, según Starr, la banda duró lo que duró debido a sus ambiciones musicales.[171]
Controversias, Revolver y gira final
Capitol Records, a partir de diciembre de 1963 —cuando comenzó a publicar grabaciones de los Beatles para el mercado estadounidense—, ejerció un control total sobre el formato,[88] recopilar álbumes distintos para el mercado estadounidense a partir de las grabaciones de la banda y publicar como sencillos las canciones que ellos mismos elegían.[172][nb 7] n junio de 1966, el álbum Yesterday and Today de Capitol causó un gran revuelo debido a su portada, que mostraba a los Beatles sonrientes vestidos con batas de carnicero, rodeados de carne cruda y muñecos de plástico mutilados. Según el biógrafo de los Beatles Bill Harry, se ha sugerido erróneamente que aquello pretendía ser una respuesta satírica a la forma en que Capitol había «destrozado» las versiones estadounidenses de los álbumes del grupo.[174] Miles de copias del LP llevaban una nueva portada pegada sobre la original; un ejemplar de la «primera edición» sin despegar alcanzó los 10.500 dólares en una subasta celebrada en diciembre de 2005.[175] Mientras tanto, en Inglaterra, Harrison conoció al maestro del sitar Ravi Shankar, quien accedió a enseñarle a tocar el instrumento.[176]
Los Beatles realizaron una gira por Japón el mes siguiente a la polémica por el álbum Yesterday and Today, enfrentándose a amenazas de muerte por parte de sectores conservadores japoneses debido a que actuaron —sin saberlo— en el estadio Budokan, un recinto consagrado a honrar a los caídos en guerra de Japón. Pocos días después, durante su gira por Filipinas, el grupo desairó involuntariamente a la primera dama, Imelda Marcos, quien esperaba que asistieran a una recepción con desayuno en el Palacio Presidencial.[177] Al recibir la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre de los miembros del grupo, ya que nunca había sido su política aceptar invitaciones oficiales de ese tipo.[178] Pronto descubrieron que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a aceptar un «no» por respuesta. Los disturbios resultantes pusieron en peligro al grupo, que logró escapar del país con dificultad.[179] Inmediatamente después, los miembros de la banda visitaron la India por primera vez.[180]
Ahora somos más populares que Jesús; no sé qué desaparecerá primero: si el rock and roll o el cristianismo. —John Lennon en 1966[181] |
Casi inmediatamente después de regresar a casa, los Beatles se enfrentaron a una fuerte reacción adversa por parte de sectores conservadores religiosos y sociales de Estados Unidos —así como del Ku Klux Klan— debido a un comentario que Lennon había hecho en una entrevista de marzo con la periodista británica Maureen Cleave.[182] «El cristianismo desaparecerá», había dicho Lennon. «Se desvanecerá y se reducirá. No necesito discutir sobre eso; tengo razón y se demostrará que la tengo... Jesús estaba bien, pero sus discípulos eran unos tipos obtusos y vulgares. Es el hecho de que ellos lo tergiversen lo que lo echa a perder para mí».[183] Sus comentarios pasaron prácticamente inadvertidos en Inglaterra, pero cuando la revista estadounidense para adolescentes Datebook los publicó cinco meses más tarde, desataron una polémica entre los cristianos de la conservadora región del «Cinturón de la Biblia» de Estados Unidos.[182] El Vaticano presentó una protesta, y emisoras de España y los Países Bajos, así como el servicio nacional de radiodifusión de Sudáfrica, impusieron prohibiciones a los discos de los Beatles.[184] Epstein acusó a Datebook de haber sacado de contexto las palabras de Lennon. En una conferencia de prensa, Lennon señaló: «Si hubiera dicho que la televisión era más popular que Jesús, tal vez me habría salido con la mía».[185] Alegó que se refería a cómo otras personas percibían su éxito, pero, ante la insistencia de los periodistas, concluyó: «Si quieren que me disculpe, si eso los hace felices, entonces está bien: lo siento».[185]
Lanzado en agosto de 1966, una semana antes de la última gira de los Beatles, Revolver marcó un nuevo avance artístico para el grupo.[186] El álbum se caracterizó por una composición sofisticada, la experimentación en el estudio y un repertorio de estilos musicales enormemente ampliado, que abarcaba desde innovadores arreglos de cuerda de corte clásico hasta la psicodelia.[186] Prescindiendo de la habitual fotografía de grupo, su portada —inspirada en el estilo de Aubrey Beardsley y diseñada por Klaus Voormann, amigo de la banda desde sus tiempos en Hamburgo— consistía en un collage monocromático y una caricatura del grupo realizada mediante dibujos de trazo lineal.[186] El álbum fue precedido por el sencillo «Paperback Writer», con «Rain» como cara B.[187] Se realizaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, descritos por el historiador cultural Saul Austerlitz como «unos de los primeros verdaderos vídeos musicales»,[188] actuaron en The Ed Sullivan Show y Top of the Pops en junio.[189]
Entre las canciones experimentales de Revolver se encontraba «Tomorrow Never Knows», cuya letra Lennon extrajo de The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead —La experiencia psicodélica: un manual basado en el Libro tibetano de los muertos—, de Timothy Leary. Su creación requirió el uso de ocho magnetófonos distribuidos por el edificio de EMI, cada uno operado por un ingeniero o un miembro del grupo que variaba aleatoriamente el movimiento de un bucle de cinta, mientras Martin elaboraba una grabación compuesta mediante el muestreo de las señales recibidas.[190] «Eleanor Rigby», de McCartney, hizo un uso destacado de un octeto de cuerdas; Gould la describe como «un verdadero híbrido que no se ajusta a ningún estilo o género de canción reconocible».[191] El surgimiento de Harrison como compositor se vio reflejado en la inclusión de tres de sus composiciones en el disco.[192] Entre ellos, «Taxman», que abría el álbum, marcó el primer ejemplo de los Beatles expresando una postura política a través de su música.[193]
Mientras se preparaban para una gira por Estados Unidos, los Beatles sabían que su música apenas se escucharía. Aunque inicialmente utilizaban amplificadores Vox AC30, más tarde adquirieron amplificadores de 100 vatios más potentes —diseñados especialmente para ellos por Vox— al empezar a actuar en recintos de mayor tamaño en 1964; sin embargo, estos seguían siendo insuficientes. Al verse en dificultades para competir con el volumen de los gritos de los fans, la banda se había ido hastiando de la rutina de las actuaciones en directo.[194] Al darse cuenta de que sus espectáculos ya no giraban en torno a la música, y tras quedar conmocionados por el reciente incidente en Filipinas, decidieron que la gira de agosto sería la última.[195][196]
La banda no interpretó ninguna de sus nuevas canciones durante la gira.[197] Según la descripción de Chris Ingham, eran auténticas «creaciones de estudio... y no había forma de que un grupo de rock and roll de cuatro miembros les hiciera justicia, sobre todo a través del muro anestesiante de los gritos de los fans. Los Beatles «en directo» y los Beatles «de estudio» se habían convertido en entidades totalmente distintas».[198] El concierto de la banda en el Candlestick Park de San Francisco, el 29 de agosto, fue su último concierto comercial.[199] Marcó el final de cuatro años dominados por giras casi ininterrumpidas que incluyeron más de 1 400 conciertos a nivel internacional.[200]
1966-1970: años de estudio y separación
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
Liberados de la carga de las giras, los Beatles adoptaron un enfoque cada vez más experimental al grabar Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, a partir de finales de noviembre de 1966.[202] Según el ingeniero Geoff Emerick, la grabación del álbum llevó más de 700 horas.[203] Recordaba la insistencia del grupo en que «todo en Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Colocábamos micrófonos justo en las campanas de los instrumentos de viento-metal y auriculares convertidos en micrófonos sujetos a los violines. Usábamos osciladores primitivos gigantes para variar la velocidad de los instrumentos y las voces, y cortábamos cintas en pedazos para luego volver a unirlas al revés o en sentido inverso». En algunas partes de «A Day in the Life» intervenía una orquesta de 40 músicos.[204] Las sesiones dieron lugar inicialmente al sencillo de doble cara A «Strawberry Fields Forever» / «Penny Lane» —que no formaba parte de ningún álbum— en febrero de 1967;[205] el LP Sgt. Pepper le siguió con un lanzamiento apresurado en mayo.[206] La complejidad musical de las grabaciones, creadas con una tecnología de grabación de cuatro pistas relativamente rudimentaria, asombró a los artistas de la época.[201] Entre los críticos musicales, la aclamación por el álbum fue prácticamente universal.[207] Gould escribe:
Existe un consenso abrumador de que los Beatles crearon una obra maestra de la música popular: una obra de genio colectivo —rica, sostenida y desbordante— cuya audaz ambición y sorprendente originalidad ampliaron drásticamente las posibilidades y elevaron las expectativas sobre lo que podía llegar a ser la experiencia de escuchar música popular grabada. A partir de esta percepción, Sgt. Pepper se convirtió en el catalizador de una explosión de entusiasmo masivo por el rock en formato de álbum, un fenómeno que revolucionaría tanto la estética como los aspectos económicos de la industria discográfica de una manera que superó con creces las anteriores explosiones del pop desencadenadas por el fenómeno Elvis en 1956 y la Beatlemanía de 1963.[208]
Tras Sgt. Pepper, tanto la prensa underground como la convencional presentaron ampliamente a los Beatles como líderes de la cultura juvenil y como «revolucionarios del estilo de vida».[3] El álbum fue el primer LP importante de pop/rock que incluyó la letra completa de las canciones, la cual aparecía en la contraportada.[209][210] Esas letras fueron objeto de análisis crítico; por ejemplo, a finales de 1967, el álbum fue objeto de un estudio académico por parte del crítico literario y profesor de inglés estadounidense Richard Poirier, quien observó que sus alumnos «escuchaban la música del grupo con un grado de entrega que él, como profesor de literatura, solo podía envidiar».[211][nb 8] La elaborada cubierta también despertó un interés y un estudio considerables.[212]Se trata de un collage diseñado por los artistas pop Peter Blake y Jann Haworth que representaba al grupo como la banda ficticia a la que se alude en la canción que da título al álbum[213] de pie frente a una multitud de personas famosas.[214] Los poblados bigotes que lucía el grupo reflejaban la creciente influencia del movimiento hippie,[215] mientras que el historiador cultural Jonathan Harris describe sus «parodias de uniformes militares de colores vivos» como una exhibición conscientemente «antiautoritaria y antisistema».[216]
Sgt. Pepper encabezó las listas del Reino Unido durante 23 semanas consecutivas, con otras cuatro semanas en el número uno hasta febrero de 1968.[217] Con 2,5 millones de copias vendidas en los tres meses posteriores a su lanzamiento,[218] El éxito comercial inicial de Sgt. Pepper superó al de todos los álbumes anteriores de los Beatles.[219] Fue el primer álbum de rock en ganar el premio Grammy al Álbum del Año.[220] Mantuvo su inmensa popularidad hasta bien entrado el siglo XXI, al tiempo que batía numerosos récords de ventas.[221]
Magical Mystery Tour y Yellow Submarine
Dos proyectos cinematográficos de los Beatles se concibieron pocas semanas después de terminar Sgt. Pepper: Magical Mystery Tour, un telefilme de una hora de duración, y Yellow Submarine, un largometraje de animación producido por United Artists.[222] El grupo comenzó a grabar música para el primero a finales de abril de 1967, pero el proyecto quedó en suspenso mientras se centraban en grabar canciones para el segundo.[223] El 25 de junio, los Beatles interpretaron su próximo sencillo, «All You Need Is Love», ante una audiencia estimada de 350 millones de espectadores en Our World, la primera transmisión televisiva mundial en directo.[224] Lanzada una semana después, durante el Summer of Love, la canción fue adoptada como un himno del movimiento flower power.[225] El consumo de drogas psicodélicas por parte de los Beatles alcanzó su punto álgido durante aquel verano.[226] Durante los meses de julio y agosto, el grupo exploró intereses relacionados con una ideología de corte utópico similar, incluida una investigación de una semana sobre la posibilidad de establecer una comuna en una isla frente a la costa de Grecia.[227][228]
El 24 de agosto, el grupo fue presentado a Maharishi Mahesh Yogi en Londres. Al día siguiente, viajaron a Bangor para asistir a su retiro de Meditación Trascendental. El 27 de agosto, Peter Brown, el asistente de su representante, llamó para informarles de que Epstein había fallecido.[229] El forense dictaminó que la muerte fue una sobredosis accidental de carbitol, aunque se rumoreaba ampliamente que se trataba de un suicidio.[230][nb 9] Su muerte dejó al grupo desorientado y temeroso ante el futuro.[232] Lennon recordó: «Nos venimos abajo. En ese momento supe que estábamos en problemas. No me hacía ilusiones sobre nuestra capacidad para hacer otra cosa que no fuera tocar música, y tenía miedo. Pensé: "Ya estamos jodidos"».[233] Pattie Boyd, esposa de Harrison en aquel entonces, recordó que «Paul y George estaban totalmente conmocionados. No creo que la situación hubiera sido peor si se hubieran enterado de que sus propios padres habían muerto repentinamente».[234] Durante una reunión del grupo en septiembre, McCartney recomendó que la banda siguiera adelante con Magical Mystery Tour.[223]
La banda sonora de Magical Mystery Tour se publicó en el Reino Unido como un doble EP de seis canciones a principios de diciembre de 1967.[88][235] Fue el primer ejemplo de un doble EP en el Reino Unido.[236][237] El disco continuó con la veta psicodélica de Sgt. Pepper,[238] aunque acorde con los deseos de la banda, la presentación reforzaba la idea de que el lanzamiento era la banda sonora de una película, más que una continuación de Sgt. Pepper.[235] En Estados Unidos, la banda sonora apareció como un LP del mismo título que también incluía cinco temas de los sencillos recientes de la banda.[113] En sus primeras tres semanas, el álbum estableció el récord de mayores ventas iniciales de cualquier LP de Capitol y es la única recopilación de Capitol que posteriormente fue incorporada al canon oficial de álbumes de estudio de la banda.[239]
Magical Mystery Tour se emitió por primera vez el Boxing Day ante una audiencia de aproximadamente 15 millones de personas.[240] Dirigida en gran medida por McCartney, la película fue el primer fracaso crítico de la banda en el Reino Unido.[241] El Daily Express lo desestimó calificándolo como una «auténtica basura», el Daily Mail lo tildó de «pretensión colosal» y The Guardian describió la película como «una especie de obra moralizante fantástica sobre la vulgaridad, calidez y estupidez del público».[242] Gould lo describe como «una gran cantidad de material en bruto que muestra a un grupo de personas subiendo, bajando y viajando en un autobús».[242] Aunque las cifras de audiencia fueron respetables, las duras críticas de la prensa hicieron que las cadenas de televisión estadounidenses perdieran el interés en emitir la película.[243]
El grupo estuvo menos involucrado en Yellow Submarine, en la que la banda aparecía interpretándose a sí misma únicamente en un breve segmento de acción real.[244] Estrenada en julio de 1968, la película presentaba versiones animadas de los miembros de la banda y una banda sonora con once de sus canciones, incluidas cuatro grabaciones de estudio inéditas que se dieron a conocer en el filme.[245] La crítica elogió la película por su música, su humor y su innovador estilo visual.[246] Siete meses después se publicó un LP con la banda sonora; este incluía esas cuatro canciones nuevas, el tema principal —ya editado en Revolver—, «All You Need Is Love» —ya publicada como sencillo y en la edición estadounidense del LP Magical Mystery Tour— y siete piezas instrumentales compuestas por Martin.[247]
El retiro en la India, Apple Corps y el Álbum Blanco
En febrero de 1968, los Beatles viajaron al ashram de Maharishi Mahesh Yogi en Rishikesh (India), para participar en un «curso de guía» de meditación de tres meses. Su estancia en la India marcó una de las etapas más prolíficas de la banda, dando lugar a numerosas canciones, incluidas la mayoría de las que integrarían su siguiente álbum.[248] Sin embargo, Starr se marchó al cabo de sólo diez días, incapaz de soportar la comida, y McCartney acabó aburriéndose y se fue un mes más tarde.[249] Para Lennon y Harrison, la creatividad dio paso a las dudas cuando un técnico en electrónica conocido como Magic Alex sugirió que el Maharishi estaba intentando manipularlos.[250] Cuando alegó que el Maharishi había hecho insinuaciones sexuales a las asistentes, un Lennon convencido abandonó el curso abruptamente tras solo dos meses, llevándose consigo a un Harrison escéptico y al resto del séquito del grupo.[249] Lennon, enfadado, escribió una canción mordaz titulada «Maharishi», a la que cambió el nombre por «Sexy Sadie» para evitar posibles problemas legales. McCartney comentó: «Cometimos un error. Pensábamos que él era más de lo que realmente era».[250]
En mayo, Lennon y McCartney viajaron a Nueva York para la presentación pública del nuevo proyecto empresarial de los Beatles, Apple Corps.[251] Inicialmente se constituyó varios meses antes como parte de un plan para crear una estructura empresarial fiscalmente eficiente, pero posteriormente la banda quiso ampliar las actividades de la sociedad a otros ámbitos, como la distribución discográfica, el activismo por la paz y la educación.[252] McCartney describió a Apple como «algo así como un comunismo occidental».[253] La empresa agotó los recursos financieros del grupo con una serie de proyectos fallidos[254] gestionado en gran medida por miembros del entorno de los Beatles, a quienes se les asignaron sus puestos independientemente de su talento y experiencia.[255] Entre sus numerosas filiales se encontraban Apple Electronics, creada para fomentar innovaciones tecnológicas bajo la dirección de Magic Alex, y Apple Retailing, que abrió la efímera Apple Boutique en Londres..[256] Más tarde, Harrison dijo: «Básicamente, aquello fue un caos... John y Paul se dejaron llevar por la idea y despilfarraron millones, y Ringo y yo simplemente tuvimos que seguirles la corriente».[253]
Desde finales de mayo hasta mediados de octubre de 1968, el grupo grabó lo que se convertiría en The Beatles, un LP doble conocido comúnmente como «el Álbum Blanco» debido a su portada prácticamente desprovista de elementos distintivos.[258] Durante este tiempo, las relaciones entre los miembros se volvieron abiertamente conflictivas.[259] Starr dejó el grupo durante dos semanas, dejando que sus compañeros grabaran «Back in the U.S.S.R.» y «Dear Prudence» como trío, con McCartney ocupándose de la batería.[260] Lennon había perdido el interés en colaborar con McCartney,[261] cuya aportación, «Ob-La-Di, Ob-La-Da», despreció calificándola de «música de mierda para abuelas».[262] Las tensiones se agravaron aún más debido al interés amoroso de Lennon por la artista de vanguardia Yoko Ono, a quien insistió en llevar a las sesiones a pesar de la norma bien establecida del grupo de que no se permitía la presencia de novias en el estudio.[263] McCartney ha recordado que el álbum «no fue agradable de hacer».[264] Él y Lennon identificaron las sesiones como el comienzo de la separación de la banda.[265][266]
Con el álbum, la banda abordó una gama más amplia de estilos musicales[267] y rompieron con su reciente tradición de incorporar varios estilos musicales en una misma canción, manteniendo cada pieza musical fiel a un género específico.[268] Durante las sesiones, el grupo pasó a utilizar una consola de grabación de ocho pistas, lo que facilitó la superposición gradual de grabaciones; además, los miembros solían grabar de forma independiente, lo que dio al álbum la reputación de ser una colección de grabaciones en solitario más que un esfuerzo conjunto del grupo.[269] Al describir el álbum doble, Lennon dijo más tarde: «Cada tema es una canción individual; no hay música de los Beatles en él. [Es] John y la banda, Paul y la banda, George y la banda».[270] Las sesiones también dieron lugar a la canción más larga de los Beatles hasta la fecha, «Hey Jude», publicada en agosto como sencillo independiente —sin formar parte de ningún álbum— junto con «Revolution».[271]
Publicado en noviembre, el Álbum Blanco fue el primer disco de la banda lanzado a través de Apple Records, aunque EMI siguió siendo propietaria de sus grabaciones.[272] El disco generó más de 2 millones de pedidos anticipados y vendió cerca de 4 millones de copias en Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de reproducción de las emisoras de radio estadounidenses.[273] Su contenido lírico fue objeto de gran análisis por parte de la contracultura.[274] A pesar de su popularidad, el álbum desconcertó a la crítica y no logró cosechar el reconocimiento de la crítica que obtuvo Sgt. Pepper.[273]
Abbey Road, Let It Be y separación
Aunque Let It Be fue el último álbum publicado por los Beatles, gran parte de él se grabó antes de Abbey Road. El impulso para el proyecto surgió de una idea que Martin atribuye a McCartney, quien sugirió «grabar un álbum de material nuevo y ensayarlo, para luego interpretarlo ante un público en vivo por primera vez: tanto en disco como en película».[275] Aunque originalmente se concibió para un programa de televisión de una hora titulado Beatles at Work, gran parte del contenido del álbum provino finalmente del trabajo en el estudio iniciado en enero de 1969, cuyas sesiones fueron filmadas durante muchas horas por el director Michael Lindsay-Hogg.[275][276] Martin dijo que el proyecto «no fue en absoluto una experiencia de grabación agradable. Fue una época en la que las relaciones entre los Beatles estaban en su punto más bajo».[275] Lennon describió las sesiones, en gran medida improvisadas, como «un infierno... lo más miserable... de la Tierra», y Harrison, como «el punto más bajo de todos los tiempos».[277] Molesto con McCartney y Lennon, Harrison se marchó durante cinco días. A su regreso, amenazó con abandonar el grupo a menos que «dejaran de hablar de actuaciones en directo» y se centraran en cambio en terminar un nuevo álbum —titulado inicialmente Get Back— utilizando las canciones grabadas para el especial de televisión.[278] También exigió que interrumpieran el trabajo en los estudios cinematográficos de Twickenham, donde habían comenzado las sesiones, y se trasladaran a los recién terminados estudios Apple. Sus compañeros de banda estuvieron de acuerdo y se decidió aprovechar el material filmado para la producción televisiva y utilizarlo en un largometraje.[279]
Para aliviar las tensiones en el seno de la banda y mejorar la calidad de su sonido en directo, Harrison invitó al teclista Billy Preston a participar en los últimos nueve días de sesiones.[280] Preston apareció acreditado en la etiqueta del sencillo «Get Back», siendo el único músico que haya recibido tal reconocimiento en un lanzamiento oficial de los Beatles.[281] Tras los ensayos, la banda no lograba ponerse de acuerdo sobre el lugar para filmar un concierto y descartó varias ideas, entre ellas un barco en alta mar, un manicomio, el desierto de Libia y el Coliseo.[275] En última instancia, la que sería su última actuación en vivo se filmó en la azotea del edificio de Apple Corps, en el número 3 de Savile Row (Londres), el 30 de enero de 1969.[282] Cinco semanas después, el ingeniero Glyn Johns —a quien Lewisohn describe como el productor no acreditado de Get Back— comenzó a trabajar en el montaje del álbum, con «vía libre» dado que la banda «prácticamente se desentendió de todo el proyecto».[283]
Surgieron nuevas tensiones entre los miembros del grupo en torno a la contratación de un asesor financiero, una necesidad que se había hecho evidente al no contar con Epstein para gestionar los asuntos comerciales. Lennon, Harrison y Starr se inclinaban por Allen Klein, quien había representado a los Rolling Stones y a Sam Cooke;[284] McCartney quería a Lee y John Eastman —padre y hermano, respectivamente, de Linda Eastman—,[285] con quien McCartney se casó el 12 de marzo.[286] No se logró llegar a un acuerdo, por lo que tanto Klein como los Eastman fueron nombrados provisionalmente: Klein como representante de negocios de los Beatles y los Eastman como sus abogados.[287][288] Sin embargo, surgieron nuevos conflictos y se perdieron oportunidades financieras.[284] El 8 de mayo, Klein fue nombrado único representante de la banda,[289] los Eastman habían sido previamente destituidos como abogados de los Beatles. McCartney se negó a firmar el contrato de representación con Klein, pero fue superado en la votación por los otros miembros del grupo.[290]
Martin declaró que se sorprendió cuando McCartney le pidió que produjera otro álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido «una experiencia lamentable» y él había «pensado que era el final del camino para todos nosotros».[291] Las sesiones de grabación principales de Abbey Road comenzaron el 2 de julio.[292] Lennon, quien rechazó el formato propuesto por Martin de una «pieza musical de flujo continuo», quería que las canciones suyas y de McCartney ocuparan caras separadas del álbum.[293] El formato definitivo —con canciones compuestas individualmente en la primera cara y una segunda compuesta en gran parte por un popurrí— fue la solución de compromiso propuesta por McCartney.[293] Emerick señaló que la sustitución de la consola de mezclas de válvulas del estudio por una de transistores dio como resultado un sonido con menos pegada, lo que dejó al grupo frustrado por la sonoridad más fina y la falta de impacto, además de contribuir a una atmósfera más «amable y suave» en comparación con sus álbumes anteriores.[294]
El 4 de julio se publicó el primer sencillo en solitario de un Beatle: «Give Peace a Chance», de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La finalización y mezcla de «I Want You (She's So Heavy)», el 20 de agosto, fue la última ocasión en que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio.[295] El 8 de septiembre, mientras Starr estaba hospitalizado, los demás miembros del grupo se reunieron para hablar sobre la grabación de un nuevo álbum. Consideraron un enfoque distinto para la composición: abandonar la ficción de la autoría compartida «Lennon-McCartney» y que cada uno aportara cuatro temas —Lennon, McCartney y Harrison—, más dos de Starr, además de lanzar un sencillo principal coincidiendo con la época navideña.[296] El 20 de septiembre, Lennon anunció su partida al resto del grupo, pero accedió a no hacer un anuncio público para evitar perjudicar las ventas del próximo álbum.[297]
Lanzado el 26 de septiembre, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en un plazo de tres meses y encabezó las listas de éxitos del Reino Unido durante un total de diecisiete semanas.[298] Su segunda pista, la balada «Something», se publicó como sencillo; fue la única composición de Harrison que apareció como cara A de un disco de los Beatles.[299] Abbey Road recibió críticas mixtas, aunque el popurrí gozó de una acogida generalizada.[298] Unterberger lo considera «un digno canto del cisne para el grupo», que contiene «algunas de las mejores armonías que se hayan escuchado en un disco de rock».[300] El musicólogo y autor Ian MacDonald califica el álbum de «errático y a menudo vacío», a pesar de la «apariencia de unidad y coherencia» que ofrece el popurrí.[301] Martin lo destacó como su álbum favorito de los Beatles; Lennon dijo que era «competente», pero que «no tenía vida».[294]
Para el álbum Get Back, aún inacabado, se grabó una última canción —«I Me Mine», de Harrison— el 3 de enero de 1970. Lennon, que por aquel entonces se encontraba en Dinamarca, no participó.[302] En marzo, tras rechazar el trabajo que Johns había realizado en el proyecto —ahora retitulado Let It Be—, Klein entregó las cintas de las sesiones al productor estadounidense Phil Spector, quien recientemente había producido el sencillo en solitario de Lennon «Instant Karma!».[303] Además de remezclar el material, Spector editó, empalmó y añadió sobre grabaciones a varias de las grabaciones que originalmente se habían concebido como «en vivo». McCartney no estaba conforme con el enfoque del productor y se mostraba especialmente insatisfecho con la exuberante orquestación de «The Long and Winding Road», que incluía un coro de catorce voces y un conjunto instrumental de 36 músicos.[304] Las exigencias de McCartney de que se revirtieran las modificaciones a la canción fueron ignoradas,[305] y anunció públicamente su salida de la banda el 10 de abril, una semana antes del lanzamiento de su primer álbum en solitario homónimo.[304][306]
El 8 de mayo de 1970 se publicó Let It Be. Se esperaba que el sencillo que lo acompañaba, «The Long and Winding Road», fuera el último de los Beatles; se lanzó en Estados Unidos, pero no en el Reino Unido.[187] El documental Let It Be se estrenó más tarde ese mismo mes y ganaría el Óscar de 1970 a la mejor banda sonora original.[307] La crítica del Sunday Telegraph Penelope Gilliatt la calificó como «una película muy mala y, a la vez, conmovedora... sobre la desintegración de esta familia de hermanos reconfortante, geométricamente perfecta y que en otro tiempo parecía atemporal».[308] Varios críticos señalaron que algunas de las interpretaciones de la película sonaban mejor que sus versiones correspondientes en el álbum.[309] Al describir Let It Be como el «único álbum de los Beatles que suscitó críticas negativas, e incluso hostiles», Unterberger lo califica de «infravalorado en líneas generales»; destaca «algunos buenos momentos de hard rock directo en "I've Got a Feeling" y "Dig a Pony"» y elogia «Let It Be», «Get Back» y la «canción de estilo folk "Two of Us", con John y Paul armonizando juntos».[310]
McCartney presentó una demanda para la disolución de la sociedad contractual de los Beatles el 31 de diciembre de 1970.[311] Las disputas legales continuaron mucho después de su separación, y la disolución no se formalizó hasta el 29 de diciembre de 1974,[312] cuando Lennon firmó la documentación para disolver la sociedad mientras estaba de vacaciones con su familia en Walt Disney World Resort, en Florida.[313]
Después de la separación
1970s
![](#/media/Archivo:John_Lennon_"Walls_and_Bridges"_1974_press_photo_2_(color)_(cropped).jpg)
Lennon, McCartney, Harrison y Starr publicaron álbumes en solitario en 1970. Sus discos en solitario contaron a veces con la participación de uno o más de los otros miembros;[314] Ringo (1973), de Starr, fue el único álbum que incluyó composiciones e interpretaciones de los cuatro exBeatles, aunque en canciones diferentes. Con la participación de Starr, Harrison organizó el Concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971.[315] A excepción de una sesión de improvisación inédita de 1974 —que más tarde circuló como grabación pirata bajo el título A Toot and a Snore in '74—, Lennon y McCartney nunca volvieron a grabar juntos.[316]
En 1973 se publicaron dos álbumes dobles con los grandes éxitos de los Beatles, recopilados por Klein —1962-1966 y 1967-1970—, inicialmente bajo el sello Apple Records.[317] Conocidos comúnmente como el «Álbum rojo» y el «Álbum azul», respectivamente, cada uno ha obtenido la certificación multiplatino en los Estados Unidos y la certificación de platino en el Reino Unido.[318][319] Entre 1976 y 1982, EMI/Capitol lanzó una serie de álbumes recopilatorios sin la participación de los ex-Beatles, comenzando con el recopilatorio de dos discos Rock 'n' Roll Music.[320] El único que incluía material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977); al tratarse de las primeras grabaciones de conciertos del grupo publicadas oficialmente, contenía una selección de temas de dos actuaciones realizadas durante sus giras por Estados Unidos en 1964 y 1965.[321][nb 10]
La música y la fama perdurable de los Beatles fueron explotadas comercialmente de diversas maneras, a menudo fuera de su control creativo. En abril de 1974 se estrenó en Londres el musical John, Paul, George, Ringo... and Bert, escrito por Willy Russell y protagonizado por la cantante Barbara Dickson. La obra incluía —con permiso de Northern Songs— once composiciones de Lennon y McCartney y una de Harrison: «Here Comes the Sun». Disconforme con el uso que la producción hacía de su canción, Harrison retiró el permiso para utilizarla.[323] Más tarde ese mismo año, se estrenó el musical off-Broadway Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band on the Road.[324] All This and World War II (1976) fue una película documental poco convencional que combinaba imágenes de noticieros cinematográficos con versiones de canciones de los Beatles interpretadas por artistas que iban desde Elton John y Keith Moon hasta la Orquesta Sinfónica de Londres.[325] El musical de Broadway Beatlemania, un espectáculo de nostalgia no autorizado, se estrenó a principios de 1977 y gozó de gran popularidad, dando lugar a cinco producciones itinerantes distintas.[326] En 1979, la banda demandó a los productores y llegó a un acuerdo por varios millones de dólares en concepto de daños y perjuicios.[326] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y un «fiasco artístico», según Ingham.[327]
Acompañando a la ola de nostalgia por los Beatles y a los persistentes rumores de reunión en Estados Unidos durante la década de 1970, varios empresarios hicieron ofertas públicas al grupo para celebrar un concierto de reencuentro.[328] El promotor Bill Sargent ofreció inicialmente a los Beatles 10 millones de dólares por un concierto de reencuentro en 1974. Aumentó su oferta a 30 millones de dólares en enero de 1976 y, al mes siguiente, a 50 millones.[329][330] El 24 de abril de 1976, durante una transmisión de Saturday Night Live, el productor Lorne Michaels ofreció en broma a los Beatles 3000 dólares para que se reunieran en el programa. Lennon y McCartney estaban viendo la transmisión en vivo en el apartamento de Lennon en The Dakota de Nueva York, que estaba a poca distancia en coche del estudio de la NBC donde se transmitía el programa. Los antiguos compañeros de banda consideraron brevemente la idea de ir al estudio y sorprender a Michaels aceptando su oferta, pero decidieron no hacerlo.[331]
1980s
En diciembre de 1980, Lennon fue asesinado a tiros frente a su apartamento de Nueva York por Mark David Chapman, un estadounidense que había sido fanático de los Beatles. Harrison reescribió la letra de su canción «All Those Years Ago» en honor a Lennon. Con Starr a la batería y McCartney y su esposa, Linda, aportando los coros, la canción se publicó como sencillo en mayo de 1981.[332] El propio homenaje de McCartney, «Here Today», apareció en su álbum Tug of War en abril de 1982.[333] En 1984, Starr coprotagonizó la película de McCartney Give My Regards to Broad Street,[334] y tocó con McCartney en varias de las canciones de la banda sonora.[335] En 1987, el álbum Cloud Nine de Harrison incluyó «When We Was Fab», una canción sobre la época de la Beatlemanía.[336]
Cuando EMI y Apple Corps publicaron los álbumes de estudio de los Beatles en CD en 1987, su catálogo se unificó a nivel mundial, estableciendo un canon compuesto por los doce LP de estudio originales tal como se editaron en el Reino Unido, más la versión estadounidense del LP Magical Mystery Tour.[337] Todo el material restante de los sencillos y EP que no había aparecido en estos trece álbumes de estudio se recopiló en la colección de dos volúmenes Past Masters (1988). A excepción de los álbumes Red y Blue, EMI eliminó de su catálogo todas las demás recopilaciones de los Beatles, incluido el disco del Hollywood Bowl.[321]
En 1988, los Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll, en su primer año de elegibilidad. Harrison y Starr asistieron a la ceremonia junto a la viuda de Lennon, Yoko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean.[338][339] McCartney declinó asistir, alegando «diferencias comerciales» no resueltas que le harían «sentirse como un completo hipócrita saludando y sonriendo junto a ellos en una reunión falsa».[339] Al año siguiente, EMI/Capitol resolvió una demanda de una década interpuesta por la banda en relación con las regalías, allanando así el camino para comercializar material inédito.[340][341]
1990s
Live at the BBC, el primer lanzamiento oficial de actuaciones inéditas de los Beatles en 17 años, apareció en 1994.[342] Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr colaboraron en el proyecto Anthology. Anthology fue la culminación de un trabajo iniciado en 1970, cuando el director de Apple Corps, Neil Aspinall —su antiguo jefe de gira y asistente personal—, había comenzado a recopilar material para un documental con el título provisional de The Long and Winding Road.[343]
Entre 1995 y 1996, el proyecto dio lugar a una miniserie de televisión, una colección de vídeos de ocho volúmenes y tres cajas recopilatorias —en formato de dos CD o tres LP— con ilustraciones de Klaus Voormann. Con el objetivo de documentar su historia a través de las propias palabras de los miembros del grupo, el proyecto Anthology incluyó el lanzamiento de varias grabaciones inéditas de los Beatles. Junto al productor Jeff Lynne, McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a canciones que Lennon había grabado como maquetas a finales de la década de 1970,[344] lo que dio lugar al lanzamiento de dos sencillos «nuevos» de los Beatles: «Free as a Bird» y «Real Love». También se intentó trabajar en una tercera maqueta de Lennon, «Now and Then», pero se descartó debido a la baja calidad de la grabación.[345] Los lanzamientos de Anthology tuvieron éxito comercial y la serie de televisión fue vista por unos 400 millones de personas.[346] En octubre de 2000 apareció el libro The Beatles Anthology. En 1999, coincidiendo con el relanzamiento de la película de 1968 Yellow Submarine, se publicó una versión ampliada del álbum de la banda sonora titulada Yellow Submarine Songtrack.[347]
2000s
1, el álbum recopilatorio de los éxitos de The Beatles que alcanzaron el número uno en el Reino Unido y Estados Unidos, se publicó el 13 de noviembre de 2000. Se convirtió en el álbum más rápidamente vendido de todos los tiempos, con 3,6 millones de copias vendidas en su primera semana[348] y 13 millones en el plazo de un mes.[349] Encabezó las listas de álbumes en al menos 28 países.[350] El recopilatorio había vendido 31 millones de copias en todo el mundo para abril de 2009.[351]
Harrison murió de cáncer de pulmón metastásico en noviembre de 2001.[352][353][354] McCartney y Starr estuvieron entre los músicos que actuaron en el Concert for George, organizado por Eric Clapton y Olivia, la viuda de Harrison. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison.[355]
En 2003 se publicó Let It Be... Naked, una versión reelaborada del álbum Let It Be realizada bajo la supervisión de McCartney. Una de las principales diferencias respecto a la versión producida por Spector fue la omisión de los arreglos de cuerda originales.[356] Fue un éxito que alcanzó el top 10 tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. Las configuraciones de los álbumes estadounidenses de 1964 y 1965 se reeditaron en forma de cajas recopilatorias en 2004 y 2006; The Capitol Albums, Volume 1 y Volume 2 incluían versiones tanto en estéreo como en mono, basadas en las mezclas preparadas para vinilo en el momento del lanzamiento original de la música en Estados Unidos.[357]
Como banda sonora para Love, el espectáculo teatral del Cirque du Soleil en Las Vegas basado en los Beatles, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear lo que Martin denominó «una forma de revivir toda la trayectoria musical de los Beatles en un periodo muy condensado».[358] El espectáculo se estrenó en junio de 2006 y el álbum Love se publicó en noviembre de ese mismo año.[359] En abril de 2009, Starr interpretó tres canciones con McCartney en un concierto benéfico organizado por este último y celebrado en el Radio City Music Hall de Nueva York.[360]
El 9 de septiembre de 2009 se reeditó todo el catálogo de los Beatles tras un exhaustivo proceso de remasterización digital que duró cuatro años.[337] Las ediciones estéreo de los doce álbumes de estudio originales del Reino Unido, junto con Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters, se lanzaron en discos compactos tanto individualmente como en caja.[361] Una segunda colección, The Beatles in Mono, incluía versiones remasterizadas de todos los álbumes de los Beatles publicados en mono auténtico, junto con las mezclas estéreo originales de 1965 de Help! y Rubber Soul —ambas remezcladas por Martin para las ediciones de 1987—.[362] The Beatles: Rock Band, un videojuego musical de la serie Rock Band fue lanzado el mismo día.[363] En diciembre de 2009, el catálogo de la banda se lanzó oficialmente en formatos FLAC y MP3, en una edición limitada de 30.000 memorias USB.[364]
2010s
Debido a una prolongada disputa sobre derechos de autor, los Beatles estuvieron entre los últimos grandes artistas en firmar acuerdos con servicios de música en línea.[365] El desacuerdo persistente derivado de la disputa entre Apple Corps y Apple, Inc. —propietaria de iTunes— sobre el uso del nombre «Apple» también contribuyó en parte al retraso; no obstante, en 2008, McCartney declaró que el principal obstáculo para poner el catálogo de los Beatles a disposición del público en línea era que EMI «quiere algo que no estamos dispuestos a darles».[366] En 2010, el catálogo oficial de trece álbumes de estudio de los Beatles, Past Masters y los álbumes de grandes éxitos «Red» y «Blue» estuvieron disponibles en iTunes.[367]
En 2012, las operaciones de música grabada de EMI fueron vendidas a Universal Music Group. Para que Universal Music pudiera adquirir EMI, la Unión Europea —por motivos de defensa de la competencia— obligó a EMI a desprenderse de ciertos activos, entre ellos Parlophone. A Universal se le permitió conservar el catálogo de música grabada de los Beatles, gestionado por Capitol Records bajo su división Capitol Music Group.[368] El catálogo completo de los álbumes originales de los Beatles también se reeditó en vinilo en 2012, disponible tanto por separado como en una caja recopilatoria.[369]
En 2013 se publicó un segundo volumen de grabaciones de la BBC, titulado On Air – Live at the BBC Volume 2. Ese mismo mes de diciembre salieron a la venta otras 59 grabaciones de los Beatles en iTunes. Dicha colección, titulada The Beatles Bootleg Recordings 1963, tenía la posibilidad de acogerse a una prórroga de 70 años en los derechos de autor, condicionada a que las canciones se publicaran al menos una vez antes de que finalizara 2013. Apple Records lanzó las grabaciones el 17 de diciembre para evitar que pasaran al dominio público y las retiró de iTunes ese mismo día. Las reacciones de los seguidores fueron diversas; un bloguero comentó: «Los coleccionistas más acérrimos de los Beatles, que intentan conseguirlo todo, ya tendrán este material».[370][371]
El 26 de enero de 2014, McCartney y Starr actuaron juntos en la 56.ª edición de los premios Grammy, celebrada en el Staples Center de Los Ángeles.[372] Al día siguiente, se grabó en el West Hall del Centro de Convenciones de Los Ángeles el especial televisivo The Night That Changed America: A Grammy Salute to the Beatles. Se emitió el 9 de febrero, coincidiendo exactamente en fecha, hora y cadena con la transmisión original de la primera aparición de los Beatles en la televisión estadounidense —en The Ed Sullivan Show—, ocurrida 50 años atrás. El especial incluyó interpretaciones de canciones de los Beatles a cargo de artistas actuales, así como de McCartney y Starr, además de material de archivo y entrevistas con los dos ex-Beatles supervivientes, realizadas por David Letterman en el Ed Sullivan Theater.[373][374] En diciembre de 2015, los Beatles lanzaron su catálogo para su reproducción en streaming en diversos servicios de música, incluidos Spotify y Apple Music.[375]
En septiembre de 2016 se estrenó el documental The Beatles: Eight Days a Week. Dirigido por Ron Howard, el filme narraba la trayectoria de los Beatles durante sus años de giras, entre 1961 y 1966, abarcando desde sus actuaciones en el Cavern Club de Liverpool en 1961 hasta su último concierto en San Francisco en 1966. La película se estrenó en cines el 15 de septiembre en el Reino Unido y Estados Unidos, y comenzó a emitirse en streaming a través de Hulu el 17 de septiembre. Recibió diversos premios y nominaciones, entre ellos el galardón al Mejor Documental en la 70.ª edición de los premios BAFTA y el premio al Mejor Documental o Especial de No Ficción en la 69.ª edición de los premios Emmy de Artes Creativas en horario estelar —Primetime Creative Arts Emmy Awards—.[376] El 9 de septiembre se publicó una versión ampliada, remezclada y remasterizada de The Beatles at the Hollywood Bowl, coincidiendo con el estreno de la película.[377][378]
.jpg)
El 18 de mayo de 2017, Sirius XM Radio lanzó un canal de radio de emisión continua —24 horas al día, 7 días a la semana— llamado The Beatles Channel. Una semana después, se reeditó Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band con nuevas mezclas en estéreo y material inédito, con motivo del 50.º aniversario del álbum.[379] SimSe lanzaron cajas recopilatorias similares de The Beatles en noviembre de 2018,[380] y Abbey Road en septiembre de 2019.[381] En octubre de 2019, Abbey Road regresó al número uno de la lista de álbumes del Reino Unido. The Beatles batieron su propio récord del álbum con mayor intervalo de tiempo entre sus periodos en lo más alto de las listas, ya que Abbey Road alcanzó el primer puesto 50 años después de su lanzamiento original.[382]
2020s
En noviembre de 2021, The Beatles: Get Back, un documental dirigido por Peter Jackson, que utiliza material grabado para la película Let It Be, se estrenó en Disney+ como una miniserie de tres partes.[383] El 12 de octubre se publicó un libro con el mismo título.[384] El 15 de octubre se publicó una versión «super deluxe» del álbum Let It Be.[385] En enero de 2022, se publicó en servicios de streaming el álbum Get Back (Rooftop Performance), que contiene audio recién mezclado de la actuación de los Beatles en la azotea.[386]
En 2022, McCartney y Starr colaboraron en una nueva grabación de «Let It Be» con Dolly Parton, Peter Frampton y Mick Fleetwood, la cual se publicó en el álbum de Parton Rockstar en noviembre de 2023.[387][388] En octubre se publicó una edición especial de Revolver que incluía maquetas inéditas, descartes de estudio, la mezcla original en mono y una nueva remezcla en estéreo realizada mediante tecnología de separación de pistas por inteligencia artificial, desarrollada por WingNut Films —la compañía de Peter Jackson— y utilizada anteriormente para restaurar el audio del documental Get Back.[389] Se produjeron nuevos vídeos musicales para «Here, There and Everywhere» e «I'm Only Sleeping»; este último ganó el premio Grammy al mejor vídeo musical en la 66.ª edición de los premios Grammy.[390]
_(54225060041).jpg)
En junio de 2023, McCartney anunció planes para lanzar «el último disco de los Beatles» más adelante ese mismo año, utilizando la tecnología de separación de pistas de Jackson para extraer la voz de Lennon de una antigua maqueta de una canción que él había compuesto como solista.[345] La canción «Now and Then» se publicó el 2 de noviembre de 2023.[391][392] Su vídeo musical oficial salió al día siguiente y obtuvo más de 8 millones de visitas en sus primeras 12 horas,[393] a medida que la canción llegaba a las listas de Spotify como una de las canciones actuales más reproducidas.[392] «Now and Then» se estrenó simultáneamente en emisoras de música, radio alternativa, noticias y tertulia, y deportes. El estreno de la canción estableció el récord de mayor número de emisoras de radio emitiendo simultáneamente un mismo tema musical.[394] La canción se convirtió en su primer sencillo número uno en el Reino Unido desde 1969.[395] Ganó el premio Grammy a la mejor interpretación de rock en la 67.ª edición anual de los premios Grammy y también fue nominada a Grabación del año.[396] Las nominaciones también fueron históricamente significativas al convertir a «Now and Then» en la primera canción asistida por inteligencia artificial en ser nominada a un premio Grammy y en la primera en ganarlo.[397]
El 8 de mayo de 2024, la película de 1970 Let It Be se estrenó en Disney+ tras una restauración digital realizada por Park Road Post, de Jackson; fue la primera vez que se proyectó públicamente desde su estreno original en cines.[398]
Arte
Desarrollo
En Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music Forever, Scott Schinder y Andy Schwartz describieron la evolución musical de los Beatles:
En su etapa inicial como jóvenes alegres, ingeniosos y de peinados característicos, los «Fab Four» revolucionaron el sonido, el estilo y la actitud de la música popular, abriendo las puertas del rock and roll a una oleada de grupos británicos. Su impacto inicial habría bastado para consagrar a los Beatles como una de las fuerzas culturales más influyentes de su época, pero no se detuvieron ahí. Si bien su estilo primigenio era una síntesis sumamente original e irresistiblemente pegadiza del rock and roll estadounidense temprano y el R&B, los Beatles pasaron el resto de la década de 1960 ampliando las fronteras estilísticas del rock y explorando nuevos territorios musicales con cada lanzamiento. La experimentación, cada vez más sofisticada, de la banda abarcó diversos géneros —como el folk rock, el country, la psicodelia y el baroque pop— sin perder el atractivo masivo y espontáneo de sus primeras obras.[399]
En The Beatles as Musicians, Walter Everett describe las motivaciones y los enfoques compositivos contrastantes de Lennon y McCartney: «Podría decirse que McCartney desarrolló constantemente —con el fin de entretener— un talento musical centrado, dotado de oído para el contrapunto y otros aspectos del oficio, al tiempo que demostraba el uso de un lenguaje común universalmente reconocido que él mismo contribuyó enormemente a enriquecer. Por el contrario, la música de madurez de Lennon se aprecia mejor como el fruto audaz de una sensibilidad artística en gran medida inconsciente y exploradora, aunque indisciplinada».[400]
Ian MacDonald describe a McCartney como un «melodista nato: un creador de melodías capaces de sostenerse por sí mismas, independientemente de su armonía». Sus líneas melódicas se caracterizan por ser principalmente «verticales», empleando intervalos amplios y consonantes que expresan su «energía extrovertida y optimismo». Por el contrario, la «personalidad sedentaria e irónica» de Lennon se refleja en un enfoque «horizontal», caracterizado por intervalos mínimos y disonantes, así como por melodías repetitivas que dependen de su acompañamiento armónico para resultar interesantes: «Fundamentalmente realista, mantenía instintivamente sus melodías próximas a los ritmos y cadencias del habla, matizando sus letras con tonos y armonías propios del blues en lugar de crear melodías que dibujaran por sí mismas formas llamativas».[401] MacDonald elogia la labor de Harrison a la guitarra solista —destacando cómo sus «líneas llenas de personalidad y sus matices tímbricos» sirven de apoyo a las partes de Lennon y McCartney— y describe a Starr como «el padre de la batería moderna de pop rock».[402]
Influencias
.jpg)
Entre las primeras influencias de The Beatles se encuentran Elvis Presley, Carl Perkins, Little Richard, Chuck Berry y Gene Vincent.[403][404] Durante la estancia conjunta de los Beatles y Little Richard en el Star-Club de Hamburgo, entre abril y mayo de 1962, él les aconsejó sobre la técnica adecuada para interpretar sus canciones.[405] Sobre Presley, Lennon dijo: «Nada me marcó realmente hasta que escuché a Elvis. Si no hubiera existido Elvis, no habrían existido los Beatles».[406] Chuck Berry ejerció una influencia particular en lo que respecta a la composición y las letras. Lennon señaló: «Se adelantó a su tiempo en cuanto a las letras. Todos le debemos mucho».[407] Otras influencias tempranas incluyen a Buddy Holly, Eddie Cochran, Roy Orbison,[408] The Everly Brothers[409] y Jerry Lee Lewis.[410]
Los Beatles siguieron absorbiendo influencias mucho después de su éxito inicial; a menudo descubrían nuevas vías musicales y líricas al escuchar a sus contemporáneos, entre ellos Bob Dylan, Smokey Robinson and the Miracles, The Who, Frank Zappa, The Lovin' Spoonful, The Byrds y The Beach Boys —cuyo álbum de 1966, Pet Sounds, maravilló e inspiró a McCartney—.[411][412][413][414][415] Refiriéndose al líder creativo de los Beach Boys, Martin declaró más tarde: «Nadie tuvo un mayor impacto en los Beatles que Brian [Wilson]».[416] Ravi Shankar, con quien Harrison estudió durante seis semanas en la India a finales de 1966, ejerció una influencia significativa en su desarrollo musical durante los últimos años de la banda.[417]
Géneros
Tras sus inicios como grupo de skiffle, los Beatles adoptaron rápidamente el rock and roll de los años 50 y contribuyeron a ser pioneros del género Merseybeat,[418] y su repertorio acabó ampliándose para incluir una amplia variedad de música pop.[419] Como reflejo de la variedad de estilos que exploraron, Lennon dijo sobre Beatles for Sale: «Se podría decir que nuestro nuevo disco es un LP country-western de los Beatles»,[420] mientras que Gould atribuye a Rubber Soul el papel de «instrumento mediante el cual legiones de entusiastas de la música folk fueron atraídos al ámbito del pop».[421]
Aunque la canción «Yesterday», de 1965, no fue la primera grabación pop en utilizar instrumentos de cuerda orquestales, marcó la primera vez que el grupo incorporaba elementos de música clásica en una grabación. Gould señala: «El sonido más tradicional de las cuerdas permitió que los oyentes —que de otro modo eran reacios al estruendo de la batería y las guitarras eléctricas— valoraran de una forma nueva el talento del grupo como compositores».[422] Continuaron experimentando con arreglos de cuerda y diversos resultados; «She's Leaving Home», del álbum Sgt. Pepper, por ejemplo, está «concebida al estilo de una balada sentimental victoriana», escribe Gould, con «letra y música repletas de los clichés del melodrama musical».[423]
El abanico estilístico de la banda se amplió en otra dirección con «Rain», la cara B de 1966 descrita por Martin Strong como «el primer disco de los Beatles abiertamente psicodélico».[424] Siguieron otros temas psicodélicos, como «Tomorrow Never Knows» —grabado antes que «Rain»—, «Strawberry Fields Forever», «Lucy in the Sky with Diamonds» e «I Am the Walrus». La influencia de la música clásica india se hizo evidente en las composiciones de Harrison «The Inner Light», «Love You To» y «Within You Without You»; Gould describe estas dos últimas como intentos de «replicar la forma del raga en miniatura».[425]
La innovación fue el rasgo más destacado de su evolución creativa, según el historiador de la música y pianista Michael Campbell:
«A Day in the Life» sintetiza el arte y los logros de los Beatles tan bien como cualquier otra canción. Destaca rasgos fundamentales de su música: la imaginación sonora, la persistencia de melodías armoniosas y la estrecha coordinación entre letra y música. Representa una nueva categoría de canción —más sofisticada que el pop... y singularmente innovadora—. Literalmente, nunca antes había existido una canción —ya fuera de música culta o popular— que hubiera combinado tantos elementos dispares de manera tan imaginativa.[426]
El profesor de filosofía Bruce Ellis Benson coincide: «Los Beatles... nos ofrecen un ejemplo maravilloso de cómo influencias tan diversas como la música celta, el rhythm and blues y el country and western podían combinarse de una manera nueva».[427]
El autor Dominic Pedler describe la forma en que fusionaron estilos musicales:
Lejos de transitar secuencialmente de un género a otro —como a veces se sugiere interesadamente—, el grupo mantuvo en paralelo su dominio del éxito comercial tradicional y pegadizo, al tiempo que cultivaba el rock y exploraba una amplia gama de influencias periféricas, desde el country hasta el vodevil. Una de estas vertientes fue su interpretación de la música folk, que sentaría unas bases fundamentales para sus posteriores incursiones en la música y la filosofía de la India.[428]
A medida que las relaciones personales entre los miembros de la banda se volvían cada vez más tensas, sus gustos individuales se hicieron más evidentes. El diseño minimalista de la portada del White Album contrastaba con la complejidad y diversidad de su música, que abarcaba desde «Revolution 9» de Lennon —cuyo enfoque de musique concrète estuvo influido por Yoko Ono— y la canción country de Starr «Don't Pass Me By», hasta la balada rock de Harrison «While My Guitar Gently Weeps» y el «rugido proto-metal» de «Helter Skelter», de McCartney.[429]
Contribución de George Martin
La estrecha participación de George Martin en su papel de productor lo convirtió en uno de los principales candidatos al título informal de «quinto Beatle».[430] Aplicó su formación musical clásica de diversas maneras y ejerció como «profesor de música informal» para los compositores que progresaban, según Gould.[431] Martin sugirió a un escéptico McCartney que el arreglo de «Yesterday» incluyera el acompañamiento de un cuarteto de cuerda, introduciendo así a los Beatles en un «mundo de colorido instrumental clásico hasta entonces insospechado», según la descripción de MacDonald.[432] Su desarrollo creativo también se vio favorecido por la disposición de Martin a experimentar en respuesta a sus sugerencias, como añadir «algo barroco» a una grabación concreta.[433] Además de realizar arreglos orquestales para grabaciones, Martin a menudo participaba en ellas tocando instrumentos como el piano, el órgano y los metales.[434]
Colaborar con Lennon y McCartney exigió a Martin adaptarse a sus diferentes enfoques a la hora de componer y grabar. MacDonald comenta: «si bien [él] trabajaba con mayor naturalidad junto a McCartney —quien se expresaba de manera articulada y convencional—, el desafío de atender al enfoque intuitivo de Lennon solía impulsarlo a crear sus arreglos más originales».[435] Martin comentó lo siguiente sobre los estilos compositivos tan distintos de ambos músicos y sobre su propia influencia estabilizadora:
En comparación con las canciones de Paul, que parecían mantener cierto vínculo con la realidad, las de John poseían un carácter psicodélico, casi místico... El imaginario de John es uno de los aspectos más destacados de su obra: «árboles de mandarina», «cielos de mermelada», «flores de celofán»... Siempre lo vi como una especie de Salvador Dalí sonoro, más que como un artista discográfico consumido por las drogas. Por otro lado, sería absurdo negar que las drogas desempeñaron un papel importante en la vida de los Beatles por aquel entonces... ellos sabían que yo, con mi actitud de maestro de escuela, no lo aprobaba... No solo es que yo no participara en ello, sino que no le veía el sentido; y no cabe duda de que, si yo también hubiera estado bajo los efectos de las drogas, Pepper nunca habría llegado a ser el álbum que fue. Quizás fue esa combinación de consumo y abstinencia lo que funcionó; ¿quién sabe?[436]
Harrison se hizo eco de la descripción que hizo Martin de su papel estabilizador:
Creo que simplemente maduramos juntos a lo largo de esos años: él hacía el papel del tipo serio y nosotros el de los locos; pero él siempre estaba ahí para interpretar nuestra locura —había días en que nos poníamos un tanto vanguardistas, y él actuaba como ancla para transmitir eso a través de los ingenieros y plasmarlo en la cinta.[437]
En el estudio
Al hacer un uso innovador de la tecnología y ampliar las posibilidades de la música grabada, los Beatles impulsaron a Martin y a sus ingenieros de sonido a experimentar. Buscaban formas de aprovechar creativamente los sucesos fortuitos —como el acople accidental de una guitarra, la resonancia de una botella de vidrio o una cinta colocada al revés para que se reprodujera en sentido inverso— e incorporarlos a su música. Su deseo de crear sonidos inéditos en cada nueva grabación, sumado a la habilidad de Martin para los arreglos y a la experiencia técnica en el estudio de los ingenieros de EMI Norman Smith, Ken Townsend y Geoff Emerick, contribuyó de manera significativa a sus discos, desde Rubber Soul y, sobre todo, a partir de Revolver.[438]
Además de emplear técnicas de estudio innovadoras —como efectos de sonido, colocación poco convencional de micrófonos, bucles de cinta, doblado de pistas y grabación a velocidad variable—, los Beatles enriquecieron sus canciones con instrumentos inusuales en el rock de aquella época. Entre ellos figuraban conjuntos de cuerda y viento-metal, así como instrumentos de la India, tales como el sitar en «Norwegian Wood» y el swarmandal en «Strawberry Fields Forever».[439] También utilizaron instrumentos electrónicos novedosos como el Mellotron, con el que McCartney proporcionó las voces de flauta en la introducción de «Strawberry Fields Forever»,[440] y el clavioline, un teclado electrónico que generó el inusual sonido parecido al del oboe en «Baby, You're a Rich Man».[441]
Legado
Robert Greenfield, exeditor asociado de la revista Rolling Stone, comparó a los Beatles con Picasso, describiéndolos como «artistas que rompieron las limitaciones de su época para crear algo único y original... En el ámbito de la música popular, nadie será jamás más revolucionario, más creativo ni más distintivo...».[363] El poeta británico Philip Larkin describió su obra como «un híbrido encantador y embriagador de rock and roll negro y su propio romanticismo adolescente» y como «el primer avance en la música popular desde la guerra».[443]
Se atribuye a la llegada de los Beatles a Estados Unidos en 1964 el inicio de la era del álbum;[444] el historiador musical Joel Whitburn afirma que las ventas de LP pronto «se dispararon y acabaron superando las ventas y los lanzamientos de sencillos» en la industria musical.[445] No solo desencadenaron la invasión británica de los Estados Unidos,[446] también se convirtieron en un fenómeno de influencia mundial.[447] Desde la década de 1920, Estados Unidos dominó la cultura del entretenimiento popular en gran parte del mundo a través de las películas de Hollywood, el jazz, la música de Broadway y Tin Pan Alley y, más tarde, el rock and roll, que surgió inicialmente en Memphis (Tennessee).[349] Los Beatles son considerados iconos culturales británicos; jóvenes adultos del extranjero sitúan a la banda entre las figuras que más asocian con la cultura del Reino Unido.[448][449]
Sus innovaciones musicales y su éxito comercial inspiraron a músicos de todo el mundo.[447][450] Muchos artistas han reconocido la influencia de los Beatles y han cosechado éxitos en las listas de ventas con versiones de sus canciones.[451] En la radio, su llegada marcó el inicio de una nueva era; en 1968, el director de programación de la emisora neoyorquina WABC prohibió a sus locutores emitir música anterior a los Beatles, estableciendo así la línea divisoria de lo que se consideraría música del recuerdo —oldies— en la radio estadounidense.[452] Ayudaron a redefinir el álbum como algo más que unos cuantos éxitos aderezados con «relleno»,[453] y fueron pioneros clave del vídeo musical moderno.[454] El concierto en el Shea Stadium con el que inauguraron su gira norteamericana de 1965 atrajo a unas 55 600 personas,[151] desde entonces era la mayor audiencia en la historia de los conciertos; Spitz describió el evento como un «avance importante... un paso gigantesco hacia la transformación del negocio de los conciertos».[455] La imitación de su vestimenta y, sobre todo, de sus peinados —que se convirtieron en un símbolo de rebeldía— tuvo un impacto mundial en la moda.[109]
Según Gould, los Beatles transformaron la manera en que la gente escuchaba música popular y vivía su papel en sus vidas. Lo que comenzó como el fenómeno pasajero de la «Beatlemanía» evolucionó hasta convertir al grupo en una encarnación de los movimientos socioculturales de la década. Como iconos de la contracultura de los años sesenta —añade Gould—, se transformaron en un catalizador del bohemio y del activismo en diversos ámbitos sociales y políticos, impulsando movimientos como la liberación de la mujer, la liberación gay y el ecologismo.[456] Según Peter Lavezzoli, tras la polémica de «más populares que Jesús» en 1966, los Beatles sintieron una presión considerable por decir lo correcto y «emprendieron un esfuerzo concertado para difundir un mensaje de sabiduría y conciencia superior».[176]
Otros comentaristas, como Mikal Gilmore y Todd Leopold, han situado el origen de su impacto sociocultural en un momento anterior, interpretando incluso la etapa de la «Beatlemanía» —especialmente su primera visita a Estados Unidos— como un momento clave en el desarrollo de la conciencia generacional.[107][457] Al referirse a su aparición en The Ed Sullivan Show, Leopold afirma: «En muchos sentidos, la aparición en el programa de Sullivan marcó el comienzo de una revolución cultural... Los Beatles eran como extraterrestres que hubieran aterrizado en los Estados Unidos de 1964».[457] Según Gilmore:
Elvis Presley nos había mostrado cómo la rebeldía podía transformarse en un estilo revelador; los Beatles nos mostraban cómo el estilo podía tener el impacto de una revelación cultural —o, al menos, cómo una visión pop podía forjarse hasta convertirse en un consenso indiscutible.[107]
Establecido en 2009, el Día Mundial de los Beatles es una celebración anual que tiene lugar cada 25 de junio para honrar y celebrar los ideales de los Beatles.[458] Se eligió esta fecha para conmemorar el día en que el grupo participó en el programa de la BBC Our World en 1967, interpretando «All You Need Is Love» ante una audiencia internacional.[459]
Premios y reconocimientos
En 1965, la reina Isabel II nombró a Lennon, McCartney, Harrison y Starr miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE).[140] Los Beatles ganaron el premio de la Academia de 1971 a la mejor banda sonora original por la película Let It Be (1970).[307] Los ganadores de nueve premios Grammy[460] y quince premios Ivor Novello,[461] los Beatles tienen seis certificaciones de diamante, así como 20 álbumes multiplatino, 16 álbumes de platino y seis álbumes de oro en Estados Unidos.[318] En el Reino Unido, los Beatles tienen cuatro álbumes multiplatino, cuatro álbumes de platino, ocho álbumes de oro y un álbum de plata.[319] Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988.[338]
Los Beatles, el grupo musical más vendido de la historia, habían vendido más de 600 millones de unidades para el año 2012.[462][nb 11] Entre 1991 y 2009, los Beatles vendieron 57 millones de álbumes en Estados Unidos, según Nielsen Soundscan.[464] Han tenido más álbumes número uno en las listas del Reino Unido, quince,[465] y vendió más sencillos en el Reino Unido, 21,9 millones, que cualquier otro artista.[466] En 2004, Rolling Stone clasificó a los Beatles como los artistas de música rock más significativos e influyentes de los últimos 50 años.[467] Ocuparon el primer puesto en la lista de la revista Billboard de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot 100, publicada en 2008 para celebrar el 50.º aniversario de la lista de sencillos de Estados Unidos.[468] A 2017, tienen el récord de mayor cantidad de éxitos número uno en el Billboard Hot 100, con veinte.[469] La Recording Industry Association of America certifica que los Beatles han vendido 183 millones de unidades en Estados Unidos, más que cualquier otro artista.[470] Fueron incluidos colectivamente en la recopilación de la revista Time de las 100 personas más influyentes del siglo XX.[471] En 2014, recibieron el Premio Grammy a la Trayectoria Artística.[472] En 2004 y 2011, Rolling Stone los nombró el mejor artista de todos los tiempos.[473]
En 2007, los Beatles se convirtieron en la primera banda en aparecer en una serie de sellos postales del Reino Unido emitidos por el Royal Mail.[474] A principios de 1999, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un sello dedicado a los Beatles y a Yellow Submarine.[475]
Miembros
Miembros principales
- John Lennon – voz, guitarras, teclados, armónica, bajo (1960–1969; fallecido en 1980)
- Paul McCartney – voz, bajo, guitarras, teclados, batería (1960–1970)
- George Harrison – guitarras, voz, sitar, teclados, bajo (1960–1970; fallecido en 2001)
- Ringo Starr – batería, percusión, voz (1962–1970)
Primeros miembros
- Stuart Sutcliffe – bajo, voz (1960–1961; fallecido en 1962)
- Pete Best – batería, voz (1960–1962)
Miembros temporales
- Tommy Moore (fallecido en 1981) y Norman Chapman (fallecido en 1995) precedieron a Best como baterías temporales en los Silver Beetles/Beatles antes de que él se incorporara en agosto de 1960.[476][477]
- Chas Newby (fallecido en 2023) tocó el bajo con los Beatles durante una breve serie de actuaciones en vivo en diciembre de 1960, sustituyendo a Sutcliffe cuando este se quedó en Hamburgo.[478][479]
- Jimmie Nicol reemplazó temporalmente a Starr en junio de 1964 durante cinco fechas de la gira mundial de los Beatles de ese mismo año.[121]
- Billy Preston (fallecido en 2006) tocó los teclados con los Beatles durante 1969.
Cronología
Discografía
El catálogo principal de The Beatles consta de los 12 álbumes de estudio originales publicados en el Reino Unido, Magical Mystery Tour —un álbum estadounidense que se incorporó al catálogo principal en la década de 1980, cuando se estandarizó su discografía para el formato de disco compacto— y Past Masters, un álbum recopilatorio que reúne todos los sencillos y temas de EP británicos que no aparecieron en los 13 lanzamientos mencionados anteriormente.[480][nb 12]
- 1963: Please Please Me
- 1963: With the Beatles
- 1964: A Hard Day's Night
- 1964: Beatles for Sale
- 1965: Help!
- 1965: Rubber Soul
- 1966: Revolver
- 1967: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
- 1967: Magical Mystery Tour
- 1968: The Beatles
- 1969: Yellow Submarine
- 1969: Abbey Road
- 1970: Let It Be
- 1988: Past Masters (compilatorio)
Catálogo de canciones
Hasta 1969, el catálogo de los Beatles fue publicado casi exclusivamente por Northern Songs, empresa fundada en febrero de 1963 por el editor musical Dick James específicamente para Lennon y McCartney, aunque posteriormente adquirió canciones de otros artistas. La compañía estaba estructurada de tal manera que James y su socio, Emmanuel Silver, poseían una participación mayoritaria, descrita de diversas formas como el 51 % o el 50 % más una acción. McCartney poseía el 20 %. Las cifras varían también en cuanto a la participación de Lennon —19 % o 20 %— y la de Brian Epstein —9 % o 10 %—, la cual este último recibió en lugar de una comisión del 25 % por la representación del grupo.[482][483][484] En 1965, la empresa salió a bolsa. Se crearon 5 millones de acciones, de las cuales los socios fundadores originales conservaron 3,75 millones. James y Silver recibieron 937.500 acciones cada uno —el 18,75 % de los 5 millones—; Lennon y McCartney recibieron 750 000 acciones cada uno —el 15 %—; y la empresa de representación de Epstein, NEMS Enterprises, recibió 375 000 acciones —el 7,5 %—. De los 1,25 millones de acciones puestas a la venta, Harrison y Starr adquirieron 40 000 cada uno.[485] En el momento de la salida a bolsa, Lennon y McCartney renovaron sus contratos de edición de tres años, lo que los vinculaba a Northern Songs hasta 1973.[486]
Harrison creó Harrisongs para gestionar sus composiciones de los Beatles, pero firmó un contrato de tres años con Northern Songs que otorgaba a esta última los derechos de autor de su obra hasta marzo de 1968, lo cual incluía temas como «Taxman» y «Within You Without You».[487] Las canciones en las que Starr figuró como coautor antes de 1968, como «What Goes On» y «Flying», también estaban protegidas por los derechos de autor de Northern Songs.[488] Harrison no renovó su contrato con Northern Songs al finalizar este; en su lugar, firmó con Apple Publishing y conservó los derechos de autor de sus obras a partir de ese momento. De este modo, Harrison pasó a ser propietario de los derechos de sus canciones posteriores con los Beatles, como «While My Guitar Gently Weeps» y «Something». Ese mismo año, Starr creó Startling Music, empresa que posee los derechos de sus composiciones para los Beatles: «Don't Pass Me By» y «Octopus's Garden».[489][490]
En marzo de 1969, James gestionó la venta de las acciones de Northern Songs que poseían él y su socio a la compañía de radiodifusión británica Associated Television (ATV) —fundada por el empresario Lew Grade— sin informar previamente a los Beatles. Posteriormente, el grupo intentó obtener una participación mayoritaria tratando de llegar a un acuerdo con un consorcio de firmas de corretaje londinenses que había acumulado una participación del 14 %.[491] El acuerdo fracasó debido a las objeciones de Lennon, quien declaró: «Estoy harto de que me tomen el pelo tipos de traje sentados sobre sus gordos culos en la City».[492] Para finales de mayo, ATV había adquirido una participación mayoritaria en Northern Songs, con lo que controlaba la casi totalidad del catálogo de Lennon y McCartney, así como cualquier material futuro hasta 1973.[493] Frustrados, Lennon y McCartney vendieron sus acciones a ATV a finales de octubre de 1969.[494]
En 1981, las pérdidas financieras de la empresa matriz de ATV, Associated Communications Corporation (ACC), llevaron a esta a intentar vender su división musical. Según los autores Brian Southall y Rupert Perry, Grade se puso en contacto con McCartney para ofrecerle ATV Music y Northern Songs por 30 millones de dólares.[495] Según un relato de McCartney de 1995, se reunió con Grade y le explicó que solo le interesaba el catálogo de Northern Songs, en caso de que Grade estuviera dispuesto a «separar» esa parte de ATV Music. Poco después, Grade le ofreció venderle Northern Songs por 20 millones de libras, dándole al exBeatle «más o menos una semana» para decidir. Según McCartney, él y Ono respondieron con una oferta de 5 millones de libras que fue rechazada.[496] Según las informaciones de la época, Grade se negó a separar Northern Songs y rechazó una oferta de entre 21 y 25 millones de libras realizada por McCartney y Ono por dicha compañía. En 1982, ACC fue adquirida por el magnate empresarial australiano Robert Holmes à Court por 60 millones de libras.[497]
En 1985, Michael Jackson adquirió ATV por una suma reportada de 47,5 millones de dólares. La adquisición le otorgó el control de los derechos editoriales de más de 200 canciones de los Beatles, así como de otros 40 000 derechos de autor.[498] En 1995, mediante un acuerdo que le reportó unos 110 millones de dólares, Jackson fusionó su negocio de edición musical con Sony para crear una nueva compañía, Sony/ATV Music Publishing, en la que poseía una participación del 50 %. Esta fusión convirtió a la nueva empresa —valorada entonces en más de quinientos millones de dólares— en la tercera mayor editorial musical del mundo.[499] In 2016, Sony acquired Jackson's share of Sony/ATV from the Jackson estate for $750 million.[500]
A pesar de no poseer los derechos editoriales de la mayoría de sus canciones, el patrimonio de Lennon y McCartney siguen percibiendo sus respectivas partes de las regalías de autor, las cuales suman en conjunto el 331⁄3% de los ingresos comerciales totales en Estados Unidos y oscilan entre el 50 % y el 55 % en el resto del mundo.[501] Dos de las primeras canciones de Lennon y McCartney —«Love Me Do» y «P.S. I Love You»— fueron publicadas por una filial de EMI, Ardmore & Beechwood, antes de que ellos firmaran con James. McCartney adquirió sus derechos editoriales a Ardmore[502] en 1978,[503] y son las dos únicas canciones de los Beatles propiedad de MPL Communications, la compañía de McCartney.[504] El 18 de enero de 2017, McCartney presentó una demanda ante el tribunal de distrito de los Estados Unidos contra Sony/ATV Music Publishing con el fin de recuperar la titularidad de su parte del catálogo de canciones de Lennon y McCartney a partir de 2018. Según la legislación estadounidense sobre derechos de autor, los autores pueden recuperar los derechos cedidos a una editorial transcurridos 56 años en el caso de obras publicadas antes de 1978.[505][506] McCartney y Sony llegaron a un acuerdo confidencial en junio de 2017.[507][508]
Filmografía selecta
Ficción
- A Hard Day's Night (1964)
- Help! (1965)
- Magical Mystery Tour (1967)
- Yellow Submarine (1968) —breve cameo—
Documentales y grabaciones de actuaciones
- The Beatles at Shea Stadium (1966)
- Let It Be (1970)
- The Compleat Beatles (1982)
- It Was Twenty Years Ago Today (1987) —sobre Sgt. Pepper—
- The Beatles Anthology (1995)
- The Beatles: 1+ (2015) —colección de vídeos musicales restaurados digitalmente—
- The Beatles: Eight Days a Week (2016) —sobre la «Beatlemanía» y los años de giras—
- The Beatles: Get Back (2021)
- Now and Then: The Last Beatles Song (2023) —cortometraje sobre la creación de «Now and Then»—
- Beatles '64 (2024) —sobre el impacto cultural de la primera visita de The Beatles a Estados Unidos en 1964—
Giras de conciertos
Véase también
Portal:The Beatles. Contenido relacionado con The Beatles.
Notas
- Lennon dijo de Epstein: «Nos vestíamos como queríamos, tanto dentro como fuera del escenario. Él nos decía que los vaqueros no eran especialmente elegantes y que si sería posible usar pantalones de vestir, pero no quería que de repente pareciéramos anticuados. Nos dejaba tener nuestra propia individualidad».[43]
- «She Loves You» fue superada en ventas por «Mull of Kintyre», de la banda de McCartney posterior a los Beatles Wings.[66]
- La guitarra resonante de 12 cuerdas de Harrison inspiró a Roger McGuinn, quien obtuvo su propia Rickenbacker y la usó para crear el sonido característico de The Byrds.[119]
- Starr fue hospitalizado brevemente después de una amigdalectomía, y Jimmy Nicol lo reemplazó en la batería durante las primeras cinco fechas.[121]
- No fue hasta Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en 1967, que se publicó un álbum de los Beatles con una lista de canciones idéntica tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos.[173]
- Poirier identificó lo que denominó su «alusividad mixta»: «Es imprudente asumir que están haciendo una sola cosa o expresándose en un único estilo... un solo tipo de sentimiento respecto a un tema no basta... cualquier sentimiento concreto que se suscite a menudo debe coexistir en el contexto de alternativas aparentemente contradictorias».[211] McCartney dijo en aquel entonces: «Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir con ellas. Pero, al cabo de una semana, alguien más comenta algo al respecto y no puedes negarlo... Cada uno le otorga su propio significado a nuestras canciones, según su propia perspectiva».[211]
- Epstein se encontraba en un estado emocional frágil, bajo estrés debido a problemas personales. Se especulaba que le preocupaba que la banda no renovara su contrato de representación —que vencía en octubre— debido al descontento con su gestión de los asuntos comerciales, especialmente en lo referente a Seltaeb, la empresa que administraba los derechos de mercadotecnia del grupo en Estados Unidos.[231]
- La banda intentó sin éxito impedir el lanzamiento en 1977 de Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. Este álbum, publicado de forma independiente, recopilaba grabaciones realizadas durante la estancia del grupo en Hamburgo, registradas con un equipo básico y un solo micrófono.[322]
- Otra estimación sitúa las ventas internacionales totales en más de mil millones de unidades,[349] una cifra basada en la declaración de EMI y reconocida por Guinness World Records.[463]
