ジャズ

ジャズの語源

卑猥な意味をもつという"jass（ジャス）"によるとする説や、19世紀からアメリカ南部の黒人が使っていた性行為などの性的意味、熱狂や急速なテンポ・リズムを意味するスラングのjazz（ジャズ）によるとする説などがある。jassという言葉の意味は様々に変化し、上記のような特徴をもつ黒人音楽を、ジャズと称するようになった時期も明らかではない。作曲家のジェリー・ロール・モートンは、ラグタイム時代からスウィングジャズ時代まで活動した^[7]。

1916年にシカゴで活動していたジョニー・ステイン（英語版）をリーダーとする白人バンドが、jassということばにヒントを得てバンド名を"Stein's Dixieland Jass Band（ステインのディキシーjassバンド）"とし、これからジャズと称されるようになった、という記録がある。 同年10月にはアメリカの芸能誌『バラエティー』が「ジャズバンド結成」と報じたことを契機に一般化した^[8]。 このグループはさらに"Original Dixieland Jass Band（オリジナル・ディキシーランド・ジャズ・バンド）"と改名、1917年1月に史上最初のジャズ・レコードを録音したが、そのレコードのラベルには"jass band"と印刷されていた^[9]。

創造性

ジャズは、欧州をルーツとするクラシック音楽への対抗や人種差別への抵抗、そして自由な音楽性を探求する音楽だった。それが1960年代初頭までは時代の先端として存在し（ジャズ黄金時代）、新たな演奏スタイルが次々と誕生し、ジャズをより幅広い音楽ジャンルへと変化させた。1940年代後半におけるビバップの誕生は、1950年代におけるビートニク^[12][13]に共感する若者からの支持を獲得したほか、モダンアートの分野にも接近し、グラフィックデザイナーのリード・マイルスが手がけたブルーノート作品に代表されるような、アーティスティックな写真や絵画がモダン・ジャズアルバムのジャケットデザインに多く起用されたり、ヌーヴェルヴァーグと呼ばれる芸術性の高いフランス映画作品にモダン・ジャズがしばしば背景音楽として使用された。また、ジャズは1960年代の公民権運動やヒッピー文化などのカウンターカルチャーとは方向性が異なっていたが、ときに交わることもあった。

ビバップ、フリージャズ、ジャズ・ロック（エレクトリック・ジャズ）など、革新的な音楽スタイルを見出してきたのは常に黒人ミュージシャンが中心であったが、この黒人主導の反抗的で自由な音楽性は、ヒップホップ・ミュージックに受け継がれたという意見がある^[14]。また一部ビバップやフリー・ジャズなどのより革新的な演奏スタイルは、即興性が高く混沌としており、大衆性・商業性には結びつかず、現在でもジャズの中では前衛的ジャンルと認識されている^[15]。一方でこの革新を追い求める姿勢こそが、ジャズが芸術性を有する音楽ジャンルとして認識されるようになった大きな要因ともなっている^[16][17]。

保守性

1910年代にクラシック音楽に倣った編成であるビッグバンド（後のスウィング・ジャズ）が誕生すると、それを機にハーレム・ルネサンスの後押しもあってジャズクラブやジャズバーがニューヨークの各所で開店されていった。しかしコットン・クラブをはじめとしたナイトクラブでは、演奏者は黒人でありながらも、顧客は白人の富裕層・中流層が多かった。それはジャズを、サロン音楽的ジャンルとしても定着させた。演奏者にはタキシードやスーツといったフォーマルな服装の着用が求められ、その慣わしは1960年代まで続いた。このサロン音楽的な性格はクール・ジャズやウエストコースト・ジャズの誕生、ボサノヴァとの融合にも表れ、これらは主に白人ミュージシャンによって主導された。

また、クラシック音楽とジャズは相対する音楽ジャンルとしてみなされることも多いが、実際には多くの（主に白人の）音楽家によって、その積極的な融合への模索はジャズ誕生時から常に図られてきた。ピアニストのビル・エヴァンスのように、ジャズのルーツをクラシック音楽の即興的側面に求め、その歴史的正統性をアピールしたミュージシャンもいた。また同じくピアニストであったフリードリヒ・グルダのように、クラシック音楽の演奏でその名を馳せながらジャズにも傾倒するようなミュージシャンもいた。

趣味と社会階級の関係性を分析した研究で知られるフランスの社会学者ピエール・ブルデューは、フランスの支配階級の人々がクラシック音楽とともにジャズも好む傾向を明らかにしており^[18]、転職サイトのキャリアインデックスによるアンケート調査によっても、クラシック音楽やジャズは年収の上昇とともに「好き」の割合が高くなっていくといった調査結果が示されている^[19]。

大衆性・商業主義

ジャズは、白人のメインカルチャーとは異なる、都市の黒人による洗練された音楽として登場したが、ラグタイムからの音楽性を受け継いだ当初から、大衆音楽としての側面があった。大衆文化に寄り添い、また商業性を意識した音楽性は、1940年代の芸術音楽であるビバップの誕生までは、ジャズの主要な特徴として認識された。ビッグバンドやスウィング・ジャズは、クラブやバーで演奏されるだけでなく、ダンスホールで演奏される、大衆のためのダンス・ミュージックとしての役割も担い、狂騒の20年代を文化的側面から支えた（ジャズ・エイジ）。ヴォーカル・ジャズも同様にジャズファンのみならず大衆からも人気を博し、ポピュラー音楽の一翼を担っていた。ビリー・ホリデイ、サラ・ヴォーン、エラ・フィッツジェラルドといった、保守本流の正統なジャズシンガーとして活躍した者もいたが、ビング・クロスビーやフランク・シナトラのように、ポピュラーソングとしても多数のヒットを放ち、映画俳優やラジオ司会者など多方面でも活躍して、稀代のエンターテイナーとして歴史に名を残したジャズシンガーもいた。またルイ・アームストロングやチェット・ベイカーのように、演奏・ヴォーカルともに活躍した者もいた。

1910年代 - 1920年代

ジャズは、19世紀末から20世紀初頭のニューオーリンズにおいて、ブルース、ラグタイム、スピリチュアル、ブラスバンド、ダンス音楽などが結びついて形成された。初期の演奏は、コルネット、クラリネット、トロンボーン、ピアノ、バンジョーまたはギター、チューバまたはベース、ドラムスなどを含む小編成で行われ、複数の旋律が同時に進行する集団即興を特徴とした^[20]。20世紀初頭には、コルネット奏者のバディ・ボールデンがニューオーリンズで人気を博したが、本人による録音は残されていない。

1917年、ニューオーリンズ出身の白人バンド、オリジナル・ディキシーランド・ジャズ・バンドがビクターから「Livery Stable Blues」と「Dixie Jass Band One-Step」を録音した。これは一般に最初の商業的なジャズ録音とされ、全米的なヒットとなった^[21]。一方で、ニューオーリンズではそれ以前から黒人演奏家による即興的な音楽実践が発展しており、キング・オリヴァー、キッド・オリー、ルイ・アームストロングらが1920年代に録音を行うと、より高度な即興演奏が広く知られるようになった。

1920年代には、禁酒法下の酒場、ダンスホール、劇場、ラジオ放送、レコード産業の発展を背景に、ジャズはアメリカの都市文化を象徴する音楽となった。この時代は作家F・スコット・フィッツジェラルドらによって「ジャズ・エイジ」と呼ばれた^[22]。ニューオーリンズの音楽家たちは、シカゴやニューヨークなどの都市へ移り、レコードやラジオを通じてジャズの普及に大きな役割を果たした。

とくにルイ・アームストロングは、1920年代半ばのホット・ファイヴおよびホット・セヴンの録音を通じて、集団即興を中心とする初期ジャズの中で独立したソロ奏者の重要性を高めた^[22]。また、シドニー・ベシェ、ジェリー・ロール・モートン、ビックス・バイダーベックらも、初期ジャズの即興、作曲、録音に重要な足跡を残した。

1930年代 - 1940年代

1930年代には、ダンス・オーケストラの大型化と編曲技法の発展により、ビッグバンドによるスウィング・ジャズが確立した。フレッチャー・ヘンダーソンはビッグバンドの編成と編曲様式に大きな影響を与え、デューク・エリントンは楽団員それぞれの音色や個性を生かした作品を作った^[22]。また、ベニー・グッドマン、カウント・ベイシー、グレン・ミラー、トミー・ドーシーらの楽団は、ラジオ放送、レコード、ダンスホールを通じて広い人気を得た。

スウィング期には、編曲されたアンサンブルと即興ソロの関係が発展し、バンドリーダー、編曲家、スター・ソリストの役割がそれぞれ重要になった。エリントン楽団のジョニー・ホッジス、ベイシー楽団のレスター・ヤング、グッドマン楽団のジーン・クルーパやライオネル・ハンプトンなどは、各楽器の演奏様式に影響を与えた。また、グッドマンが黒人演奏家のテディ・ウィルソンやハンプトンを自らの小編成グループに起用したことは、人種隔離が強かった当時のアメリカ社会において象徴的な出来事となった^[22]。

一方で、1930年代末から1940年代初頭にかけて、スウィングの大編成や商業的なダンス音楽に飽き足らない若い演奏家たちは、小編成によるより複雑な即興演奏を追求するようになった。チャーリー・パーカー、ディジー・ガレスピー、セロニアス・モンク、ケニー・クラーク、マックス・ローチらは、ニューヨークのミントンズ・プレイハウスなどのジャム・セッションで新しい語法を発展させ、これがビバップと呼ばれるようになり、1940年代以降のモダン・ジャズの出発点となった^[23]。ただし、1942年から始まったアメリカ音楽家連盟による録音禁止措置の影響により、スウィングからビバップへの移行期の録音は限られている^[24]。

第二次世界大戦中の徴兵、移動制限、興行税、録音禁止などもビッグバンドの運営を困難にした。戦後には、大編成のスウィング楽団に代わって、小編成のモダン・ジャズや歌手を中心とするポピュラー音楽がより大きな比重を占めるようになった^[22]。

1950年代 - 1960年代

1950年代から1960年代にかけて、ジャズは1940年代に成立したビバップを基盤としながら多様な様式を生み出し、モダン・ジャズの黄金期を形成した。

ビバップの発展と並行して、1950年代にはクール・ジャズやウエストコースト・ジャズが広がった。マイルス・デイヴィスの九重奏団による録音『クールの誕生』は、対位法的な編曲、抑制された音色、管楽器の多彩な組み合わせによってクール・ジャズの重要な出発点となった。西海岸では、ジェリー・マリガン、チェット・ベイカー、ショーティ・ロジャース、シェリー・マンらが、編曲性や室内楽的な響きを重視した演奏を行った^[25]。

一方、1950年代半ばには、ビバップを軸にブルース、ゴスペル、R&Bの要素をより強く取り入れたハード・バップが発展した。アート・ブレイキー、ホレス・シルヴァー、クリフォード・ブラウン、ソニー・ロリンズ、キャノンボール・アダレイらは、強いリズム感、明快なテーマ、ブルースに根ざしたフレージングを特徴とする演奏を行った。ブルーノート・レコード、プレスティッジ・レコード、リバーサイド・レコードなどのレーベルは、この時期のモダン・ジャズの録音を多数残した^[26]。

この時期には、ジャズと映画音楽の結びつきも強まった。モダン・ジャズ・カルテットは、1957年にロジェ・ヴァディム監督の映画『大運河』のためにジョン・ルイスが作曲した音楽を録音し、『たそがれのヴェニス』として発表した^[27]。同年、マイルス・デイヴィスはルイ・マル監督の『死刑台のエレベーター』の音楽をパリで録音し、映像を見ながら即興的に演奏した^[28]。こうした作品は、モダン・ジャズが映画の雰囲気や心理描写と結びつく可能性を示した。

1950年代末には、モード・ジャズが重要な展開を見せた。従来のビバップやハード・バップでは、頻繁に変化するコード進行に沿って即興を行うことが多かったが、モード・ジャズでは、少数の旋法を基礎として、より長い時間的な広がりの中で旋律を展開した。マイルス・デイヴィスの『カインド・オブ・ブルー』はその代表作とされ、ジョン・コルトレーン、キャノンボール・アダレイ、ビル・エヴァンスらが参加した^[29][30]。

1960年代には、オーネット・コールマン、セシル・テイラー、アルバート・アイラー、サン・ラ、後期のジョン・コルトレーンらによって、より自由な即興を重視するフリー・ジャズやアヴァンギャルド・ジャズが発展した。コールマンの『ジャズ来るべきもの』は、ビバップ的な和声構造や定型的な拍節から距離を取りながらも、即興演奏をジャズの中心に置いた作品として評価されている^[31]。また、コルトレーンの『至上の愛』は、モード・ジャズ、精神性、拡張された即興を結びつけた1960年代の重要作となった^[32]。

1960年代前半には、ブラジルのボサノヴァとジャズの結びつきも広がった。スタン・ゲッツはチャーリー・バード、ジョアン・ジルベルト、アントニオ・カルロス・ジョビンらと共演し、『ゲッツ/ジルベルト』や「イパネマの娘」を通じて、ボサノヴァをアメリカのジャズおよびポピュラー音楽の聴衆へ広めた^[33]。

ジャズ・ヴォーカルでは、エラ・フィッツジェラルド、サラ・ヴォーン、ビリー・ホリデイ、カーメン・マクレエ、アニタ・オデイらが活動を続け、ナット・キング・コール、メル・トーメ、ペギー・リー、フランク・シナトラらもジャズとポピュラー・ソングの境界を横断して人気を得た。1960年代にはニーナ・シモンのように、ジャズ、ブルース、ソウル、フォーク、ゴスペルを横断しながら、同時代の社会的・政治的状況と結びついた表現を行う歌手も登場した。

1960年代までのジャズは、エレクトリック・ギターやハモンドオルガンなど一部の楽器を除き、アコースティック楽器を主体として演奏されることが多かった。しかし1960年代末になると、マイルス・デイヴィスはエレクトリックピアノ、エレクトリック・ギター、エレクトリック・ベースなどを積極的に導入し、ロックやファンクのリズム、スタジオ編集を取り入れた音楽を展開した。1970年に発表された『ビッチェズ・ブリュー』は、アコースティック楽器と電気楽器を混在させた大編成、反復的なグルーヴ、即興演奏、録音後の編集を結びつけた作品であり、1970年代のジャズの発展に大きな影響を与えた^[34]。

1970年代 - 1980年代

『ビッチェズ・ブリュー』およびその前後のマイルス・デイヴィスのグループに参加したミュージシャンの多くは、1970年代に入ると独自の活動を展開した。ジョー・ザヴィヌルとウェイン・ショーターはウェザー・リポート、チック・コリアはリターン・トゥ・フォーエヴァー、ジョン・マクラフリンはマハヴィシュヌ・オーケストラを結成し、ハービー・ハンコックもヘッドハンターズでファンク色の強い電化ジャズを発展させた。これらのグループは、技巧的な即興演奏と、ロック、ファンク、ラテン音楽などのリズムや音響を結びつけ、クロスオーバー、ジャズ・ファンク、ジャズ・ロック、フュージョンと呼ばれるスタイルを発展させた^[35]。

フュージョンは、チック・コリア、ジョー・ザヴィヌル、ウェイン・ショーター、ジョン・マクラフリン、スタンリー・クラーク、ジャコ・パストリアスらによって、技巧的な即興演奏と同時代のポピュラー音楽を結びつけた。一方で、ジョージ・ベンソン、グローヴァー・ワシントン・ジュニア、チャック・マンジョーネ、リー・リトナー、ラリー・カールトンらは、よりメロディアスで商業的なクロスオーバー／フュージョン作品を発表し、FMラジオや大規模なコンサート市場にも受け入れられた。1970年代後半から1980年代には、この流れの一部がスムーズジャズへとつながった^[36]。

同じ時期、フュージョンとは別に、フリー・ジャズやアヴァンギャルド・ジャズの流れも継続した。ニューヨークでは、サム・リヴァースのスタジオ・リヴビーなど、ミュージシャン自身が運営するロフト空間を拠点としたロフト・ジャズの動きが生まれ、商業的なクラブとは異なる場所で自由な即興演奏が行われた^[37]。

また、ドイツのECMレコードは、キース・ジャレット、ヤン・ガルバレク、パット・メセニーらを通じて、室内楽的な響きや欧州の民俗音楽、現代音楽の要素を含む独自のジャズを広めた^[38]。

1980年代には、フュージョンや前衛的な流れに対する反動として、ビバップ、ハード・バップ、モード・ジャズなどのアコースティックな語法を再評価する動きも強まった。ウィントン・マルサリス、ブランフォード・マルサリス、テレンス・ブランチャード、ドナルド・ハリソンらは、しばしば「ヤング・ライオンズ」と呼ばれ、ストレート・アヘッドなジャズの復興を象徴する存在となった^[39]。この動きは、後にネオ・バップやジャズ教育機関の発展とも結びついた。

1990年代 - 2000年代

1990年代には、1980年代に台頭したアコースティックなポスト・バップやネオ・バップの潮流が、ジョシュア・レッドマン、クリスチャン・マクブライド、ロイ・ハーグローヴ、ブランフォード・マルサリス、ケニー・ギャレットらに継承された。一方、ブラッド・メルドーはジャズの即興語法を保ちながら、ロックやポピュラー音楽の楽曲を取り上げ、レパートリーの拡張を進めた。この方向性は、2000年代に登場したザ・バッド・プラスなどにも引き継がれた^[40]。

この時期には、ヒップホップやR&B、ネオ・ソウルとの交流も活発になった。ア・トライブ・コールド・クエスト、ギャング・スター、US3などは、ジャズの録音をサンプリングに用い、ジャズ・ラップを普及させた^[41]。また、ブランフォード・マルサリスはバックショット・ルフォンクでヒップホップ、ロック、ファンクを横断する作品を発表し、ロイ・ハーグローヴは2000年代にRHファクターを結成して、ジャズとR&Bの接続を推し進めた。

2000年代には、エスペランサ・スポルディング、ホセ・ジェイムズ、グレゴリー・ポーター、ロバート・グラスパーらが登場し、ソウルやR&B、ヒップホップ、シンガーソングライター的な作家性をジャズに取り込んだ。なかでもグラスパーは、アコースティック・ジャズの語法、J・ディラ以後のビート感覚、ネオ・ソウルの歌唱を横断する音楽によって、次の時代におけるジャズとブラック・ミュージックの新たな接点を示した。

また、ヨーロッパを中心にニュージャズが台頭し、ジャザノヴァ、ブッゲ・ヴェッセルトフト、ニルス・ペッター・モルヴェルらが、即興演奏と電子音楽、DJカルチャーの制作手法を組み合わせた作品を発表した^[42]。

2010年代 - 2020年代前半

2010年代には、ジャズとヒップホップ、R&B、電子音楽、地域ごとのクラブ・カルチャーを結びつける動きがさらに広がった。ロバート・グラスパーは、ロバート・グラスパー・エクスペリメント名義の『ブラック・レディオ』でジャズ、R&B、ヒップホップの境界を横断し、同作は2013年のグラミー賞で最優秀R&Bアルバムを受賞した^[43]。この時期には、カマシ・ワシントン、テラス・マーティン、サンダーキャットらが、ロサンゼルスのジャズ、ヒップホップ、R&Bの接点を広く知らしめた^[44]。

シカゴでは、マカヤ・マクレイヴンらが、即興演奏を録音後に編集・再構成する手法によって、ジャズとビート・ミュージック、現代的なプロダクションを結びつけた。また、インターナショナル・アンセムなどのレーベルは、シカゴを中心とする新しいジャズの発表の場となった。ニューヨークでは、イマニュエル・ウィルキンス、ジョエル・ロス、メアリー・ハルヴァーソン、ヴィジェイ・アイヤーらが、それぞれ異なる形で現代ジャズの表現を更新した。

イギリスでは、2010年代後半以降、ロンドンを中心とするジャズ・シーンが国際的に注目された。シャバカ・ハッチングス、ヌバイア・ガルシア、モーゼス・ボイド、エズラ・コレクティヴらは、ジャズをアフロビート、ダブ、カリブ音楽、ヒップホップ、クラブ・ミュージックと結びつけた^[45]。エズラ・コレクティヴは2023年に『Where I'm Meant to Be』でマーキュリー賞を受賞し、同賞初のジャズ作品による受賞となった^[46]。

2020年代前半には、ジャズ系アーティストが一般的な音楽賞で注目される例も見られた。ジョン・バティステは『We Are』で2022年のグラミー賞年間最優秀アルバムを受賞し、サマラ・ジョイは2023年にグラミー賞最優秀新人賞を受賞した^[47][48]。こうした動きは、ジャズが特定の様式に収束するのではなく、R&B、ヒップホップ、電子音楽、地域的な音楽文化と結びつきながら、多極的に展開していることを示している。

ジャズメンの来日

NHK『タモリのジャズスタジオ』においてピーター・バラカン・ブロードキャスターが「ヨーロッパと日本がなければ、アメリカのジャズ・ミュージシャンは生計が立たなかった」と述べた様に^[要出典]、ジャズ・プレイヤーにとって日本は重要なマーケットで、多くのミュージシャンが来日公演を行なっている。日本にジャズ・ミュージシャンとして初めて来日したアメリカ人は1952年、ベニー・グッドマン楽団で活躍したドラマーのジーン・クルーパである。翌年には、オスカー・ピーターソン、ベニー・カーター、エラ・フィッツジェラルドなどと共にジャズ・アット・ザ・フィルハーモニック（JATP）として再来日した（この一座にチャーリー・パーカーが参加し来日する予定もあったが結果的に実現しなかった）。その翌月にはルイ・アームストロングが初来日し公演を行っている。

ヨーロッパ

ヨーロッパではイギリス、フランス、ドイツ、北欧などでもジャズが発展した。イギリスのジャズメンでは、ケニー・ボール&ヒズ・ジャズメンの「遥かなるアラモ」、クリス・バーバーの「可愛い花」などがよく知られている。フランスではアメリカから移住した、「小さな花」のシドニー・ベシェや、後のデクスター・ゴードンらがジャズを広めた。北欧でもジャズが、盛んに演奏された。しかし、ヨーロッパの一部では、保守層やファシズム政権等で、「黒人音楽」「軽佻浮薄」な「非音楽」であるとしてジャズを排斥する動きも起こった。ナチ党に支配されたナチス・ドイツでは、反ジャズが政府の公式な見解となり、「退廃音楽」「斜めの音楽」（比喩：「変な音楽」)と呼ばれ1935年に黒人が演奏するジャズの放送が禁止されるなど、様々な条例が作られた。しかし当局によるジャズの定義があいまいであったため、ドイツ人演奏家によるジャズ演奏自体は行われていた。ナチスは、すでに大衆音楽として普及していたジャズを禁止することは得策ではないとして、娯楽放送や宣伝放送にジャズを紛れ込ませた^[53]。

ラテン・アメリカ

アフロキューバン・ジャズと呼ばれ、ラロ・シフリンらが活躍した。

アフリカ

ダラー・ブランドらがいたが、彼のジャズはアメリカのジャズとほぼ同じ音楽性だった。アフロ・ジャズ、アフロ・ディスコは、欧米や日本で考えられている、ジャズ、ディスコとは、サウンドが異なる。

戦前日本のジャズ

戦前の日本にすでに渡ってきていた舶来音楽、西洋音楽には、ジャズとタンゴがあった。初期のジャズ演奏家には、紙恭輔、南里文雄、井田一郎らがいた。井田は1923年に日本で初めてのプロのジャズバンドを神戸で結成した^[54][55]。

ジャズの聴き手や演奏家には、都会人やブルジョワ階級の子弟が多かった。当時のレコード業界はポリドール（1927）、ビクター （1927）、コロムビア（1928）と外資系の大手レコード会社が設立された。テイチクは、異業種参入組のキング（大日本雄弁会講談社のレコード会社）より更に遅い1934年だが、その年の12月に発売したディック・ミネの「ダイナ」がヒット。「ダイナ」はよくカバーされた日本のジャズソングであり、榎本健一はパロディとしてカバーした。

最初のジャズソングとされるのが二村定一がジーン・オースティン（英語版）の"My Blue Heaven"をカバーした「青空」で、1927年にラジオ放送された。レコードが発売されたのは翌年の1928年。A面が「青空」、B面が「アラビヤの唄」だった。また、ラジオ、レコードで企画を立ち上げる人間も必要になり堀内敬三が登場した。初期のジャズ演奏家である紙恭輔がコロムビアに関わった。

1930年代のスウィングジャズは、時代の最先端であり、服部良一は1935年当時のデザインの流線型を題材にした「流線型ジャズ」（志村道夫）を世に出した^[56]。しかし、1940年10月31日限りで日本全国のダンスホールは一斉閉鎖された。

行政警察を管掌する内務省、映画や音楽を監督指導する情報局はジャズを「敵性音楽」として禁令^{[注釈 1]}を出したが、抽象的過ぎて何の曲がジャズに含まれるか、音楽の素人である役人に判別は難しかった。また1943年1月にはジャズレコードの演奏禁止、更にレコードの自発的提出、「治安警察法第十六条」の適用による強制的回収などにより米英音楽の一掃を図ったが、北村栄治のように自宅でこっそり聴いていた者もいた。最終的には役人に協力する音楽業界の人間が、日本音楽文化協会、いわゆる「音文」（音楽界の統制団体）の小委員会の決定により、「ジャズの演奏は禁止」となった。こののちジャズメンの活動は、各種の慰問団などに変わっていった。

戦前に活躍したジャズ・ミュージシャン、ジャズ歌手としては、二村定一、服部良一、淡谷のり子、ディック・ミネ、志村道夫、南里文雄、堀内敬三、川畑文子、ベティ稲田、井田一郎、レイモンド・コンデ、水島早苗、あきれたぼういずらがいた。

戦後日本のジャズ

戦後、ジャズ、カントリー、ハワイアンなどのアメリカ音楽が、日本に入ってきた。進駐軍の音楽は、「ベース」で演奏された。戦後の日本のジャズの早い例には、ニュー・パシフィック・ジャズバンドがあげられる。弘田三枝子、伊東ゆかり、しばたはつみは少女歌手として、米軍キャンプで歌った。

戦後は、服部良一が作曲したブギウギを笠置シヅ子に歌わせたことから始まる。江利チエミ、ジョージ川口、ティーブ釜萢（ムッシュかまやつの父）、ナンシー・梅木、世良譲などのすぐれた歌手、演奏家などが出、ジャズが大衆化した。一時期は、外国のポピュラー音楽をすべて「ジャズ」と呼ぶ風潮が広がったほどである^[58]。また、ディキシーランドジャズ・バンドが数多く生まれている。

鈴木章治とリズムエース、北村英治らも音楽活動を始めた。宮沢昭、守安祥太郎らも活躍した。1956年に穐吉敏子が、1962年に渡辺貞夫がバークリー音楽院（現バークリー音楽大学）に留学^[59]。1963年には松本英彦がモントレー・ジャズ・フェスティバルに出演する等、国際的に活動するミュージシャンも増えていった。八木正生、猪俣猛らも活躍した。

1960年頃、アート・ブレイキーのモーニン（1958年発表）のヒットにより、ファンキー・ブームが起こった^[60]。1961年に発足、翌年改名したミュージシャンたちの勉強会 新世紀音楽研究所（改名前はジャズ・アカデミー）に集った高柳昌行、富樫雅彦、日野皓正、菊地雅章、山下洋輔らが、毎週金曜日に銀巴里でジャムセッションを行った。日野皓正は、そこが自身の原点だと述べる^[61]。

1965年、ニューポートジャズフェスティバルに日本人ジャズシンガーとして初めて出演したのは、3日目のトリをビリーテイラートリオと一緒に出演した弘田三枝子だった。1960年代、70年代から日本でもフリー・ジャズが盛んになってくる。日本のフリー・ジャズの先駆者となったのは、阿部薫、高柳昌行らである。1970年代後半になるとフュージョン・ブームとなり、渡辺貞夫らもフュージョン・アルバムを出すほどだった。中央線沿線を拠点とするミュージシャンも多く登場し、1980年代後半、新星堂のプロデューサーが続に中央線ジャズという言葉を提唱した^[62]。

21世紀に入ってからも、H ZETTRIO、山中千尋、矢野沙織、寺久保エレナ、上原ひろみ、国府弘子、西山瞳、菊地成孔、小曽根真、石若駿らが活躍した。

ジャズ・アンバサダーズ

ジャズ・アンバサダーズ（英語版）は、冷戦時代にアメリカ合衆国国務省が行ったジャズ外交で、ジャズ文化を世界に広めるためにツアーを行ったミュージシャンたちである^[68]。

著名なジャズクラブ

• ヴィレッジ・ヴァンガード（1935年 - 、ニューヨーク）グリニッジ・ヴィレッジ地区にあり、モダンジャズを牽引した名店。
• ミントンズ・プレイハウス（1938年 - 1974年、ニューヨーク）テナーサックス奏者ヘンリー・ミントンが開店。ビバップの発祥の証しとなる「ミントンハウスのチャーリー・クリスチャン」1941年でのセッションレコードで有名。2006年再開店。
• バードランド（1949年 - 1965年、ニューヨーク）マンハッタン地区にあったビバップ・モダンジャズの黄金時代を牽引した名店。1986年再開店。
• プリザベーション・ホール（1960年代 - 、ニューオーリンズ）ディキシーランド・ニューオーリンズジャズ主体の名店。
• ブルーノート（1981年 - 、ニューヨーク）グリニッジ・ヴィレッジ地区にあり、世界各国にレストランをチェーン展開。ブルーノート・レコードとは無関係。

ジャズクラブ以外

• コットン・クラブ（1923年 - 1940年、ニューヨーク）ハーレム地区にあった名高い高級ナイトクラブ。
• カーネギー・ホール（1891年 - 、ニューヨーク）マンハッタン地区にあるコンサートホール。1938年ベニー・グッドマンにより史上初のジャズ・コンサートが開催された。
• アポロ・シアター (1860年 - 、ニューヨーク) マンハッタン地区にあるコンサートホール、クラブ。

ジャズ喫茶

ジャズを聴きながら楽しむ喫茶店。日本で1950年代後半から流行り、1970年代から下火となる。

三大ジャズ・フェスティバル

• ニューポート・ジャズ・フェスティバル（アメリカ、1954年 - ロードアイランド州・ニューポート）
  1984年に日本ビクターがスポンサーに付いて以降のフェスティバル・プロダクション主催の同フェスティバルは JVC Jazz Festival Newport, R.I. が正式名称。世界の複数の都市で姉妹フェスティバルが催されている）
• モントレー・ジャズ・フェスティバル（アメリカ・カリフォルニア州・モントレー）
• モントルー・ジャズ・フェスティバル（スイス・モントルー、毎年7月開催）

北アメリカ

• ニューポート・ジャズ・フェスティバル
• モントレー・ジャズ・フェスティバル
• サッチモ・サマーフェスト（アメリカ・ニューオーリンズ）: 毎年、ルイ・アームストロングの誕生日8月4日を含む日程で開催される。French Quarter Festivals, Inc.主催。
• ニューオーリンズ・ジャズ&ヘリテッジ・フェスティバル（アメリカ・ニューオーリンズ）（アメリカ、1970年 - ）
• バンクーバー・ジャズ・フェスティバル（カナダ・バンクーバー、毎年6月開催）
• モントリオール国際ジャズフェスティバル（カナダ・モントリオール）世界最大規模。
• シカゴ・ジャズ・フェスティバル - アメリカ・シカゴのグラント・パークで毎年9月開催。
• ビーチズ・インターナショナル・ジャズ・フェスティバル（カナダ・トロント）

ヨーロッパ

• モントルー・ジャズ・フェスティバル
• ノース・シー・ジャズ・フェスティバル（オランダ・ロッテルダム）
• メールス・ニュー・ジャズ・フェスティバル（ドイツ・メールス）
• 四月ジャズ祭（フィンランド）
• ジャズ・ジャンボリー祭（ポーランド）
• アンティーブ・ジャズ祭（フランス）
• レニングラード・ジャズ祭（ロシア）

アフリカ

• ケープタウン・インターナショナル・ジャズ・フェスティバル（南アフリカ共和国）

アジア

• バクー・ジャズ・フェスティバル（アゼルバイジャン・バクー）
• ジャカルタ国際ジャワ・ジャズ・フェスティバル（インドネシア・ジャカルタ）
• ソウル・ジャズ・フェスティバル（韓国・ソウル）
• 台中ジャズ・フェスティバル（台湾・台中）

TV・ラジオ番組

映画

アーティスト伝記物、もしくはストーリー・音楽ともにジャズと関わりの深い作品