風立ちぬ (2013年の映画)

主題

矛盾性

「空に憧れて飛行機に乗りたかった少年が、設計者として美しい飛行機を作りたいという夢を持つ。ところが大人になると戦争の時代になって、彼が作らなければならなかったのは艦上戦闘機だった」という主人公が辿った足跡を通して、「戦争反対を主張しながら、一方では戦闘機などの兵器を好む」という宮崎駿が抱える「矛盾」^{[注釈 9]}の部分に向き合い、それに対する答えを宮崎はこの映画の中で明らかにしようとした^[5][19]。本作は全篇において、戦争の時代にあったありとあらゆる矛盾を描き、それによる残酷な事実をも露わにしている^[20]。

「風立ちぬ」と「生きねば。」の意味

Le vent se lève, il faut tenter de vivre.
風立ちぬ、いざ生きめやも — ポール・ヴァレリー
訳 堀辰雄

題名の「風立ちぬ」は、宮崎本人による命名であり（ここで長編作品として『「の」の法則』が適用されない初の例となった^[5]）^[15]、堀辰雄の小説の題名から引用されたものであるが、その原典はフランスの詩人ポール・ヴァレリーの詩『海辺の墓地』における最終章の一節"Le vent se lève, il faut tenter de vivre."である。この一節は、現代語訳としては「風が立つ、生きようと試みなければならない」^[21]となるが、堀は古典的な文語体を用いて「風立ちぬ、いざ生きめやも」と独自に訳した。

ヴァレリーの詩の原文には文末に感嘆符とリーダーが付けられており^{[注釈 10]}、ヴァレリーはその詩のなかで、書物のページが勢いよくめくられる象徴的な現象を介して己の肉体が一陣の「湧き立つ風」を知覚したその瞬間、胸のなかで命が躍動し魂が呼び覚まされたことを驚嘆して認め、その激的な感情の昂りをもって己に「生きることを試みなければ！」と命ずる状況を詩的ダイナミズムによって表現したが^[22]、堀は自身の小説で引用するにあたり、原文から感嘆符とリーダーを除くと同時に、訳として古典文法で反語と詠嘆の意味を持つ「めやも」を使用することで、生きようとする覚悟と同時にその後に襲ってくる不安感や生きることへの躊躇、すなわち希望とも不安とも変わる繊細な人の心を映し出したと解釈されている^{[注釈 11][24]} 。このヴァレリーによる原文（感嘆符およびリーダーなし）と堀による訳は、映画冒頭で印象的に提示される。

宮崎によれば、本作で描かれる時代を「関東大震災、世界恐慌、失業、貧困と結核、革命とファシズム、言論弾圧と戦争につぐ戦争、一方大衆文化が開花し、モダニズムとニヒリズム、享楽主義が横行した。詩人は旅に病み死んでいく」「今日の日本にただよう閉塞感のもっと激しい時代だった」^[13]とし、「今の世の中は緊張感に満ちていると思う。（かつて）堀越二郎と堀辰雄もこの先どうなるのか分からないということについて、どうもこれはまずいと意識しながら生きたに違いない。（堀越と堀が生きた時代と現代に）同時代性を感じた」^[18]とも言及しつつ、「『風立ちぬ』というのはですね、実は激しい時代の風が吹いてくる。吹きすさんでる。その中で生きようとしなければならないという意味です。それがこの時代の変化に対する自分たちの答えでなければならないと思います」としている^[25]。

そして宮崎は本作における「風」のイメージについて、本作の製作中に発生した東日本大震災と原発事故^{[注釈 12]}からも大きな影響を受けたとしており、「原発が爆発したあと、轟々と風が吹いた時に、僕は2階で寝転がってて、木がうわーって揺れてるのを見て思ったんだけど、『風立ちぬ』っていうのはこういう風なんだ」「轟々と吹くんです、恐ろしい風が。だから生きようとしなければならないんだっていうことなんだなあ、と、現実に思い知らされたんですけどね」^[27] 「『風が吹き始めた時代』の風とはさわやかな風ではありません。おそろしく轟々と吹きぬける風です。死をはらみ、毒を含む風です。人生を根こそぎにしようという風です」^[28]とも述べ、さらに「天災で、どんなに悲痛な思いをしても、この国の人々はそれを受け容れて、それでも生き続けようとする力をやっぱり持ってるんだと思いますよ。パニックになったとしても、なんとかしていく、そういうのを感じました」「たくさんの悲劇がありましたが、震災を受けた人たちは、乗り越えていけると思います」^[26]と本作のテーマに通ずる発言も行っている。

以上のように本作における「風」とは主に、自らが全く関与しえない摂理としての困難や逆境のメタファーであり、それを乗り越えて「生きる」意志を大きく象徴している^[29]。しかし一方で、風は主人公とその妻に立ちはだかる障害であると同時に、溢れ出す夢や湧き上がる感情・創作意欲の発露をも表し^[30]、加えて劇中で妻の菜穂子によって「風があなたを運んで来てくれた」と語られるように、互いの心を強く引き寄せ合い交流する"見えない"力や運命の象徴として^[30]、さらには「風のような」と表現される、"美しい"飛行機や"美しい"菜穂子そのものの喩え^[31]としても描かれており、これらの意味を介在させながら「生きねば。」という意志表現に帰結させる、すなわちこれらの異なる意味を持つ全ての「風」が主人公に「生きる衝動」を与える動機要素となっている^{[注釈 13]}。

映画中盤、主人公は「誰が風を見たでしょう…」と、西条八十が訳したクリスティーナ・ロセッティの詩を心のうちに奏で、「風」のさらなる深い意味を観客に問うている。この詩に見られるように、風そのものはわたしたちの目には見えない^[29]。風は、髪やパラソルや帽子や読みかけの本やカーテンや扉があってはじめて、さらにそれがとりわけわたしたちの記憶に刻み込まれたモノである場合にかぎり強烈な実在性を露わにする^[29]。だからこそ、深く心に刻み込まれた人や対象が消滅したり破壊されたりしても、風によって活き活きしたイメージが湧き立つかぎり、わたしたちは生きようと試みることができるのである^[29]。

キャッチコピーの「生きねば。」は、前述の堀辰雄が訳したヴァレリーの詩「風立ちぬ、いざ生きめやも」から、題名の「風立ちぬ」に続き「いざ生きめやも」の部分が引用され、訳し直されたものとして解釈できると同時に^{[注釈 14]}、宮崎が長年にわたって執筆した漫画作品『風の谷のナウシカ』最終巻の最後のコマに登場する言葉からの引用でもあり（宮崎によれば鈴木が引っ張り出してきたという^[33]）、「たとえどんな時代でも力を尽くして生きることが必要」という宮崎の強いメッセージが込められている^[15][16][34]。

宮崎が敬愛する堀田善衛の随筆『空の空なればこそ』の中で引用されている、旧約聖書の『コヘレトの言葉』にある「凡（すべ）て汝（なんじ）の手に堪（たふ）ることは力をつくしてこれを為（な）せ」という一節からも多大なインスピレーションを受けたと語っており、宮崎は「二郎の夢に出てくるイタリアの飛行機製作者カプローニが二郎にたびたび『力を尽くしているかね？』という言葉をかけるが、やっぱり、どんな状況であれ力を尽くしてやった方がいいと思う」と述べている^[18]。また宮崎はかつて講演でこの一節について、「どんな仕事でも、たぶんその瞬間はやってよかったとか、意味があったという瞬間をもっている。それを見つけなければいけないという意味ではないか」とも語っている^[15]。

純文学性

堀辰雄が実体験をもとに執筆した小説『風立ちぬ』では、主人公の妻が病（結核）により死に近づいていくなかで、夫婦2人は「死」が身近にあるからこそ「生」を強く意識し、その刹那的な"美しさ"を肯定していくという、死を意識した幸福感と生命力への賛歌が、繊細な心理描写によって描かれ^[35]、さらに政治や社会情勢などの外界を遮断してロマン主義的に生きる姿も同時に描いており^[36]、これらの要素も本作の大きな土台となっている。

さらに、妻の菜穂子をダンテ・アリギエーリの叙事詩『神曲』に登場するベアトリーチェに^[33]、夢の中のカプローニをゲーテの戯曲『ファウスト』に登場するメフィストフェレスに^[37]、療養先の軽井沢をトーマス・マンの小説の舞台『魔の山』に重ね合わせているなど^[20]、宮崎作品でかつてないほどに文学的濃度の高い作風となっている。

夫婦像

本作は、スタジオジブリ作品としては極めて挑戦的とも言える、キスシーンや初夜を迎えるシーン^{[注釈 15]}も決して過激ではないものの描写されており、これら終盤のシーンを通じて、自身の命よりも主人公と共に過ごす時間を優先して夢を追う支えになろうとする妻の姿とともに^[38]、自身まで結核に感染する危険性があることを承知の上で妻に愛情を表現する主人公の姿^[39]、すなわち双方が自己犠牲を払う美しい夫婦像、ひいては二人で運命をともにして生きていく覚悟の姿を描写している^[23]。

また本作のヒロインである主人公の妻・菜穂子は、一見すると前近代的なマチズモ（男性優位主義）に侵された、「男性の夢のために献身的な犠牲を強いられた女性」、いわば「男性にとって都合のいい女性」として理解されてしまう可能性を孕んでいるが^[40]、実際には、自らの人生に明確な意志と覚悟を持って向き合い、主人公への揺るがない愛を動機として、常に主体的に考えて行動する芯の強い女性として描かれており^{[注釈 16]}、堀辰雄の小説『風立ちぬ』で「節子」に与えられた受動的な女性像とは異なる女性像が与えられている（これが本作でヒロインが「節子」ではなく「菜穂子」と名付けられた理由としても解釈される^[42]）。またこれは同時に、自分の夢にしか関心のない次男坊と結ばれるにあたって、妻は「家」に入る必要もなく、子供を授かる必要もなく、長生きする必要さえもない^[40]。ただ彼の前で「美しく」ありさえすればそれでよいという事実も浮かび上がらせる^[40]。すなわち、本作における夫婦像は、互いに"美しい"夢に向かって主体的に行動する姿であり、二郎が「美しい飛行機を作りたい」という自分の夢の中に生きていたように、菜穂子もまた「二郎の夢の実現に美しい姿のまま添い遂げたい」という自分自身の夢の中に生きていた^{[注釈 17][40]}。それはある意味では狂気的で、"他者の理解など得られそうもない"不可侵の究極的な愛情でもあった^[20]。

夢と美の追求、エゴイズム

宮崎は、「この映画は戦争を糾弾しようというものではない。ゼロ戦の優秀さで日本の若者を鼓舞しようというものでもない。本当は民間機を作りたかったなどとかばう心算もない。自分の夢に忠実にまっすぐ進んだ人物を描きたいのである」^[13]と述べ、続けて「夢は狂気をはらむ、その毒もかくしてはならない。美しすぎるものへの憬れは、人生の罠でもある。美に傾く代償は少くない」^[13]とし、当時の社会に蔓延る貧困や"ピラミッドのある世界"の描写などを背景に浮かび上がる主人公のエゴイスティックな一面と^[20]、弱者の犠牲の上で一部の人間の夢が成り立つという現実^[43]、"美しい"飛行機への希求や"美しい"妻・菜穂子への愛を介して表現される「美」の眩惑作用^[44]と「なぜ美しいものは儚く、脆いのか」という普遍的な命題^[40]、そしてそれらがもたらす、「生と死」「創造と破壊」という対比構造によって特徴づけられる悲劇的な結末にも焦点を当てている。

ラストシークエンスでは、煉獄（天国と地獄の中間地点）であることを暗示させる、夢のなかの草原において、亡くなってからその「地獄に似た」場所でずっと待ち続けていたという妻から、主人公は「生きて」と語りかけられる。この言葉には、あなたはこれから悩み苦しみながらも罪を背負って死者の分まで懸命に「生きなければならない」^[20][45]、もしくは、"終わりはズタズタ"になりながらも精一杯力を尽くしてきたこれまでの主人公の生き方を肯定するかのように、あなたは「生きていいのだ」（生きるに値するのだ^[46]）^{[注釈 18]}、という二つの意味合いが含蓄され、この言葉に主人公が深く頷くと、妻は「風」とともに消え、彼女の召天を示唆する。そして主人公は、先の鼓舞激励とも解される愛と生命力のある妻の言葉に、ここで人前で初めて感情を激しく露わにして「ありがとう」と感謝の想いを吐露し（これは宮崎自身からの創作活動を総括する謝辞とも解釈されている^[20][29]）、罪悪感や絶望感によって「死への衝動」に支配されていたそれまでの意識から、もう一度「生への衝動」へと引き寄せられる瞬間を捉えている。そしてそれに続いて、「君は生きねばならないが、その前に寄って行かないか」とカプローニが主人公をワインに誘う描写がラストシーンとなって物語に幕が引かれ^[48]、さらなる解釈の広がりを示唆している。なお絵コンテの段階では、ラストの菜穂子のセリフは「来て」であり、これはダンテの『神曲』におけるベアトリーチェの役割を果たす菜穂子が二郎を煉獄から天国へと誘い迎え入れること（魂の救済）を示していたが、最終的に1文字追加され「生きて」となり、本作のテーマを明示するエンディングとなった経緯がある^{[注釈 19][20][33]}。主人公の声優を務めた庵野秀明は、ラストの菜穂子のセリフの変更について「セリフが台本とは180度変わって本当に良かった。宮さんと重ね合わせて考えて、個人的に凄く良かったです」^[49]と述べるとともに、「このラストシーン（ラストシークエンス）は素晴らしい。宮さんの作品の中でも最高ですよ」^[10]と絶賛している。

物語展開

本作は主に「航空機設計技師として失敗を経験しながらも成功していくストーリー」と「菜穂子との出会いと愛と別れ」という、軸となる2つの物語が並行して時系列的に展開される明瞭な構成であるが、最後の飛行試験のシーンにおいて、二郎は飛行機の成功を喜ぶことなく、菜穂子との別れを超越的に悟るという演出がなされており、これによって、本来ハッピーエンドであるはずの夢の実現を空振りさせ、尚且つ、次のシーン（前述したラストシークエンス）によって、夢の実現がバッドエンドに終わることを明らかにするとともに、本来バッドエンドであるはずの菜穂子との別れをハッピーエンドで終わらせるという、技巧的な物語展開が試みられている。

モダニズム

編集者の渋谷陽一から「この映画は、戦争が大きなテーマになっているんですけども」と問われたのに対して、宮崎は「戦争そのものじゃないですけどね。モダニズムですよね」と答えている^[50]。宮崎は、大正デモクラシーの終焉から太平洋戦争へと向かう激動の日本を舞台に、近代化・西洋化の波の中で、理想と現実、美と創造と破壊、生と死が交錯する時代の空気、特に技術（飛行機）への憧憬と、それが戦争や国の滅亡に繋がるという人間の営みを、詩的かつ内省的に描いた^[50]。近代的な飛行機の設計者として、技術の美しさや可能性に魅了される主人公が、その技術によって戦争という破壊に繋がる矛盾した結末に向かって歩んでいく姿や、国家が近代化する過程で台頭した帝国主義によって戦争が避けられなくなる状況を通して、「近代化の破産していく過程」を明らかにしている^[50]。

宮﨑は、本作では「戦争」ではなく「モダニズム」に焦点を当てるために、「彼らが人生をいかに選択しようが、個人が賛成しようが反対しようが、戦争が起きるという歴史の必然たる枠組みは変わらない」という決定論を前提として作品を構築しており、それはヒロインの菜穂子が結核で死ぬことを「避けられない出来事」として描いている点とも軌を一にしている^[50]。すなわち、「人生には選択肢などなく（あっても大差なく）、人はそこで精一杯生きることしかできない」というある種の諦観が本作の根底にあり^[50]、これこそが、前述したように避けられない困難や逆境を意味する「風」が吹いたから「生きなければならない」という、「風立ちぬ、いざ生きめやも」の一節に帰結するものとなっている^[29]。

自己投影

宮崎が実在の人物を題材にして主人公を作った初めての作品であるが^[5]、主人公のモチーフには、宮崎の父・勝次の人生^[51]や宮崎駿監督自身の姿も投影されている^[43][52]。勝次は、幼いころに関東大震災に遭い^[53]、その後零式艦上戦闘機や月光の風防などを製造する会社の経営に携わり^[51]、のちに前妻を結核で亡くしている^[54]。宮崎は「自分の親父を知りたい。この作品で」と話している^[5]。そして宮崎は「この時代の人で1番自分に身近に感じられたのが堀越二郎と堀辰雄だった。堀越二郎の内面はおのずと堀辰雄になっていった」とも述べている^[18]。宮崎自身の姿が投影されていることについては、漫画版の本作が、『紅の豚』と同じように、宮崎の自画像である豚として主人公が描かれていることからも暗示されており^[36]、劇中に繰り返し登場する机に座って鉛筆で図面の線を引く主人公の姿にも強く現れている^[43]。また宮崎は、「おやじより少し上の堀越二郎、堀辰雄の生きた時代とおやじの時代、そして今。（これまで自分の中では）ブツブツに切れていた歴史の流れが（今回の映画で）つながったような思いがする」とも述べている^[18]。

戦争描写と戦争責任

本作は大正から昭和にかけての時代が舞台であるが、あからさまな戦争場面は出てこない^[18]。この点について宮崎は、「あえて避けたのではなく、（描くべきことは）その時代に自分の志にまっすぐ生きた人がいたということだった。堀越と堀辰雄の2人はインテリで、とんでもないところに（日本が戦争に）行くということを予感している。分かっていても一切そういうものとかかわらない生き方はできるのだろうか。僕は違うと思う。職業人というのはその職業の中で精いっぱいやるしかないんだ」「まるで歴史的感覚をなくしたわけではありません、と言い訳するように、軍の行進の場面を入れたりということはやめようと思った。歴史というものはそういうものだからとあいまいにしたり、零戦は強かったという表現をしたり。そういうインチキ映画は作らない。一生懸命やった人たちのことを描く覚悟をした」^[18]と述べている。

また、本作における戦争責任の描かれ方に関して、主人公が戦争に対する抗議行動をしないことについて渋谷陽一に問われた際、宮崎は「我々がそうですからね。この日本、どこに行くんだろうと思っているけど、どっかの前で座り込みを続けているとか、断食しているとか、そういうことはやらないで、相変わらず同じことを毎日やっていますよ。そういうことなんだと思うんで。今もまったく同じ状況なんだと思います」^[27]と答えている。また、宮崎は軍需産業に従事していた両親を例に挙げて以下のようにも述べている。「自分の親父やおふくろが戦争を望んでいたかといえば、望んでないですよ。でも、景気良くなることは望んでたんですよ。で、戦争に負けたら困るから負けないだろう、という程度で。（中略）でも全員が反戦活動をしたり、社会主義者になって牢屋に入るわけにいかないから。職業を持つということは、どうしても加担するという側面を持っている、それはもうモダニズムそのものの中に入ってるんだと思ってるんです」^[27]。実際に本作では、カストルプやユンカースといった、戦争にあからさまに反対する立場を取った人物たちが国家に追われることになる描写がストーリーの主軸とは離れて展開されており、彼らの人物像は主人公のそれと対比されている^[55]。すなわち本作で宮崎が焦点を当てようとしている日本の戦争の問題は、強力な国家のイデオロギーにより、大衆が支配されたという構図では描かれない^[55]。一人ひとりは、家族想いの良き人間であるにも関わらず、彼らは戦時を生き延びようとするがゆえに、他国の人々を虐殺し、自軍の兵士たちすら犠牲にすることに加担するのである^[55]。

さらに宮崎は、「（両親が）武器を作ってるという自覚、なかったと思いますね。それを、戦後民主主義派がそうやって断罪していくことによって、見落としてるものがいっぱいあって。『じゃあおまえ無実なのか？ アニメーション作るのはどういうことだと思ったことがある？』って、つい僕はそういうことを言いたくなるんですけど（中略）それはただの人生の消費であってね。それに加担するということは、実は、戦争に加担してるのと同じぐらい、今のくだらない世の中にくだらなさを増やしてることなんですよ」^[27]とも述べ、人は誰しも完全な無実にはなりえない点を指摘し（たとえば飢えた子供への募金にあてることもできたはずの千数百円を、二時間のアニメーションに支払っている自分自身のことを忘れてはならない^[40]）、より個人的にアニメーションを作ることと戦争に加担することを並列として語っている。この点について宮崎は以前より、自らがアニメーション監督でありながらアニメーションが子供たちに与える悪影響についても指摘しており、「ずっとセルアニメをやってきて、できることよりできないことのほうが多いと感じる近頃だが、それでも子供のときに素晴らしいアニメーションに出会うのは悪くない体験だと思う。そういいつつ、ぼくらの職業が実は子供の購買力を狙う商売なのも十分分かっている。どんなに良心的と自負しても、映像作品は子供の視覚と聴覚だけを刺激して、子供たちが自分で出かけて発見し、肌に触れて味わいとる世界を、その分奪っていることも事実なのだ」^[56]と述べている。これらのことが先に述べた主人公への宮崎の父および自己の投影につながっている。

視点

主人公の前には様々な弱者や政治的困難が現れる^[43]。しかし彼はただ通り過ぎていくだけで、その状況に対してどう思っているのかはほとんど明らかにされない^[43]。些細な仕草や台詞の強弱に心情が込められているが、過去作の喜怒哀楽がはっきりとしたキャラクターの内面描写と比べると「存在しない」に等しい^[43]。また、劇中幾度も表現される先に述べた矛盾要素は、常に自分とは異なる他者や、現実と切り離された夢想＝内的世界の中で語られるのみで、主人公はそれを同一の対象に含まれるものとして抱えず排除しており、ラストシークエンスを除けばそれに直面して悩む描写もないに等しい^[45]。そして関東大震災や世界恐慌などにおける「群衆」を、「歴史の中でその時々に精一杯生きた人間がいた」というメッセージを込めるために細部まで緻密に描きつつも^{[注釈 20][57]}、主人公である一人の人間、すなわち「個人」とあえて完全に描き分ける手法をとっている。いわば、こうした自身を脅かす対象物の脅威は明確な力として描かれず、暗黙裡に漂う雰囲気や内的世界の情景としてしか表現されないため、これらを情緒として体験する様も描かれない^[45]。

宮崎は主人公の生き方について、自然が引き起こす最悪の事態としての災害、人間が引き起こす最悪の事態としての戦争、そしてそれ以上に耐え難い最愛の人間の憔悴と死に直面しながらも夢を追い日々生活していく状況を、肯定も否定もせず、ただそこに人間が生きたという事実をありのままに眺める視点で描いており、良いか悪いかではなく、正しいか正しくないかではなく、またイデオロギーでも神話でもなく、この時代の生を捉えようとした、ドキュメンタリー的な人間観察の態度に近づいている^[36][58]。また、こうした決定論的な避けられない困難や逆境とそこから導き出される主人公の「生き方」を主題としている本作では、その大きな視点を際立たせるために、人間の内面の葛藤や良心の呵責には関心を払っていない^[50]。そして、主人公が自らの経験や感情を距離を置いて捉え、まるで外から見ているかのように描くこの「客体化」視点は、本作の原作の一つでもある堀辰雄の小説『風立ちぬ』でも試みられており^[59]、さらにこれらの作品の共通主題であるヴァレリーの詩自体が、「風」が吹いたから「生きなければならない」という、運命や状況に流されつつも、それを客観的に受け止め、生きることを選択する「客体化」された自己の姿を示唆している。

夢の中でカプローニが「ピラミッドのある世界と、ピラミッドのない世界と、どちらが好きか」と主人公に問いかけるが、ここではどちらの世界が「正しいか」といった善悪の判断によってではなく、「美しい飛行機を作りたい」という、単なる「好み」へと還元された上で回答されている^[40]。すなわち、この映画が主人公の人生を肯定的に描いているように見えるとすれば、それは彼が「矛盾」を自覚し、葛藤を抱えた人間であることによって正当化されているのではなく、ただ美しいものを作りたいという「夢」への忠実さや^[40]、その時代に力を尽くして生きたという懸命さによって正当化されているのであり^[18]、一方では、主人公がカプローニとの対話を通して対象喪失の悲哀を体験し、抱えることのできなかった矛盾、両価性に向き合うために歩き始めたところで物語は幕を閉じることから、主人公がこれからの人生を、敗戦による夢の墜落（自己実現の失敗）と対象喪失の傷つき、零戦開発の功罪と償いなどの課題に向き合うことで苦悩し葛藤しながら、なおも懸命に「生きる」ことを本作は促しているのである^[36][45]。

映像

「空はまだ濁らず白雲生じ、水は澄み、田園にはゴミひとつ落ちていなかった」ような、「大正から昭和前期にかけて、みどりの多い日本の風土を最大限美しく描く」一方、町には貧しさがあり、建築物についてセピアにくすませず、「道はでこぼこ、看板は無秩序に立ちならび、木の電柱が乱立している」ような、「モダニズムの東アジア的色彩の氾濫」をあえて描く^[13]。

少年期から青年期、そして中年期へと一種評伝としてのフィルムをつくる上で、「観客の混乱を最小限にとどめつつ、大胆な時間のカットはやむを得ない」としながら、以下の3つのタイプの映像が本作を織りなす^[13]。

1. 「日常生活は、地味な描写の積みかさねになる」^[13]。
2. 「夢の中は、もっとも自由な空間であり、官能的である。時刻も天候もゆらぎ、大地は波立ち、飛行する物体はゆったりと浮遊する。カプローニと二郎の狂的な偏執をあらわす」^[13]。
3. 「技術的な解説や会議のカリカチュア化。航空技術のうんちくを描きたくはないが、やむを得ない時はおもいっきり漫画にする。（中略）セリフなども省略する。描かねばならないのは個人である」^[13]。

これらの映像をもとに「リアルに、幻想的に、時にマンガに、全体には美しい映画」を描く^[13]。

音楽

これまでの宮崎監督作品と同様に、久石譲が音楽を担当した^[60]。

本作における宮崎からの要望は「音楽はできるだけ、そぎ落としたシンプルなものを」というもので、久石もそれに同意した^[61]。しかし制作には苦労したといい、久石は「今までのファンタジーとは違って、今回は実写に近い。そういう場合、テーマ曲はどうあるべきなのかをつかむまでに時間がかかった」^[61]「例えば『崖の上のポニョ』はその場でモチーフが浮かびましたが、『風立ちぬ』は結局1年と2か月くらい掛かりました」^[62]と語っている。また、「今回は大きくない編成がいいんだ」という要望を受け、そのスタイルを切り替えたという^[61]。久石によればこれがかなり難しかったといい、「オーケストラにはないものをフィーチャーし、結果的に一番小さい編成になった。今までとは違う世界観を持ち込んだつもり」と述べた^[61]。

テーマ曲は、ロシアの代表的な弦楽器「バラライカ」が切なくも美しい主旋律を奏で、ロシアのアコーディオン「バヤン」がもり立てるエスニック風の組み立てで、映像に寄り添い、あまり主張しない音楽を心がけたという^[61]。

録音は2013年5月26日から28日、宮崎監督、鈴木敏夫プロデューサーらが立ち会い、東京芸術劇場コンサートホールなどで久石の指揮のもと、読売日本交響楽団の演奏により行われた^[63]。読売日本交響楽団が久石の映画音楽を演奏すること、また、ジブリ作品の音楽録音に参加するのは今回が初めてで、映画音楽の録音を行うのは、1965年の市川崑監督のドキュメンタリー映画『東京オリンピック』以来、48年ぶりとなった^[63]。

主題歌には、1973年に荒井由実（現・松任谷由実）によって発表された「ひこうき雲」が採用された（→#松任谷由実の起用）。この楽曲は、病によって若くして死に直面した友人のことを夏空に描かれる飛行機雲になぞらえて表現した文学的作風の歌詞が特徴で、その歌詞世界は「あまりにも若すぎた」死に直面する薄幸のヒロインと、空や飛行機への「憧れ」、「他の人にはわからない」視点が織り重なる本作のストーリーと完全なシンクロニシティを見せただけでなく^[16][40]、本篇では直接的に描写されなかったヒロインの「誰にも気づかれず」に遂げた「死」とそれに対するヒロインの心境を明らかにする補完的な役割も果たしている。

効果音・音響

本作では宮崎のアイデアから、飛行機のプロペラ音、蒸気機関車の蒸気、自動車のエンジン音、関東大震災の地響きなど、劇中のさまざまな音が人の声で再現されており、スタジオジブリ長編映画としては初の採用となった^[15][64]。宮崎によれば、「子どもの頃はほとんどみんな絵を描きながら自分で声を出して、音楽も効果音もセリフも全部やっていたりするのだから、いっそ全部人の声でやったらどうなんだろう」という発想に至ったとし、さらに「確かにゼロ戦の爆音はいくつか残っているだろう。だからといって、それを使うことにどんな意味があるんだろう」と持論を展開し、最終的に「本物の音かどうかではなく、らしく聞こえることが大事」という結論に至ったという^[64]。なお公式には明言されていないものの、これは本作のテーマである「生」の表現であり、人間以外にも命を吹き込んだものとも解釈されている^[65]。

また本作の音響は、同じく宮崎の要望により、現代の一般的な手法であるステレオやサラウンドではなく旧来のモノラル録音であり^[66][61]、これは宮崎監督作品では1984年の『風の谷のナウシカ』以来となる。宮崎は、本作のガヤの録音を20人も30人も集めて行うのではなく2人で行なう方針であったことを明かしつつ、「昔の映画はそこで喋っているところにしかマイクは向けられませんから、どんなに色々な人間が口を動かしてしゃべっていてもそれは映像には出てこなかったんです。その方が世界は正しいんです。僕はそう思うんです。それが24チャンネルになったらあっちにも声をつけろこっちにも声をつけろ、それを全体にばらまくって結果ですね。情報力は増えてるけど、表現のポイントはものすごくぼんやりしたものになっているんだと思います」^[33]と述べている。

なお音楽を担当した久石は、「モノラルは一カ所から音が出るから、それぞれの楽器の微妙なバランス調整が必要になるんです。通常よりも細かい作業が必要で、不眠不休の状態が続きました。でも左右が無く、遠近だけというところに面白さがあって、上手く行くとパァッと音の空間が広がるんです。やっぱりレコーディングの基本はモノラルにあると思いました。良い経験をすることが出来ました」と述べ、また人で再現した効果音については、「効果音というのは、普通は人間の生理とは無関係の音なんです。でも、それを人間が口で作ると生理的な音になって、音楽に割り込んで来る。そこは宮崎さんとも話をして、色々調整しました。最終的には効果音も加工が入ってシンプルになり、音楽、セリフと調和して良い感じになったと思います。ここでも、モノラルで音の出どころを一点に集中したことが良かったですね」と述べている^[62]。

モデル・ロケーション

劇中に登場する航空機はそのほとんどが実在する機体であり、三菱の一三式艦上攻撃機、三式艦上戦闘機、九六式陸上攻撃機、九試単座戦闘機、零式艦上戦闘機、ユンカースのG.38、F.13、カプロニのCa.36、Ca.60などがリアルに描かれている^[67]。

堀越二郎の生家は群馬県藤岡市^[68]であるが、家屋のモデルは、宮崎が戦時中に幼少期を過ごした栃木県宇都宮市にある古民家と言われている^[69]。二郎が通う大学は東京帝国大学工学部航空学科^[68]であり、関東大震災のシーンでは東京帝国大学付属図書館が焼失する様子が描かれている^[70]。二郎が勤める航空機製造工場は三菱内燃機名古屋工場（現・大江工場）^[68]、テスト飛行場は岐阜県各務原市^[68]の「各務原陸軍飛行場」（現・岐阜基地）である。里見菜穂子の実家は東京の代々木上原^[68]、菜穂子が入院するサナトリウムは長野県富士見町^[68]の「富士見高原療養所」である。避暑地のホテル（草軽ホテル）は、長野県軽井沢町^[68]や同県上高地^[14]にあるクラシックホテル（「万平ホテル」や「上高地帝国ホテル」など^{[注釈 21]}）がモデルとされている。森の中の小川が流れる泉は、旧軽井沢にある「御膳水」や、長野県軽井沢町と群馬県安中市の県境にある「碓氷川水源」などがそのモデルとされる。そのほか、かつて軽井沢に向かう経路であった碓氷第三橋梁やそこを通過するアプト式鉄道などがリアルに描かれている。二郎が上司の黒川から間借りして生活した離れは、熊本県玉名市にある「前田家別邸」^[14]がモデルとされている。

製作の経緯

『崖の上のポニョ』の製作を終え一段落したことから、宮崎は『モデルグラフィックス』に漫画を連載することとなった^[81]。宮崎は「この漫画はいわば趣味として描いていたもの」^[81]と語るなど、漫画版を連載し始めた当初は、本作を映画化することは全く考えていなかった。その後、鈴木が映画化を提案したが、宮崎は本作の内容が子供向けでないことを理由に反対していた^[19]。宮崎は「アニメーション映画は子どものためにつくるもの。大人のための映画はつくっちゃいけない」^[19]と主張していたが、鈴木は戦闘機や戦艦を好む一方で戦争反対を主張する宮崎の矛盾を指摘し「矛盾に対する自分の答えを、宮崎駿はそろそろ出すべき」^[19]と述べて映画化を促した。その後宮崎は、自身が子供の頃に見た映画で「生きることの辛さが描かれている暗い映画をなぜ見るのかと思っていたが、こうした作品が今も強く自分の中に残っている。子供の頃に分かりにくいものに接する体験にも、意味があると思い直した」という^[82]。

実際のエピソードを下敷きにしつつもオリジナル要素を盛り込んだストーリーが展開されるため、堀越の遺族に対して事前に相談し了解を得ている^[5][83]。主人公の性格など人物像にもオリジナル要素が盛り込まれているが、その点についても堀越の息子は「そんなことは無論構わない」^[5]と快諾した。

宮崎は完成報告会見の際、前作から5年ぶりではなく「5年かかった」と自ら言い正しており、その間にリーマン・ショックや東日本大震災など、ちょうど描こうとしていた1920～30年代の日本と重なる出来事があり、宮崎監督は「ファンタジーを簡単に作れない時代がきた。悪戦苦闘しました」と苦悩を明かした^[16]。また、原発事故で「エネルギーを過剰消費していく文明のありように、はっきり警告が発せられたんだと思うんです」としつつ、これらを通して「歴史」や「時代」の中に巻き込まれて生きていることを認識したとも語っている^[36]。なお、中間報告会見の際に鈴木敏夫プロデューサーは「実は、地震のシーンまでを描き上げたのが、2011年の3月10日でした。その翌朝、震災があり、さすがに悩み、ふたりで何回か話しました。でも、事実に手を加えるのは違うんじゃないかと。それでそのまま行こうと。映画は時代を映すし、時代が映画を作る。でも、そういうことで、作品がぶれてはいけないと思った」と語っている^[66]。

なお、監督引退会見において宮崎は、本作の構想から制作にあたり、スタッフたちと同じ問題意識を共有できてスムーズに方針が固まったという「めったに起こらない」ことを経験したと語っており、「色々なポジションの責任者たちが色だとか背景だとか動画のチェックだとか、色々なセクション、制作デスクも音楽の久石さんも、とても円満な気持ちで終えたんです。こういうことは初めてでした。もっととんがってギスギスした心を残しながら終わったものなんですが、20年ぶり30年ぶりのスタッフも何人も参加してくれて、そういうことも含めて映画を作る体験としては非常にまれないい体験として終われたので、本当に運が良かったと思っています」と総括している^[33]。

同日公開の目論見

2012年12月の記者会見においては、高畑勲が監督したスタジオジブリの『かぐや姫の物語』も、同日公開の予定と発表されていた^[4][84][5]。宮崎と高畑の映画が同時期に公開されるのは、1988年に『となりのトトロ』と『火垂るの墓』が2本立て同時上映されて以来だが、今回は同時上映ではなく個別に上映される予定となっていた^[84][5]。しかし、『かぐや姫の物語』は2013年に入っても絵コンテが完成しなかったことから、同作は公開時期を延期し、同年秋に公開されることとなった^{[85][86][87][88]}。

庵野秀明の起用

鈴木に対して、アニメーション監督の庵野秀明が「零戦が飛ぶシーンがあるなら描かせてほしい」と申し入れている^[89]。仮に庵野の参加が正式決定していれば、1984年公開の『風の谷のナウシカ』以来の宮崎作品への参加となるはずだった^[89]。

しかし、宮崎は、作画スタッフとしてではなく本作の主人公として出演するよう、庵野に要請した^[90]。庵野は当時『ヱヴァンゲリヲン新劇場版:Q』を作り終えた直後で鬱となっており、スタジオにも足を運べない状態となっていたこともあり^[91]、困惑しつつもオーディションを受けたが、その直後に宮崎から改めて出演を依頼されたため、庵野も出演を受諾した^[90]。宮崎は主人公のイメージとして「早口である」「滑舌がよい」「凛としている」の3つを挙げており、また企画会議の中で「昔のインテリって滑舌がはっきりしていて（声が）ちょっと高い。言葉数が少ないだけ、頭が良過ぎてあんまり余計なことを言わないだけ。内気だから喋らないのではない」（発言要約）とも発言しており、鈴木敏夫プロデューサーより庵野の名前が候補に挙げられた^[90]。

起用理由について宮崎は、「二郎は頭が良すぎて余計なことを言わないから、素人がやった方がまだ“感じ”が出そう」「庵野は変な声だけどものすごく誠実な男です。アフレコではものすごい違和感があるけれど、喋っていくうちに慣れていく。あいつがやるとリアリティありますよ」などと語っており、後にも「庵野が現代で一番傷つきながら生きている感じを持っていて、それが声に出ていると思ったから」と述べている^[20]。また、宮崎によれば今回のキャスティングで蘇ってきたのは「モノクロ時代の日本の映画」「昭和30年以前の作品」だとし、「毎日テレビを見ているとか、日本の映画を見ているとか、吹き替えのものを見ているとか、そういう人たちは気がつかないと思うんです」「それと今の、失礼ですがタレントさんたちのしゃべり方を聞くと、そのギャップに愕然とします。なんという存在感のなさだろうと思います。庵野もアルパート^{[注釈 1]}さんも存在感だけです。かなり乱暴だったと思うんですけど、そのほうが僕にとって映画にぴったりすると思いました」^[33]と述べている。そして庵野に対しては、「うまくやろうとしなくていい。いい声だからでなく、存在感で選んだのだからそれを出さなくてはならない」とアドバイスしている^[90]。

庵野にとって、声優参加作品としては『フリクリ』のミユミユ役以来、主演映画作品としては『帰ってきたウルトラマン マットアロー1号発進命令』（自主制作映画）以来であり、長編アニメーション映画への出演は初の挑戦であった^[92]。庵野が出演オファーを受ける際には「寡黙な男でセリフはそんなにない」と言われたものの、実際の絵コンテを見ると「しゃべりぱなしだし、歌はあるわ、フランス語やドイツ語もある」「完全にだまされました」と冗談混じりに取材に答えている^[92]。

庵野は主人公の"夢を形にしていく"仕事を「自分の実生活にも通じるものがある」とし、「素の自分のままアフレコをやったところを宮さんが喜んでいたので、やっぱりそうなんだなと」「2日目ぐらいから喜んでいる様子だったので、それだけでも良かったと思う」と述べている^[90][92]。また、本作の個人的な感想を求められた庵野は「72歳を過ぎて、ようやく20歳過ぎの映画ができた。これはすごいですね。『あ、宮さん、大人になるんだ』と」^[93]「70歳を過ぎて、地に足ついた作品をつくったなと。今までは、地面からちょっと浮いていたから（笑）」^[9]などと毒舌混じりに答えている。庵野はこの出演により立ち直るきっかけを掴み、14年初めにようやくスタジオに戻れるようになったという^[91]。

なお文芸評論家の藤田直哉は、庵野が主人公の声優に起用された点について、「オタク的なアニメ作家と思われがちな作家である庵野秀明を、堀越二郎の声優にしたことにも、批判と自嘲の匂いを感じる。ここに、『オタク的に好きな事ばかりやって、世の中を無視していると、悲惨なことになるぞ』という啓蒙的なメッセージを読み取ることもできるし、『それでも夢を追うことは美しいのだ』ということを読み取ることもできる」と解釈している^[36]。

松任谷由実の起用

宮崎駿は松任谷由実のファンで、1989年公開の『魔女の宅急便』で「やさしさに包まれたなら」と「ルージュの伝言」を挿入歌に起用している。本作での「ひこうき雲」の起用にあたっては、鈴木敏夫プロデューサーが、2012年に発売された松任谷由実40周年記念ベスト『日本の恋と、ユーミンと。』で、改めて「ひこうき雲」を聴いたことがきっかけであった^[94]。鈴木は宮崎監督にも聴いてもらったところ、「これ、主題歌だよ、ぴったりだね」となり^[94]、本作発表に先立つ『魔女の宅急便』ブルーレイディスク化記念イベントにて、鈴木敏夫と松任谷が同席した際、「いま作っている作品の世界が『ひこうき雲』にぴったりで、使ったらどうだろうか、と（宮崎監督と）話をしている」と突然公開オファーをして周囲を驚かせた^[15]。これに対し松任谷は「鳥肌がたちました。このために40年やってきたのかな…」と快諾し、ジブリとユーミンの24年振りのタッグが組まれることとなった（これは奇しくも、松任谷のデビューアルバムの表題曲が宮崎の引退表明作品に起用されるという、双方のキャリアのマイルストーンが交わることも意味していた）^[15][95]。宮崎は、後日の完成報告会見で同曲起用について「力のある歌です。空想で作った歌じゃない、胸にしみるものがあって生まれた歌だと思った」と述べている^[96]。さらに宮崎は別のインタビューで、「不覚にも…年を取ると涙腺が…」と部屋でこの曲を聴かされたときに涙してしまったことも告白している^[97]。なお松任谷は、本作を観て「本当に感動しました。我慢しても嗚咽が出てしまうくらい」と絶賛している^[93]。

そして「ひこうき雲」は、本作の話題を受けて映画公開日となる2013年7月20日付けでレコチョクシングルデイリーランキングとiTunesのトップソングにおいて首位を獲得したほか^[98]、公開後も映画のヒットや宮崎の引退宣言などを受けて注目度は衰えることなく、同年9月23日付けでBillboard Japan Hot Animationにおいて4度目の首位を獲得し、このアニメチャートでこれまでの記録を更新する最多首位獲得楽曲となった^[99]。

瀧本美織の起用

菜穂子を演じた瀧本美織は当初『かぐや姫の物語』のオーディションに参加していて、最終選考には残ったものの落選。それからしばらく経って『風立ちぬ』のオーディションを受けたところ、高畑勲が宮崎駿に瀧本を推薦して、菜穂子役に決まった後で瀧本はそれを知ることになる。一方で『かぐや姫』の主演は朝倉あきに決定しており、奇しくもNHKの連続テレビ小説『てっぱん』で親友同士を演じた二人が、それぞれ宮崎・高畑作品のヒロインを務めることになった^[100][101]。鈴木敏夫プロデューサーによると、宮崎監督は瀧本の声を聞いた瞬間にキャスティングを決定し、「菜穂子はこういう声の持ち主だ」とまで断言したという^[102]。演技に関しては、瀧本は宮崎から「昔の人は生き方が潔いのだよ。必死に生きようともがく感じではなく、与えられた時間を精いっぱい生きている、そんなイメージで演じて欲しい」とのアドバイスを受けたと語っており^[103]、宮崎は後に「みるみるうちに本当に菜穂子になってしまって、本当に愕然としました」と述べている^[33]。

国内

全国454スクリーンで公開され、2013年7月20日・21日の2日間で興行収入9億6088万円、観客動員74万7451人を突破し、週末興行収入ランキング（興行通信社調べ）で初登場第1位となった。その後も、8週連続で第1位を獲得した^[106]。最終的な興行収入は120.2億円で^[2]、日本国内における2013年度最大のヒット映画となった^[107]。

海外

映画祭において一般公開に先立って上映された。2013年8月28日から9月7日にかけて開催された、第70回ヴェネツィア国際映画祭のコンペティション部門に出品され、菜穂子役の瀧本美織が参加した^{[123][124][125]}。映画祭中日の同年9月1日に、監督の宮崎駿が本作を最後に引退する意向であることを、映画祭会場でスタジオジブリの星野康二社長が初めて明らかにした^[126]。また2013年12月6日から8日にかけてアメリカ合衆国・ロサンゼルスで開催された『LA EigaFest 2013』で招待作品として上映された^[127]。

2014年1月22日よりフランスで一般公開された。公開1か月後時点でのフランスにおける動員数は43万6000人で、『崖の上のポニョ』の91万7000人の約半分の勢いという結果になった。内容が大人向けであることや、作品内のモラルがフランスの観客に対しては曖昧と感じさせるものであるためという分析がされている^[128]（→#海外メディアの評価）。仏『カイエ・デュ・シネマ』が選ぶ2014年の映画ベスト10で、第5位に選ばれている^[129]。

2014年2月21日、ディズニーのタッチストーン配給によりアメリカの21館で限定上映され、28日から450館で拡大公開された^{[130][131][132][133][134]}。前年の11月に英語字幕版が先行公開されたことにより、ナショナル・ボード・オブ・レビューやニューヨーク映画批評家協会賞など全米の主要な映画賞を受賞し^[135]、2014年開催のゴールデングローブ賞やアカデミー賞にノミネートされた^[136][137]（→#賞歴）。

遺族の評価

堀越二郎の長男は、映画版を観た感想として、実際には本庄より二郎は年下なので「さん付け」で呼んでいたはず、といった史実と異なる点が気になったものの、関東大震災のシーンあたりから引き込まれ、別れのシーンでは涙が止まらなかったと高く評価している^[143]。主人公については「いちずさ、気性、生きざまが美しく、その子供としてすごくうれしかった」^[143]と語っている。さらに「父は必ずしも零戦は好きではなかった」^[143]と指摘し「宮崎監督がすごいのは『九試』完成までで、零戦を描いていないこと」^[143]だと評している。なお、「零戦は好きではなかった」^[143]という理由について、堀越の長男は、設計時の要求水準の高さ、テストパイロットの殉職、神風特別攻撃隊での使用など、二郎にとって零式艦上戦闘機は、辛い思い出が多かったことを挙げている。

ヴェネツィア国際映画祭に駆けつけたジャンニ・カプローニの孫イタロ・カプローニは、スクリーンでよみがえった祖父の姿に、「わたしが抱いている祖父のイメージとピッタリ。宮崎監督は祖父を完璧に描いた」と絶賛した^[144]。さらに本作について「とても美しい映画です。一つの時代を描くフレスコ画のよう」とも述べた^[144]。

国内批評家・映画関係者などの評価

公開に先立って映画関係者向けに行われた試写会終了以降、さまざまな批評家や映画関係者がコメントを発表した。

海外メディアの評価

喫煙シーンへの賛否

受賞

アニメーション映画部門

• 第79回ニューヨーク映画批評家協会賞^[180]
• 第39回ロサンゼルス映画批評家協会賞 次点（第2位）
• 第85回ナショナル・ボード・オブ・レビュー賞^[181]
• 第34回ボストン映画批評家協会賞^[182]
• 第18回サンディエゴ映画批評家協会賞
• 第26回シカゴ映画批評家協会賞
• 第17回トロント映画批評家協会賞
• 第17回オンライン映画批評家協会賞
• 第13回ニューヨーク映画批評家オンライン賞
• 第12回ユタ映画批評家協会賞 次点（第2位）
• 第10回セントルイス映画批評家協会賞 次点（第2位）
• 第18回サテライト賞
  • アニメーション・ミックスメディア映画賞
• 第41回アニー賞・長編作品脚本賞^[183][184]

その他

• 第37回日本アカデミー賞^[185]
  • 最優秀アニメーション作品賞
  • 最優秀音楽賞
• 第87回キネマ旬報ベスト・テン
  • 日本映画ベスト・テン 第7位
  • 読者選出 日本映画ベスト・テン 第5位
• 第31回ゴールデングロス賞・最優秀金賞、特別功労大賞^[186]

ノミネート

• 第41回アニー賞・長編作品賞
• 第19回クリティクス・チョイス・アワード
  • アニメ映画賞
• 第26回シカゴ映画批評家協会賞・外国語映画賞
• 第17回オンライン映画批評家協会賞
  • 作品賞
  • 監督賞
  • 脚色賞
  • 非英語作品賞
• 第70回ヴェネツィア国際映画祭・金獅子賞（コンペティション部門）
• 第86回アカデミー賞・長編アニメ映画賞^{[187][188][189]}
• 第71回ゴールデングローブ賞・外国語映画賞
  • アニメ映画賞は、アメリカ合衆国で公開されていない作品を選考対象外としていた。しかし、本作が外国語映画賞でノミネートされたことが影響し、第72回から制作国で上映されていればアニメ映画賞にノミネートされる資格を得ることができるよう条件が改正されることになった^[190]。

英語版

ジブリ作品の『崖の上のポニョ』や『借りぐらしのアリエッティ』^[193][194]、『コクリコ坂から』に続いてフランク・マーシャルが製作を担当する吹替版の配役は^[195][196]、主演の2人にジョセフ・ゴードン＝レヴィット^[197]とエミリー・ブラント。カプローニ役にイタリア系の俳優スタンリー・トゥッチ。そしてカストルプ役にはドイツの映画監督で、俳優としても演じるヴェルナー・ヘルツォークが発表された^[198][199]。

レヴィットはインタビューに応えて、長年尊敬してきた「宮崎映画の映像はとても心を揺さぶられる」ものであり、細部にこだわるビジュアルが「見事な絵画のよう」だと語った。さらに「飛行機作りのプロセスは、もの作りに生涯をささげている人全てに通じる」「この偉大な才能あふれる監督は、この偉大な才能あふれる航空技術者を自分に重ね合わせたに違いない」とも語った。そして「二郎は一貫して礼儀正しい態度を取って」おり、演じるにあたって「どの瞬間にもフォーマルさを注入することを常に心がけた」という。また敬愛するヴェルナー・ヘルツォーク監督とドイツ語で歌った共演についても歓びを明かした^[200]。

劇伴

「旅路」ほか

作曲 - 久石譲

サウンドトラックには31曲が収録されている。

主題歌

「ひこうき雲」

作詞・作曲・歌 - 荒井由実（EMI Records Japan）

2012年11月の『魔女の宅急便』のブルーレイ発売記念トークイベントに松任谷由実（荒井由実）とプロデューサーの鈴木敏夫が出席した際、鈴木が主題歌として使用したい意向を打診^[84]。その後、話し合いが進められ、4月の岩谷時子賞授賞式にて正式に主題歌に決まったことを松任谷由実が発表した^[201]。

挿入曲

「Das gibt's nur einmal」（邦題「唯一度だけ」）

作詞 - Robert Gilbert / 作曲 - Werner Richard Heymann

1931年のドイツ映画『会議は踊る』の主題歌として使われている。劇中ではカストルプ、里見や堀越らが逗留中の軽井沢で歌うシーンがある。

作品本編に関するもの

映像ソフト

• 風立ちぬ DVD - ウォルト ディズニー スタジオ ホーム エンターテイメント（2014年6月18日）
  • DVD（宮崎駿監督作品集） - ウォルト・ディズニー・スタジオ・ジャパン （2014年7月2日発売）
• 風立ちぬ Blu-ray Disc - ウォルト・ディズニー・スタジオ・ジャパン（2014年6月26日）
  • Blu-ray Disc（宮崎駿監督作品集） - ウォルト・ディズニー・スタジオ・ジャパン （2014年7月2日発売）

出版

• 『風立ちぬ THIS IS ANIMATION』(小学館、2013年7月20日、ISBN 978-4-09-103821-0)
• 『風立ちぬ ビジュアルガイド』 ニュータイプ編集部編 (角川書店、2013年7月20日、ISBN 978-4-04-110510-8)
• 『スタジオジブリ絵コンテ全集19 風立ちぬ』(徳間書店、2013年7月31日、ISBN 978-4-19-863638-8)
• 『THE ART OF THE WIND RISES 風立ちぬ』(徳間書店、2013年7月24日、ISBN 978-4-19-810015-5)
• 『風立ちぬ』〈徳間アニメ絵本〉(徳間書店、2013年8月30日、ISBN 978-4-19-863656-2)
• 『風立ちぬ フィルム・コミック』 (アニメージュ編集部編、徳間書店（上）、2013年8月31日、ISBN 978-4-19-770162-9)
• 『風立ちぬ フィルム・コミック』 (アニメージュ編集部編、徳間書店（下）、2013年9月21日、ISBN 978-4-19-770163-6)
• 『ロマンアルバム 風立ちぬ』(徳間書店、2013年10月11日、ISBN 978-4-19-720374-1)
• 『風立ちぬ 宮崎駿の妄想カムバック』、絵画本(大日本絵画、2015年10月8日、ISBN 978-4-49-923167-1)
• 『ジブリの教科書18 風立ちぬ』 スタジオジブリ編、(文藝春秋〈文春ジブリ文庫〉、2018年5月10日、ISBN 978-4-16-812017-6)
• 『シネマ・コミック18 風立ちぬ』(文藝春秋〈文春ジブリ文庫〉、2019年7月、ISBN 978-4-16-812117-3)

音楽

• 風立ちぬ サウンドトラック 徳間ジャパンコミュニケーションズ （2013年7月17日）TKCA-73920
• スタジオジブリ 宮崎駿&久石譲 サントラCD Boxset [Limited Edition] 徳間ジャパンコミュニケーションズ（2014年7月）

テレビ放送の視聴率

声の出演

登場人物と担当キャストはエンディングでの出演者紹介（読み出し）より。